Grandi Maestri - Fondazione Credito Bergamasco

Grandi Maestri
Capolavori dalla collezione del Banco Popolare
Grandi Maestri
Capolavori dalla collezione del Banco Popolare
Bergamo, 9 maggio - 26 giugno 2015
Palazzo Storico Credito Bergamasco
Lodi, 12 settembre - 11 ottobre 2015
Spazio espositivo Bipielle Arte
Curatori
Angelo Piazzoli
Michela Parolini
Progetto grafico
Drive Promotion Design
Art Director
Giancarlo Valtolina
Indicazioni cromatiche
VERDE
C100 M40 Y100
PANTONE 349
R39 G105 B59
BLU
C100 M80 Y20 K40
PANTONE 281
R32 G45 B80
ROSSO
C40 M100 Y100
PANTONE 187
R123 G45 B41
Grandi Maestri
Capolavori dalla collezione del Banco Popolare
Dipinti scelti dal XIV al XX secolo
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Prefazione e Saggi
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Artisti esemplari
I Capolavori della collezione Banco Popolare costituiscono una storia tutta italiana. La storia di numerosi
Istituti di Credito che, nel corso del XX secolo, hanno collezionato opere d’arte, non dimenticando la loro
origine. Il territorio nativo delle Banche è lo stesso che ha dato vita alle vicende di artisti esemplari, radicati in
quel medesimo territorio.
Non è un caso che i più importanti artisti veneti siano stati collezionati dalla Banca Popolare di Verona, oppure
che quelli lodigiani siano rappresentati al meglio nella Popolare di Lodi.
Ovviamente questi esempi potrebbero essere estesi a tutte le Banche del Gruppo ma basti l’episodio emblematico
della Battaglia di Sennacherib di Tanzio da Varallo, il cui bozzetto è custodito nella collezione della Banca
Popolare di Novara mentre l’opera finita è nella chiesa di San Gaudenzio della stessa città. Questa forma
di rispecchiamento ha nutrito la storia delle collezioni del Banco Popolare, continuamente teso al bene del
territorio d’origine.
Non esistono capolavori assoluti, solo capolavori relativi. Con questa asserzione torniamo alla storia italiana,
moltiplicata nei suoi magnifici, infiniti campanili. Anche la storia dell’arte è una storia regionale e si è adattata
alle vicende particolari emerse dagli andamenti sinuosi delle civiltà particolari che l’hanno prodotta. Per questo
motivo si può dire che non esiste un filo rosso in grado di legare insieme tutti i Capolavori della collezione Banco
Popolare. Ogni capolavoro è una storia a sé. Ma ognuno è capace di raccontare la vicenda di un artista, di un
collezionista, di un territorio, di un destino pubblico, perciò meritevole di essere condivisa.
La mostra dei Capolavori tende innanzitutto a far emergere opere d’arte – generalmente sottratte alla vista del
grande pubblico – e a condividerle. Poi fa leva sulle complesse e virtuose sinergie di un sistema di banche che a
loro volta sono coinvolte nella condivisione di un progetto. Quella attuale è solo una delle tappe che renderanno
itinerante un percorso destinato ad aprirsi verso i territori di appartenenza delle collezioni, in una spirale capace
di riannodare i fili con il passato e con il presente, proiettandole verso il futuro.
Guardare alle nostre radici – storiche, culturali, sociali, artistiche – consente di discernere meglio il presente,
attraverso un’operazione che mescola insieme memoria, futuro e speranza. Se è vero che un popolo senza
memoria non ha un futuro – e, in un contesto senza speranza, non ha neppure un presente – risvegliare la
consapevolezza di se stessi, della propria identità e delle ragioni dello stare insieme può essere un meccanismo
virtuoso per invertire l’attuale negativa tendenza. A maggior ragione se ciò avviene attraverso la bellezza che
riesce a colpire, attraverso le emozioni e l’entusiasmo, il cuore dell’uomo.
«Di questo entusiasmo hanno bisogno gli uomini di oggi e di domani per affrontare e superare le sfide cruciali
che si annunciano all’orizzonte. Grazie ad esso l’umanità, dopo ogni smarrimento, potrà ancora rialzarsi e
riprendere il suo cammino. In questo senso è stato detto con profonda intuizione che “la bellezza salverà il mondo”»
(Giovanni Paolo II, Lettera agli artisti, aprile 1999, Par. 16).
La Bellezza, diceva Dostoevskij, salverà il mondo.
Bergamo, febbraio 2015
Angelo Piazzoli
Responsabile
Patrimonio Artistico
Banco Popolare
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Uno sguardo ai Capolavori
La volontà di favorire la conoscenza del patrimonio artistico del Banco Popolare è all’origine di questa
iniziativa di esporre una rassegna antologica di opere d’arte della Raccolta prendendo spunto dal libro
strenna pubblicato in occasione del Natale 2010 dedicato ad una selezione di 144 dipinti, occasione in cui
si rendeva noto l’ampio lavoro di catalogazione e approfondimento storico-critico compiuto ad oggi su circa
1.300 opere, svolto con la preziosa collaborazione del Museo Civico di Castelvecchio di Verona e di un gruppo
di specialisti storici dell’arte.
Nell’ambito del complesso programma di valorizzazione è stato realizzato anche un sito web attraverso il quale è
possibile accedere alle schede delle opere più significative individuate tra le oltre 10.000 (www.patrimonioculturale.
bancopopolare.it).
Si tratta di attività di ricerca e divulgazione necessarie e in continua evoluzione visto il rapido processo di
aggregazioni che ha profondamente mutato la struttura del Gruppo. Il lavoro costante di indagine sulla Raccolta,
unito a quello di salvaguardia e tutela conservativa, consente di acquisire una più approfondita consapevolezza
dell’esistente e di migliorarne la diffusione presso il pubblico.
La catalogazione non è ancora ultimata, tanto è ampio il patrimonio da sottoporre a indagine critica.
È in corso la messa in sicurezza e l’inventariazione di più di duemila volumi raccolti nel tempo dai nobili
Carandini, tra i quali spicca una seconda edizione del 1500 del giurista francese René Choppin, De legibus
Andium municipalibus, importante perché mai censita nel catalogo delle cinquecentine italiane.
Stiamo completando una campagna di studio dedicata a circa 150 disegni, perlopiù opere di scuola napoletana
e romana del Sei e Settecento e di artisti italiani e stranieri del XIX e XX secolo. Due testimonianze importanti
di tale patrimonio grafico sono presentate eccezionalmente in questa sede: si tratta di uno spettacolare schizzo
di Gaetano Previati preparatorio per il celebre dipinto Maternità, entrato a far parte nel 2014 delle collezioni
del Banco, e di un notevole disegno a tecnica mista di Antoni Tàpies.
Proprio alla celeberrima Maternità di Previati, un testo fondamentale della cultura figurativa italiana
dell’Ottocento al crocevia tra le poetiche veriste e realiste e la pittura divisionista, sono state dedicate nuove
importanti ricerche che presentiamo qui in una specifica sezione di approfondimento dove sono raccolte, per la
prima volta accanto al dipinto, tutte le versioni pittoriche e grafiche riferite al soggetto conosciute, preparatorie
e postume, individuate in collezioni pubbliche e private.
Parallelamente alla mostra previatesca si presenta un percorso più esteso e variegato tra dipinti dal XIV al XX
secolo articolati secondo l’alternarsi geografico delle “scuole” figurative che raccontano gli eventi artistici del
passato e al tempo stesso la storia dei territori in cui si insediano oggi le banche del Gruppo, dalla tradizione del
grande collezionismo storico ai segni più recenti del collezionismo locale.
La raccolta di testimonianze d’arte presso gli operatori finanziari trova come noto le sue radici nelle inclinazioni
dei grandi banchieri rinascimentali, ma si fonda oggi su basi radicalmente diverse. Ci sono casi in cui parte dei
profitti è stata indirizzata a interventi specificatamente culturali, altri in cui c’è stata la necessità di arredare
sedi di rappresentanza e di recuperare crediti non altrimenti esigibili. Infine, anche se più raramente, la banca
è diventata acquirente o committente nella prospettiva di effettuare un accorto investimento, valorizzando
nel contempo la ricerca artistica, i suoi protagonisti e la cultura figurativa dei territori di riferimento.
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La collezione dei dipinti del Banco Popolare è vasta e autorevole, frutto, come già ricordato, dell’unione delle
raccolte d’arte di istituti di credito radicati in regioni e città diverse d’Italia, dal Piemonte alla Lombardia, dal Veneto
all’Emilia, dal Lazio alla Campania. Questa forma di valorizzazione espositiva, pur contenuta nel numero delle
opere scelte, vuole testimoniarne l’intera estensione lungo sette secoli, dalla fine del Trecento alla fine del Novecento.
L’esposizione si apre con un prezioso documento della civiltà tardogotica fiorentina, una Madonna col Bambino
giunta alla Banca Popolare di Novara attraverso il mercato antiquario negli anni Novanta del secolo scorso, che
gli studi recenti attribuiscono a Giovanni di Tano Fei, in cui emerge la cura infinita dell’artista nel trovare linee
armoniose nei corpi e nelle curve gentili dei drappeggi fluenti. Manifesto è l’amore per la grazia e la delicatezza
dei particolari la cui preziosità qui si ostenta anche nelle pregevoli pietre.
Si inserisce nel filone iconografico dell’Adorazione del bambino un interessante tondo di Francesco Botticini che
ben rappresenta una delle conquiste del Rinascimento toscano: una nuova e vigorosa osservazione della natura.
Nella serie delle almeno sette tavole note con questo soggetto l’opera in questione è l’unica che presenta un
ambiente tratto dal reale, uno scorcio attento della pianura toscana facilmente commissionato da un membro
della famiglia Palmieri per la devozione domestica.
Si prosegue con un significativo nucleo di esemplari della principale bottega pittorica rinascimentale lodigiana
il cui capostipite Martino Piazza è autore di una tavola molto probabilmente richiesta da una committenza
privata. Martino è un pittore eclettico, riesce a concentrare in un dipinto diverse suggestioni: combina il modello
leonardesco, come il volto leggermente reclinato della Vergine, con il fascino delle composizioni fiorentine di
Raffaello, ponendo un’attenzione lenticolare al paesaggio che richiama sia per la costruzione, sia per la cromia,
la pittura fiamminga e tedesca.
Callisto, fratello di Martino poco più tardi dipinge due pannelli presumibilmente destinati all’altare di San
Bassiano nel Duomo di Lodi, che raffigurano episodi legati alla vita del santo, patrono della cittadina lombarda
e costituiscono uno dei più antichi esempi di opere a lui dedicate che bene ha fatto la Banca Popolare di Lodi
ad acquisire dal mercato antiquario intorno agli anni Ottanta del secolo scorso.
Una composizione di Polidoro, pittore originario di Lanciano, consente un affondo nella cultura veneta del
Cinquecento. Fortemente influenzato dai modelli di Tiziano, che aveva fatto del colore e della luce i mezzi
principali per dare armonia e unità alle scene rappresentate, Polidoro guarda anche la maniera di Paris Bordon
sia nella monumentalità delle figure, sia nello sguardo della Vergine rivolto agli astanti, solitamente orientato
verso il basso in segno di umiltà.
Tra le icone della raccolta per il territorio emiliano vi è senza dubbio il Ritratto di gentiluomo con cane
appartenente alla tarda produzione del bolognese Bartolomeo Passerotti. Suggestivo nella forza espressiva dello
sguardo, di matrice nordica, e nella posa elegante e controllata che traduce in modo magistrale, la compassata
moda internazionale di corte richiesta anche al genere del ritratto ufficiale nell’Italia della Controriforma, a
quell’epoca arrivata al culmine. La raffinata capacità di calibrare i valori luminosi e materici si unisce ai modelli
di Parmigianino e Tiziano, sue fonti d’ispirazione costanti nella pratica dell’arte del ritratto.
Appartiene al tardo Cinquecento anche il misurato manierismo internazionale della Sacra Famiglia di Santi
di Tito che dimostra il suo impegno nella ricerca di varianti compositive di un soggetto molto apprezzato e
richiesto all’epoca, non solo in ambito toscano, ma anche veneto. Lo vediamo nella vivacissima piccola pala
d’altare destinata alla devozione domestica di Alessandro Turchi che fa parte della collezione del Banco San
Geminiano e San Prospero, dipinto di cui si conosce un disegno preparatorio all’Ermitage.
La vicenda del quadro del pittore veronese è legata al collezionismo cinquecentesco nobiliare di Reggio Emilia
che emulava il fasto estense della corte di Modena, capitale dominante dal 1598.
Nelle raccolte del Banco Popolare dominano senza dubbio le testimonianze dell’età barocca, a sottolineare il
lungo momento tra i secoli XVII e XVIII di espansione del collezionismo privato di pittura.
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A rappresentare l’ambiente lombardo-piemontese basterebbe il noto monocromo di Tanzio da Varallo con
La battaglia di Sennacherib eseguito in preparazione del monumentale dipinto della cappella Nazari in
San Gaudenzio tra il 1629 e il 1630 e acquistato dalla Banca Popolare di Novara dopo varie successioni di
importanti famiglie novaresi. Rappresenta il tema biblico tratto dal libro dei Re che racconta come l’angelo del
Signore abbia sterminato l’esercito assiro guidato dal crudele Sennacherib che aveva assediato la città difesa da
Ezechia sfidando il Dio d’Israele. Siamo negli anni della peste manzoniana e l’angelo in questa raffigurazione è
protagonista quasi a richiamare, nel ripetersi del contagio, le ammonizioni espresse da Carlo Borromeo.
Del primo Seicento si presenta una elegante prova di Simon Vouet, pittore francese giunto a Roma nel 1613
dopo una tappa a Venezia, che manifesta nella mezza figura della Vergine addolorata un suo linguaggio maturo
nutrito del naturalismo forte e schietto caravaggesco, fuso con l’esempio dei maestri emiliani, primo fra tutti
Lanfranco, senza trascurare il debito formale nei confronti del Correggio negli effetti di controluce e penombra,
nel dinamismo dei corpi e nel movimento dei panneggi.
Tra i grandi autori della pittura genovese del secolo d’oro spicca, con un dipinto dal soggetto storico, Giovanni
Andrea De Ferrari, allievo prima di Bernardo Castello, poi di Bernardo Strozzi da cui apprese l’amore per i
ricchi impasti di colore. Nel Suicidio di Cleopatra l’artista dimostra la sua capacità di rielaborare la lezione dei
grandi maestri fiamminghi attivi in città, dal virtuosismo di Rubens alla raffinata precisione di Van Dyck.
In una rara opera di carattere personale, un’istantanea scattata dal pittore alla moglie e ai numerosi figli, il
Ritratto di famiglia dell’artista manifesta l’adesione di Lanfranco alla scelta classicista operata da Agostino e
Annibale Carracci sostenuta dalla ricerca delle forme ideali della realtà, secondo i canoni della scultura classica.
Giovanni Battista Caracciolo, San Giuseppe e Gesù bambino, 1625-1630, Collezione Banca Popolare di Novara
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Francesco Guardi, Sottoportico con sfondo di cortile e figure, 1780-1790, Collezione Banca Popolare di Novara (particolare)
Dal territorio napoletano proviene il San Giuseppe e Gesù Bambino attribuito a Caracciolo, uno dei più
importanti seguaci di Caravaggio per il forte naturalismo e l’intensità poetica di cui si dimostra artista capace.
Roma, dove giungevano artisti da tutte le parti d’Europa, ha ospitato numerosi artisti fiamminghi e olandesi
come Pieter van Laer, autore di un Assalto al convoglio, un saggio della sua pittura ‘bambocciante’ che, sulla
scia delle idee caravaggesche diede vita ad un realismo antiretorico prevalentemente narrativo in contrasto
con la cultura figurativa del barocco romano. Van Laer sviluppa con grande originalità il genere delle battaglie
proponendo il tema del saccheggio, nel quale sostituisce ai valorosi eroi scorribande di ladri e briganti. Il dipinto
è curatissimo nei dettagli e nell’uso dei colori pieni e brillanti e, se pur con una vena ironica, è un significativo
documento del secolo più guerreggiato della storia moderna d’Europa.
Tra i grandi paesaggisti del Sei e Settecento Giovanni Ghisolfi, pittore di origine lombarda ma a lungo attivo
nell’ambiente romano, ci introduce con Rovine romane con corteo a un genere che toccherà un vertice nelle
fantasie classicheggianti di Giovanni Paolo Pannini. L’opera colpisce per l’impianto scenografico e per l’atmosfera
classicista sottilmente nostalgica.
A rappresentare la dimensione internazionale del napoletano Luca Giordano è esposta una potente Susanna e
i vecchioni in cui si esalta l’esuberanza pittorica dell’artista che al classicismo emiliano unisce effetti coloristici
di tradizione veneta dei grandi maestri del Cinquecento.
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Nel Vecchio con bottiglia di Pietro Bellotti, replica di formato ridotto rispetto al prototipo riconosciuto alla
National Gallery di Londra, l’artista dimostra la sua capacità nel saper dipingere alla perfezione la realtà nei
dettagli più minuti, allacciandosi al gusto di una pittura dai toni cupi e foschi che dominava in laguna intorno
alla metà del Seicento. Il soggetto il cui senso ultimo è la meditazione sulla vita e sul destino dell’umanità,
si riallaccia alle tematiche della povertà e della miseria, rese bene dai forti contrasti chiaroscurali che ne
accentuano l’intensa drammaticità.
Apre il XVIII secolo l’atmosfera leziosa e serena del Riposo dalla fuga in Egitto del Legnanino che un calibrato
restauro conservativo del 2011 ha saputo mettere in risalto, restituendo una calda luminosità ai toni cromatici
che l’artista ragionevolmente aveva colto nell’opera del Correggio.
I principi Colonna furono tra i grandi mecenati e collezionisti romani di Gaspar van Wittel, pittore olandese
trasferitosi a Roma nel 1675, cui commissionarono due straordinarie vedute che descrivono il paesaggio in riva
all’Aniene con Tivoli sullo sfondo. Si tratta di riprese panoramiche nitide e luminose nel disegno e preziose
testimonianze della vita e dell’ambiente del tempo, peraltro mutato per la deviazione del corso fluviale in seguito
all’inondazione del 1826. In maniera altrettanto magistrale l’artista ha saputo documentare l’ampia darsena
della città di Napoli che a cavallo tra Sei e Settecento stava vivendo uno dei momenti di massimo splendore
culturale e urbanistico.
Dopo queste peculiari rappresentazioni topografiche, Francesco Guardi dà modo di osservare l’evoluzione del
genere della veduta in una dimensione fantastica e capricciosa, abbandonando ogni interesse documentario
come in Sottoportico con sfondo di cortile e figure in cui dimostra la sua maestria nel saper rendere con tratti
veloci e su uno spazio ridotto, l’atmosfera e la luce con una stesura del colore quasi impalpabile.
Dal paesaggio ci spostiamo a un soggetto letterario tratto da un episodio della Gerusalemme Liberata, uno dei
testi più amati dai maestri antichi: si tratta di un’immagine sfolgorante della principessa Erminia realizzata dal
pennello del veneziano Giovanni Antonio Pellegrini che, non solo nella resa pittorica scintillante, ma anche nella
scelta del tema, rappresenta il clima bucolico arcadico in voga nella prima metà del Settecento.
Allo stesso periodo risale Maschere e venditrice, un omaggio alla cultura veneziana da parte di Giacomo Ceruti,
solo apparentemente in contrapposizione, per la superficialità e spettacolarità del tema, alle numerose scene di
genere in cui campeggia la gente del popolo, per le quali l’artista è famoso.
Per la svolta verso l’arte moderna e la nuova tecnica divisionista compiuta in Italia tra il XIX e il XX secolo, la collezione
comprende autentici capolavori tra cui spicca la monumentale Maternità presentata da Gaetano Previati alla
Triennale di Milano nel 1891 e, dello stesso autore un singolare soggetto sacro raffigurante Il lavacro dell’umanità.
Siamo ormai nell’età inoltrata delle avanguardie novecentesche davanti a un paesaggio montano degli anni
Trenta di Carlo Carrà in cui emerge un sentimento di estraniazione e sospensione a lui caro fin dai tempi
dell’esperienza metafisica, in cui però elabora nondimeno la riscoperta della realtà naturale all’insegna di una
semplificazione formale ricondotta all’esempio del linguaggio plastico di Giotto e Masaccio.
Da qui, si giunge a una meditata composizione astratta del friuliano Afro Basaldella, che dopo sperimentazioni
neocubiste con rimandi a Picasso e Braque si muove in una sua ricerca personale di equilibri di forme e colori.
Lasciamo il compito di concludere il percorso alla freschezza dello slancio gestuale di un’opera su carta dello
spagnolo Antoni Tàpies, uno dei più significativi surrealisti europei della nuova generazione.
Verona, febbraio 2015
Michela Parolini
Patrimonio Artistico
Banco Popolare
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Album
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1. Maestro del 1399 alias Giovanni di Tano Fei
(notizie dal 1380 al 1430)
Madonna col Bambino
1410-1420, tempera su tavola, 92 x 56 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
La Madonna con il Bambino è forse il soggetto più
rappresentato nella tradizione figurativa occidentale.
In ogni epoca il tema è stato variato, a seconda dei
contesti e dell’inventiva degli autori. Qui abbiamo
l’immagine di una regina che emerge da un fondo
dorato, riccamente punzonato. Al fine di sottolinearne
lo status regale l’autore del dipinto l’ha dotata di una
corona preziosa, realizzata a rilievo. L’abito della
Vergine segue il movimento flessuoso del suo corpo:
una veste bianca trapunta d’oro e un mantello blu
con ricamate infinite stelle dorate. La spilla circolare
che trattiene il mantello all’altezza del collo è
anch’essa realizzata in pastiglia, con dei castoni che
simulavano pietre preziose. L’aspetto formale e serioso
rappresentato dall’aria della Madonna è incrinato
dai movimenti scomposti del Bambino che, al fine di
coinvolgerlo direttamente, si rivolge all’osservatore.
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2. Francesco Botticini
(Firenze, 1446-1497)
Madonna in adorazione di Gesù Bambino
1475 circa, tempera su tavola, 104,6 cm (diam.)
Collezione Credito Bergamasco
Se un committente del tardo Quattrocento entrava
nella bottega fiorentina di Francesco Botticini
poteva trovare qualche esempio della sua pittura.
Una Madonna simile a questa sarà stata osservata a
lungo da Matteo Palmieri prima di essere ordinata.
Bisogna immaginarlo intento a raccomandarsi al
pittore di illustrare il tema classico della Madonna in
adorazione del Bambino all’interno di un paesaggio
a lui familiare. Si tratta della valle del Mugnone,
riconoscibile dal ponte a tre arcate e da una serie di altri
precisi dettagli che appaiono anche nell’Assunzione
della Vergine della National Gallery di Londra,
ugualmente ordinata dal ricco umanista che presso
la valle del Mugnone contava diverse proprietà.
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3. Martino Piazza
(Lodi, circa 1475/80-1520/1523)
Madonna col Bambino
1515 circa, tempera su tavola, 79 x 57,5 cm
Collezione Banca Popolare di Lodi
Per il pittore si trattava, in sostanza, di ambientare una
Madonna con il Bambino all’interno di un paesaggio:
in verità non un grande problema dopo le straordinarie
invenzioni lasciate da Leonardo in Lombardia. Martino
Piazza dimostra, infatti, di sentirsi perfettamente a
suo agio con questo tema, fortemente in debito anche
con le innovazioni di Ambrogio Bergognone. Questo
secondo pittore gli ha fornito l’idea di dipingere un
ampio paesaggio animato, brulicante di vita. A ben
guardare si scorge, addirittura, nell’angolo in basso
a destra, san Giuseppe che trascina l’asino con sopra
la Madonna con il Bambino: è l’episodio della Fuga
in Egitto. Ora l’immagine del gruppo sacro è messa
in primo piano, con il Bambino vistosamente nudo, a
sottolineare la natura umana di Cristo.
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4. Callisto Piazza
(Lodi, circa 1500-1562)
San Bassiano guarisce un lebbroso
1530-1532 circa, olio su tavola, 121,5 x 72 cm
Collezione Banca Popolare di Lodi
5. Callisto Piazza
San Bassiano libera un’indemoniata
1530-1532 circa, olio su tavola, 122 x 72 cm
Collezione Banca Popolare di Lodi
I due episodi miracolosi sono messi in scena in
ambientazioni diverse: la guarigione del lebbroso
avviene lontano dal centro abitato; la liberazione
dell’indemoniata all’interno del borgo cittadino. I
dipinti sembrano dichiarare all’osservatore che non c’è
confine all’esercizio della santità, chiamata in causa
per alleviare le malattie più inguaribili. Tanto più se il
santo protagonista è il Patrono della città di Lodi, resa
riconoscibile dal profilo dell’Incoronata che appare
oltre l’arco prospettico che fa da quinta alla scena di
san Bassiano che libera l’ossessa. Come nella tradizione
iconografica medievale al gesto di benedizione segue
la fuga del demonio, rappresentato in miniatura.
Callisto Piazza è forse il maggiore dei pittori lodigiani
della prima metà del Cinquecento. In questa coppia
di dipinti dimostra un’abilità illustrativa volta
ad assecondare un pubblico popolare, tante volte
incontrato nel suo peregrinare vicino e lontano da
Lodi, da Brescia a Bergamo, fino alla Valcamonica.
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6. Polidoro da Lanciano
(Lanciano, Chieti, 1515 – Venezia, 1565)
Sacra Famiglia con santa Caterina e san Giovannino
1540-1560, olio su tela, 61 x 79 cm
Collezione Banca Popolare di Verona
Venezia è stata una capitale artistica in grado di
richiamare aspiranti pittori da ogni angolo d’Europa.
Da Lanciano (in Abruzzo) Polidoro si è trasferito nel
capoluogo della Serenissima per non lasciarlo fino alla
fine. Qui ha dovuto fare i conti con una tradizione
figurativa imponente, dominata dalla figura di Tiziano.
Anche questa tela risente, latamente, della lingua
tizianesca, variata in accenti regionali e dialettali.
Il soggetto è una variazione sul tema del Riposo durante
la fuga in Egitto: con l’aggiunta del san Giovannino e
della santa Caterina d’Alessandria. Il tema di fondo del
dipinto rimane una riflessione sulla futura passione di
Cristo, alimentata dalla presenza dell’agnello, simbolo
del sacrificio di Gesù. Anche il bastone trattenuto da san
Giuseppe restituisce l’inquietante forma della croce.
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7. Bartolomeo Passerotti
(Bologna, 1529-1592)
Ritratto di gentiluomo con cane
1585 circa, olio su tela, 123 x 89 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
Tra il gentiluomo e il cane, non c’è alcun dubbio, il
più vivo è il cane. È la bestia di cui va fierissimo il suo
padrone, tanto da sceglierlo come fedele compagno di
posa. L’ha fatto adagiare sulla tovaglia di velluto verde
che ricopre il tavolo e lui è rimasto lì, immobile, tanto
da mettere nelle condizioni il pittore di immortalarlo
così vividamente.
Il gentiluomo sembra più timido, instabile e inquieto.
La mano in primo piano stringe nervosamente un paio
di guanti, avvolti in una lettera. Se ci si avvicina al
lembo di carta bianca si dovrebbe leggere qualcosa,
in grafia un po’ mossa, compreso il nome del modello.
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8. Santi di Tito
(Borgo San Sepolcro, Arezzo, 1536 – Firenze, 1603)
Sacra Famiglia con san Giovannino
Ultimo quarto del XVI secolo, olio su tavola, 107 x 82 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
Certe stagioni artistiche sono state talmente folgoranti
che quelli che verranno dopo saranno destinati ad
averne nostalgia. È quello che toccherà a Santi di
Tito, un pittore ripiegato verso il passato, alla ricerca
di un modello irripetibile: diviso tra l’esempio di
Andrea del Sarto e quello di Bronzino.
La scena della Sacra Famiglia è stata allestita
all’interno di un contesto urbano contemporaneo.
San Giuseppe è irreprensibilmente sprofondato
nella lettura, la Madonna sembra naturalmente
orgogliosa del figlio e san Giovannino si è tolto
un peso di dosso. L’unico veramente consapevole
di quello che gli accadrà è il piccolo Gesù, ripreso
mentre apre il rotolo che gli annuncia la dolorosa
passione che l’attende: “Ecco l’agnello di Dio…”.
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9. Alessandro Turchi detto l’Orbetto
(Verona, 1578 – Roma, 1649)
Madonna col Bambino, san Giovannino, san Giuseppe,
sant’Andrea, san Girolamo e san Bartolomeo
Inizio del XVII secolo, olio su tela, 89,5 x 76 cm
Collezione Banco S. Geminiano e S. Prospero
Nel dipinto c’è molta attenzione per il corpo.
I santi Girolamo e Bartolomeo sembrano due
moderni culturisti. Anche Gesù Bambino ha l’aria
di un piccolo Ercole. Il luogo in cui avviene questa
riunione sacra è del tutto indecifrabile, comunque
lontano dalla Terra, più in prossimità del cielo. Il
protagonista della scena – o comunque quello in
cui si identificava il committente del dipinto – è san
Girolamo, l’unico umilmente inginocchiato e intento
a percuotersi il petto con una pietra stondata. Ai suoi
piedi è squadernata la Bibbia: chissà se letta – o solo
leccata – dal leone mansueto che lo accompagna.
Alessandro Turchi ha inventato un’immagine
raffinata, destinata alla devozione privata di un
uomo del Seicento che sapeva dare un significato
preciso (e personale) a ognuna delle comparse di
questa sacra conversazione.
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10. Enea Salmeggia detto il Talpino
(Bergamo, 1565-1626)
Diana e Callisto
1615-1620 circa, olio su tela, 122 x 156 cm
Collezione Credito Bergamasco
La scena è tratta dalle Metamorfosi di Ovidio: Diana
è rappresentata al centro della composizione, con la
falce di luna in fronte. L’unica ninfa vestita è Callisto,
colpevole di essere stata segretamente sedotta da Giove.
Il suo stato di gravidanza sarà presto smascherato,
tramite l’azione furibonda delle compagne, intente a
spogliarla, in esecuzione a un ordine di Diana.
Il pittore bergamasco Enea Salmeggia ha dipinto
questo quadro per un esigente collezionista dell’epoca.
Il dipinto mostra un accumulo di cultura figurativa
che rimanda a un ambiente sofisticato, ancora intriso
di nostalgie leonardesche.
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11. Antonio D’Enrico detto Tanzio da Varallo
(Alagna Valsesia, Vercelli, 1575 – Varallo, Vercelli, 1635)
La battaglia di Sennacherib
1629-1630, olio su tela, 152 x 90 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
La storia di Sennacherib è narrata nella Bibbia: alla
testa dell’esercito Assiro il re Sennacherib assedia
Gerusalemme, difesa da Ezechia. “Quella stessa notte
l’angelo del Signore uscì e colpì nell’accampamento
degli Assiri centottantacinquemila uomini; e quando
la gente si alzò la mattina, erano tutti cadaveri”.
Il dipinto illustra il momento dell’inizio della
battaglia rischiarato da una fioca luce lunare.
Dall’alto l’angelo si getta a capofitto verso i soldati di
Sennacherib, destinati a una morte atroce. Le misure
straordinarie del dipinto non devono farci insospettire
sul fatto che esso sia un bozzetto preparatorio.
L’uso del colore monocromo (meno dispendioso)
è infatti tipico dei bozzetti, la cui funzione era
quella di essere mostrati ai committenti, al fine di
raccogliere la loro soddisfazione. In linea di massima
questo deve essere stato l’esito prodotto dal nostro
dipinto, considerando che non ci sono sostanziali
varianti con la monumentale pala realizzata da
Tanzio da Varallo nel 1629-1630, all’interno
della cappella Nazari in San Gaudenzio a Novara.
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12. Giovanni Andrea De Ferrari
(Genova, 1598-1669)
Suicidio di Cleopatra
1640-1650, olio su tela, 136 x 97,3 cm
Collezione Credito Bergamasco
La regina Cleopatra è ritratta in piedi mentre si sta
suicidando. Lo fa in maniera determinata e decisa,
perfino stizzita. Con entrambe le mani stringe a
sé due aspidi, in questo modo è certa di ottenere il
risultato desiderato. Uno dei due serpenti è indirizzato
direttamente al seno, quasi a voler ferire con più
violenza una delle sue parti più intime, la stessa
grazie alla quale Cleopatra ha potuto esprimere più
liberamente la propria capacità seduttiva. Il pittore
ha deciso di rappresentarla isolata, immersa in un
fondo buio. I colori fruscianti delle vesti e il profilo
sfuggente sono elementi che rimandano al magistero
vandyckiano lasciato nel suo passaggio genovese,
rapidamente colto, e piegato a un soggetto erotico, da
Giovanni Andrea De Ferrari.
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13. Simon Vouet
(Parigi, 1590-1649)
Vergine addolorata
1620-1625 circa, olio su tela, 66,4 x 50,4 cm
Collezione Credito Bergamasco
L’immagine, incredibilmente intensa e ispirata,
molto probabilmente è nata per compiacere i gusti di
un collezionista sofisticato. Al committente bastava
osservare questa testa per attivare meditabondi
pensieri sulla futura passione di Cristo, gli stessi che,
presumibilmente, si insinuano nella mente della stessa
Maria Vergine. Il volto della Madonna è ripreso in
maniera innaturale da sotto in su, tratto dall’oscurità
grazie a una lama di luce obliqua. Gli occhi umidi, il
volto pensoso, la mano arrovellata a tormentare il velo:
sono tutti elementi che contribuiscono a sollecitare la
commozione dell’osservatore. Per arrivare a questo
punto il pittore francese, durante il suo soggiorno
romano, deve essere entrato in relazione con Giovanni
Lanfranco, l’artista parmense in grado di trasferirgli
informazioni stilistiche fondamentali.
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14. Giovanni Lanfranco
(Parma, 1582 – Roma, 1647)
Ritratto di famiglia dell’artista
1625 circa, olio su tela, 142 x 165 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
Osservando il quadro viene in mente l’episodio di un
film di Dino Risi con Vittorio Gassman (Che vitaccia,
tratto da I mostri del 1963), dove è rappresentata una
famiglia del sottoproletariato romano.
Si tratta di un’immagine molto privata, realizzata
per un’occasione destinata a rimanerci sconosciuta.
Tuttavia qualche tentativo di interpretazione possiamo
farlo. Tanto più che il dipinto dovrebbe corrispondere
a quello segnalato dallo stesso pittore Lanfranco
all’interno di una deposizione processuale: “il quadro
della mia famiglia”.
Dunque una scena domestica che registra l’orgoglio di
un padre e di una madre (Cassandra Nicolini), alla
presenza dei numerosissimi figli. Grazie alle carte
processuali sappiamo che il dipinto venne regalato
dal pittore all’amico Ferrante De Carolis, da cui fu
acquistato da Fabrizio Valguarnera.
Dopo la rivoluzione caravaggesca era possibile che una
“tranche de vie” domestica fosse oggetto di interesse
collezionistico.
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15. Giovanni Battista Caracciolo
(Napoli, 1578-1635)
San Giuseppe e Gesù bambino
1625-1630, olio su tela, 73 x 98 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
Nell’angolo buio di sinistra si riconosce una verga
fiorita, il simbolo di san Giuseppe. È solo grazie a questo
attributo iconografico se riusciamo a dare un titolo
adeguato a quest’opera. Nella tradizione figurativa
europea la figura di san Giuseppe, tranne che in rari
casi, appare in posizione secondaria, a sottolinearne
il ruolo subalterno. Il santo non doveva rubare la
scena a Maria Vergine e perciò, in genere, faceva la
sua comparsa nelle vesti dell’anziano addormentato.
Anche qui san Giuseppe risulta addormentato
ma assume un ruolo da protagonista. Ci voleva il
movimento caravaggesco per rivoluzionare le forme
dell’iconografia sacra, sondare il mondo reale fino a
rendere rappresentabile anche una scena così naturale,
come l’abbraccio affettuoso tra un padre e un figlio.
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16. Pieter van Laer detto il Bamboccio
(Haarlem, 1599-1642)
Assalto al convoglio
1635-1639, olio su tela, 73,7 x 98 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
Sembra di intuire che quelli del convoglio non se la
caveranno, tranne quei pochi che riusciranno a mettersi
in salvo scappando a gambe levate. Così almeno
sembra di percepire dall’azione confusamente cruenta
accesa su diversi fuochi della composizione. Tra i
cavalli imbizzarriti, quelli morti, le spade, le sciabole e
i fucili, l’occhio dell’osservatore si distraeva in mezzo
a una miriade di piccoli dettagli, utili a raccontare
una scena di cronaca comune nell’Italia del Seicento.
Il Bamboccio – il soprannome dispregiativo che era
stato dato al pittore olandese Pieter van Laer – era
stato uno degli inventori di questo genere, semplice,
popolare, costituito appunto da “bambocciate”,
distanti dalla cultura figurativa ufficiale.
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17. Giovanni Ghisolfi
(Milano, 1632-1683)
Rovine romane con corteo
1650-1660, olio su tela, 120 x 147 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
Giovanni Ghisolfi è celebre per i suoi fondali
architettonici, i suoi capricci sui temi delle rovine
romane. Qui ne offre un eccellente esempio improntato
al compendio di generiche rovine romane, percorse da
un corteo. Alla sua testa si muove una donna che serra
tra le mani un’urna, accompagnata da due bambini,
un gruppo di donne e cavalieri. Al loro passaggio gli
astanti si girano e contemplano la scena. Considerati
gli stretti rapporti che il Ghisolfi ha intrattenuto con
il più celebre Salvator Rosa è stato anche ipotizzato
che le figure siano da ricondurre direttamente a
quest’ultimo, nonostante la qualità più corrente renda
preferibile immaginarla l’opera di un’unica mano.
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18. Luca Giordano
(Napoli, 1634-1705)
Susanna e i vecchioni
1684-1685, olio su tela, 166,5 x 152,3 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
Il pittore si concentra sulla bellezza carnale di
Susanna, moglie di Joachim, concupita da due
anziani magistrati. L’episodio illustrato prevedeva
un osservatore al corrente del relativo brano biblico,
in grado di completare il seducente fermo immagine
con il finale che prevedeva l’incriminazione – da
parte di Daniele – dei due vecchi che avevano
attentato alle virtù di Susanna. Per Luca Giordano,
così come sarà per numerosi altri pittori dell’età
barocca, è solo il pretesto per fornire un’occasione
di moderato voyeurismo.
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19. Pietro Bellotti e bottega
(Volciano, Brescia, 1625 – Gargnano, Brescia, 1700)
Vecchio con bottiglia da pellegrino e globo
Seconda metà del XVII secolo, olio su tela, 101 x 87 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
Nel corso del Seicento molte iconografie tradizionali
sono state rilette, aggiornate oppure stravolte. Anche
in questo caso si ha la netta impressione di avere
a che fare con un soggetto molto apprezzato in età
rinascimentale, ovvero quello del filosofo Democrito
che ride sulle sorti del mondo.
Il pittore di origini bresciane Bellotti ne ha
dato un’interpretazione senza precedenti, meglio
apprezzabile nella versione autografa della National
Gallery di Londra. Il filosofo greco ha assunto
l’aspetto di un vecchio mendicante, vestito di stracci
cuciti e appoggiato a una stampella. Con una mano
sostiene una bottiglia, il cui contenuto inebriante
forse l’ha aiutato a credersi, anche solo per un attimo,
capace di sorridere cinicamente sulle sorti del mondo.
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20. Bartolomeo Guidobono
(Savona, 1657 – Torino, 1709)
Santa Cecilia
Ultimo quarto del XVII secolo, olio su tela, 83 x 67 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
Chissà cosa aveva in mente Bartolomeo Guidobono
quando ha cercato di dar forma all’aspetto idealizzato
di santa Cecilia! Ripresa con il busto di tre quarti,
lo sguardo rivolto verso l’alto, la mano portata al
petto: sembra una cantante in cerca di ispirazione.
Le canne d’organo sul fondo del quadro stanno
a indicare che Cecilia è la patrona della musica.
Forse che Guidobono abbia cercato di far coincidere
soggetto e attributo? Se è così l’ha fatto rimeditando
sui modelli classici studiati in gioventù, sugli esempi di
Correggio e Parmigianino. Il risultato è di un moderno
“Garofalo”, che dipinge oltre un secolo dopo immagini
estenuanti con soggetti in estasi.
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21. Stefano Maria Legnani detto il Legnanino
(Milano, 1661-1713)
Riposo dalla fuga in Egitto
1700-1715, olio su tela, 188,5 x 178,5 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
L’episodio del Riposo durante la fuga in Egitto ha
rappresentato per i pittori di tutti i tempi un formidabile
pretesto narrativo. Mentre sta per compiersi la Strage
degli innocenti la Sacra famiglia si è messa in salvo.
Questo sentimento di serenità è generalmente suggerito
dai pittori, tramite ambientazioni bucoliche di fantasia.
Può anche accadere che gli artisti si prendano ulteriori
licenze rispetto al brano evangelico e si immaginino
l’apparizione di un gruppo di angeli. In questo caso
Legnanino li ha fatti atterrare dandogli un compito
specifico e irrituale: raccogliere e offrire al Bambino
delle gustose ciliegie. La scena è tutta circonfusa di
un alone grazioso, sentimentale, ripescato a piene
mani dal repertorio languido e sofisticato di Correggio.
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22. Gaspar van Wittel
(Utrecht, 1653 – Roma, 1736)
Veduta dell’Aniene prima della cascata
1691, olio su tela, 31 x 45 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
23. Gaspar van Wittel
Veduta di Tivoli con la cascata dell’Aniene
1691, olio su tela, 31 x 45,7 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
Questi magnifici dipinti raffigurano Tivoli e il fiume
Aniene, entrambi ripresi da punti di vista diversi:
a monte e a valle della cascata. Le due vedute sono
strettamente in continuità: si osservi l’edicola sulla
sinistra, collocata sul punto in cui scompare il fiume;
poi si noti la stessa edicola (vista di spalle) questa
volta a sinistra sempre nel punto del salto della
cascata. L’osservatore del Seicento traeva immenso
piacere nel riconoscere il luogo – che doveva essergli
in qualche modo familiare – e nel far vagolare l’occhio
inseguendo minuti brani di vita comune. Dai pescatori,
alla lavandaia che sta scendendo il fiume (girata verso
un giovane appostato sul muretto), alla nobildonna
accompagnata da uno sparuto corteo di damigelle, ai
due preti che discendono la strada che costeggia il fiume,
ai perditempo: questo grosso modo quello che si coglie
nella prima veduta. Nella seconda la scena è dominata
dallo spettacolo della cascata: tutti sono intenti a
osservarla, dai frati che la indicano sul ponte fino ai
pittori che la ritraggono attentamente, in primo piano,
dove forse si è celato anche l’autore delle nostre tele.
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24. Gaspar van Wittel
Veduta della Darsena delle galere a Napoli
1708, olio su tela, 50,5 x 110 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
Gaspar van Wittel si trasferisce dall’Olanda a Roma
poco più che ventenne, per morirvi ultraottantenne.
La fortuna del pittore è strettamente legata alla
sua incontestata abilità di vedutista, esercitata
nelle principali città d’Italia, da Roma a Venezia,
da Bologna a Napoli. La veduta della darsena
delle galere a Napoli è uno dei suoi soggetti più
ripetuti e collezionati. Se ne conoscono almeno
ventuno versioni, compresa la nostra, datata 1708.
L’occhio dell’osservatore antico e moderno ama
cogliere la precisione con cui sono restituiti gli edifici,
via via digradanti in lontananza. Ma anche perdersi
nelle storie di ordinaria quotidianità che animano gli
scorci urbani, restituiti con stupefacente precisione.
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25. Giacomo Ceruti detto il Pitocchetto
(Milano, 1698-1767)
Maschere e venditrice
1735-1740, olio su tela, 144,3 x 124,7 cm
Collezione Credito Bergamasco
Per noi rimarrà assolutamente misterioso il dialogo
stabilito tra l’uomo col volto coperto da una maschera
e la popolana che si protende verso di lui per ascoltare
meglio la sua richiesta. Lei sta dietro un banco e forse
sta cercando di vendergli qualcosa. L’uomo si aggira
scortato da un servetto di colore – che si distrae con
un cane – e da due gentildonne, entrambe travestite.
Loro hanno tolto la maschera e guardano negli occhi
l’osservatore. Forse stanno aggirando o canzonando
la popolana, non lo sapremo mai. Quello che appare
certo – senza per questo aiutarci nella decifrazione
del quadro – è che questa tela aveva, in origine, un
pendant che la critica ha intitolato La famiglia dei
poveri: un soggetto rappresentato molto crudamente.
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26. Giovanni Antonio Pellegrini
(Venezia, 1675-1741)
Erminia
1720-1730, olio su tela, 133 x 91,7 cm
Collezione Banca Popolare di Verona
Questo dipinto è stato creduto, a lungo, la raffigurazione
di Minerva, la divinità romana della guerra. In realtà
la figura femminile rappresenta solo una parte di una
composizione più ampia che aveva sul lato destro
almeno la figura di un pastore intento a intrecciare del
vimini. Sulla base di questi dettagli (e dell’esistenza
di altre versioni del soggetto dipinte da Giovanni
Antonio Pellegrini) è stato possibile stabilire che la
giovane donna è Erminia, la principessa narrata nella
Gerusalemme Liberata di Torquato Tasso.
Nell’intento del pittore la protagonista doveva apparire
quasi il frutto di una visione, perciò il rapido accenno
al cavallo sulla sinistra e il largo campo centrale
concentrato sullo splendore della figura femminile,
avvolta in ampio e vaporoso manto rosso.
Anche chi ha tagliato drasticamente la tela ha
immaginato che un grado di tale bellezza non dovesse
essere in nessun modo distratto da altri elementi
accessori.
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27. Francesco Guardi
(Venezia, 1712-1793)
Burrasca con velieri
1760-1775, olio su tela, 33,3 x 44 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
Anche l’uomo del Settecento è attratto dagli
straordinari eventi atmosferici che si possono abbattere
su un’imbarcazione. Anche lui ama trattenere il respiro
immaginando la violenza dei flutti, infine la paura
della morte. In questo caso il pittore ha restituito la
scena della burrasca, senza troppa partecipazione,
come osservandola un po’ da lontano.
Era un genere – quello delle burrasche marine – che
aveva molti potenziali collezionisti, soprattutto non
italiani. Si crede che per questo tipo di composizioni
Francesco Guardi si sia rifatto a modelli fiamminghi.
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28. Francesco Guardi
Sottoportico con sfondo di cortile e figure
1780-1790, olio su rame, 12,5 x 18,3 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
In questo quadro il pittore non vuole raccontarci
nessuna storia precisa. È solo un frammento di vita
veneziana, tanto comune da passare inosservata. In
fondo cosa sta accadendo di memorabile? Se anche
confrontiamo il nostro rame con il suo disegno
preparatorio che si conserva al Metropolitan Museum
di New York non ricaviamo tante indicazioni in più.
È un sottoportico veneziano (si dice ispirato a quello
di Palazzo Ducale) in cui sono allestite piccole scene
di vita quotidiana. Un uomo e una donna in dialogo;
due uomini che hanno attirato l’attenzione di un cane
che gli sta abbaiando contro (che stiano giocando a
dadi?); un uomo solitario che sta varcando la soglia
d’ingresso di un edificio; infine una coppia che ci
strappa il sorriso: forse un padre e un figlio, ripresi
in lontananza, abbigliati allo stesso modo e con il
medesimo passo, caracollante.
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29. Gaetano Previati
(Ferrara, 1852 – Lavagna, Genova 1920)
Il lavacro dell’umanità
1901, olio su tela, 80,7 x 150,5 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
Il dipinto è stato esposto per la prima volta a Lodi nel
1901, presso il Seminario della città. È del tutto chiaro
l’intento del pittore di trasformare il soggetto storico
della Crocifissione in un evento atemporale, eternamente
presente. Mancano i principali protagonisti dell’evento
evangelico, sostituiti da una schiera di uomini e donne
che prendono il colore della terra e del cielo, mescolati
tramite la tecnica del divisionismo. Questo principio
simbolico emerge fortemente nell’immagine inventata
da Previati, fondata su un coro di persone senza
volto in cui l’osservatore è invitato a riconoscersi.
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30. Gaetano Previati
Maternità
1890-1891, olio su tela, 175,5 x 412 cm
Collezione Banca Popolare di Novara
La monumentale immagine rappresenta una
tenerissima maternità, ambientata sotto un albero di
melograno, in mezzo a un giardino aulente. Il fatto che
non sia una scena comune è avvertito immediatamente
dall’osservatore per l’onirica presenza di una schiera
di angeli che fanno da corona ondeggiante al fulcro
del quadro. La sensazione di movimento, elastico e
flessuoso, è alimentata dalle pose degli angeli, ripiegati
su se stessi. Ma anche dalla particolare tecnica adottata
da Previati che conduce verso un apice espressivo la
divisione del colore. È evidente che il principio tecnico
è esaltato da un pensiero profondamente simbolista,
capace di elaborare una regia chiara e spettacolare
allo stesso tempo. Quest’opera è stata esposta per la
prima volta alla Triennale di Brera a Milano nel 1891.
Da allora l’attenzione sul dipinto non è mai scemata.
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31. Carlo Carrà
(Quargnento, Alessandria, 1881 – Milano, 1966)
Nevicata all’Aprica
1937, olio su cartone telato, 39,8 x 50 cm
Collezione Credito Bergamasco
Il dipinto restituisce quel senso ovattato che invade i
luoghi sommersi da una coltre di neve. Il soggetto è
impoverito, quasi annullato. Uno spuntone di legno
conficcato nella terra, un abete, un muro di quinta aperto
da un arco, un muro verticale, una muraglia orizzontale
vista in lontananza. L’occhio dell’osservatore striscia
sui muri quasi monocromi, si apre un varco verso il
cielo azzurro e si appoggia sulla neve soffice. Infine si
ferma sull’albero o penetra oltre l’arco. L’osservazione
si ripete, ogni volta lasciando insoddisfatti. Ma era
proprio questo il principale obiettivo di Carrà, quello di
non stimolare con soggetti e gesti retorici, al contrario
di suggerire la silenziosa concentrazione sulle forme.
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32. Giorgio De Chirico
(Volos, 1888 – Roma, 1978)
Venezia. Isola di San Giorgio
1950-1955 circa, olio su tela, 35 x 55 cm
Collezione Banca Popolare di Lodi
Non il campanile di San Marco, non il Palazzo
Ducale: meglio l’Isola di San Giorgio, un luogo un po’
più appartato e forse anche meno riconoscibile. Tutto
sommato l’Isola di San Giorgio è una piccola Venezia,
racchiude in sé tutti gli elementi oleografici della
laguna. Sono le stesse vedute, gli stessi scorci, ripetuti
infinite volte, per secoli e secoli: da quando Venezia
è diventata una delle mete d’obbligo del Grand Tour.
Chissà se Giorgio De Chirico voleva presentarsi con
questo quadro come un moderno Canaletto, o un
Guardi, o un Bellotto, o un Marieschi! Oppure voleva
solo mettere all’incasso un quadro commerciale?
La firma c’è, ben visibile, galleggiante sulle onde.
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33. Afro Basaldella
(Udine, 1912 – Zurigo, 1976)
Composizione 1957
1957, tecnica mista su tela, 66 x 44 cm
Collezione Banca Popolare di Lodi
Afro vince il premio come migliore artista italiano
alla Biennale di Venezia del 1956. Il successo
internazionale era arrivato dopo l’esperienza
statunitense, inaugurata nel 1950. La diretta
conoscenza dell’espressionismo astratto è alla base
anche di Composizione 1957, un’opera in cui si segue
chiaramente la genesi, osservando attentamente la
stratificazione di colore. Il pittore stende una base
color caffè, sulla quale interviene con rare sciabolate
di colore blu, amalgamate da larghi interventi in
nero. Ma è il luminosissimo bianco che intrappola la
composizione dentro una ghiera di luce iridescente.
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34. Antoni Tàpies
(Barcellona, 1923-2012)
Arbre de vernìs
1984, tecnica mista su carta, 1200 x 805 mm
Collezione Banca Popolare di Novara
Un albero, frutto di un gesto. Tutto è iniziato con
un’ampia e rapida pennellata circolare di colore,
interrotta da una seconda mossa in verticale,
entrambe condotte con un colore molto liquido che ha
schizzato qua e là macchie di marrone. Poco sotto una
sfregatura di grigio e una di nero. Con quest’ultimo
pigmento il pittore ha poi impugnato un pennello
più fine e ha disegnato una specie di morsa dentata.
La forma data da un gesto gli ha suscitato un’idea:
“Arbres de vernìs”. D’altra parte sono principi che lo
stesso pittore si è trovato molte volte a spiegare: “se
voglio dare l’idea di un serpente, in un mio quadro,
mi servo di una materia e di una forma che ricorda la
pelle del serpente. Sono cose elementari, ma la buona
pittura è fatta di cose elementari”.
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