I coregrafi del Royal Ballet

4,90 Euro • mensile • nº 246 • maggio 2014 • Poste Italiane Spa - Spedizione in Abbonamento Postale - 70% - DCB Milano
la rivista internazionale della danza • mensile • n° 246
EDIZIONE ITALIA
I coregrafi del
Royal Ballet
www.ballet2000.com
5
6
Directeur de la publication
Direttore responsabile / Editor-in-chief
Alfio Agostini
Collaborateurs/Collaboratori/Contributors
Erik Aschengreen
Leonetta Bentivoglio
Donatella Bertozzi
Valeria Crippa
Clement Crisp
Gerald Dowler
Elisa Guzzo Vaccarino
Marc Haegeman
Anna Kisselgoff
Kevin Ng
Jean-Pierre Pastori
Olga Rozanova
Emmanuèle Rüegger
Roger Salas
Sonia Schoonejans
René Sirvin
Isis Wirth
la revue internationale de la danse
édition France
la rivista internazionale della danza
edizione Italia
the international dance magazine
English edition
Natalia Osipova, Edward
Watson – The Royal Ballet,
London: “Tetractys”,
c. Wayne McGregor
(ph. J. Persson)
Editorial advisor
Elisa Guzzo Vaccarino
Editorial assistant
Cristiano Merlo
Traductions/Traduzioni/Translations
Simonetta Allder
Cristiano Merlo
Collaborateurs à la rédaction/Collaboratori
alla redazione/Collaborators
Luca Ruzza
Alain Garanger
Publicité / Advertising
[email protected]
Chargée de communication et pub. (France)
Anne-Marie Fourcade
Tél. 06.99.55.96.52
[email protected]
Pubblicità, PR & Internaional advertising
service
Annalisa Pozzi
Ph +39.338.7797048 [email protected]
Abonnements/Abbonamenti/Subscriptions
[email protected]
n. 246
avril-mai / aprile-maggio / April-May 2014
BALLET 2000
B.P. 1283 – 06005 Nice cedex 01 – F
tél. (+33) 09.82.29.82.84
Éditions Ballet 2000 Sarl – France
ISSN 2112-2288
Commission Paritaire P.A.P. 0718K91919
Distribution Presstalis, 30 rue R. Wallenberg,
75019, Paris – 01.49.28.70.00
per l’Italia:
Ballet2000 - Piazza Statuto 1 - 10122 Torino
tel. 011.19.58.20.38
Reg. Tribunale di Milano 546 - 26.XI.1983 e
177 - 1.III.1990. Distribuzione Italia: Me. Pe.,
via E. Bugatti 15, 20142 Milano
Imprimé en Italie/Printed in Italy by
Pinelli Printing - Seggiano di Pioltello - Milano
www.ballet2000.com
e-mail: [email protected]
4
19
Calendar
News
30
Cover : The Royal Ballet:
Christopher Wheeldon, Wayne
McGregor, Liam Scarlett
38
On Stage :
Ballet de l’Opéra de Paris
Akram Khan Company
Aakash Odedra
Ballet de l’Opéra de Bordeaux
Ballet de Lorraine
CCN de Nantes, Claude Brumachon
Natalia Staats Teatr, Moscow
Shanghai Ballet
Ballett des Saarländischen
Staatstheater
Sasha Waltz and Guests
Ballet de l’Opéra de Paris: “Miss Julie”
Ballet de l’Opéra de Bordeaux:“Pneuma”
48
BalletTube: Les morts du
cygne
49
Multimedia : TV, Web, Dvd,
Cinema...
52
On TV
54
Photo Gallery
3
Ulyana Lopatkina:
“La Mort du cygne”
af
he • car
tellone • calendar • af
he • car
tellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
Berlin
Š Komische Oper
19. V: The Open Square – c. I.
Galili – Staatsballett Berlin
21, 24, 26, 30. VI: Don Juan –
c. G. Madia – Staatsballett Berlin
AUSTRIA
Wien
Š Staatsoper
27. V, 6, 12. VI: Le Souffle de
l’esprit – c. O. Bubenicek; Vaslaw
– c. J. Neumeier; Allegro Brillante – c. George Balanchine;
Vier letzte Lieder – c. R. van
Dantzig – Wiener Staatsballett
Š Volksoper
18, 24, 31. V: Carmina Burana
– c. V. Orlic; Nachmittag eines
Fauns – c. A. Lukacs; Boléro –
c. B. Nebyla – Wiener
Staatsballett
26. V: Ein Reigen – c. A. Page
– Wiener Staatsballett
Dresden
Š Semperoper
18. V: Artifact Suite; Fünf Duos;
Slingerland Pas de Deux;
Enemy in the Figure – c. W.
Forsythe – Ballett Dresden
25, 31. V: Le Lac des cygnes –
c. M. Petipa, L. Ivanov (S. Watkin)
– Ballett Dresden
28, 30. VI: Verklungene Feste
– c. A. Ratmansky; Josephs
Legende – c. S. Celis – Ballett
Dresden
Š Hellerau – Europäisches
Zentrum der Künste
5, 6, 7, 8, 10, 11, 12, 13. VI:
Angoloscuro – c. W. Forsythe
– The Forsythe Company
CZECH REPUBLIC
Prague
Š State Opera
29, 31. V, 21. VI: Le Belle au
bois dormant – c. M. Petipa, J.
Torres – Prague National Theatre
Ballet
5, 13. VI: Don Quichotte – c. M.
Petipa, A. Gorsky – Prague
National Theatre Ballet
28, 29. VI: Romeo and Juliet –
c. P. Zuska – Prague National
Theatre Ballet
Š National Theatre
17. V: Sorcerer’s Apprentice;
Krabat – c. J. Kodet – Prague
National Theatre Ballet
2, 3. VI: Solo for Three – c. P.
Zuska – Prague National
Theatre Ballet
7, 10. VI: Le Lac des cygnes –
c. M. Petipa, L. Ivanov – Prague
National Theatre Ballet
Duisburg
Š Theater der Stadt
28. VI: Ein deutsches Requiem
– c. M. Schläpfer – Ballett der
Deutschen Oper am Rhein
Nina Poláková, Roman Lazik – Wiener Staatsballett: “Ein Reigen”,
c. Ashley Page (ph. B. Pálffy)
24. V, 15. VI: Goldilocks – c. J.
Kodet – Prague National
Theatre Ballet
18, 25. VI: Czech Ballet
Symphony II – c. Jirí Kylián –
Prague National Theatre Ballet
Š Estate Theatre
DANEMARK
Michal Stipa – Prague National Theatre Ballet: “Solo for Three”,
c. Petr Zuska (ph. D. Zehetner)
Copenhagen
Š Operaen Takkelloftet
10, 12, 13, 14, 15. V: Twelfth
Night – c. N. Hübbe – Royal
Danish Ballet
DEUTSCHLAND
Berlin
Š Schiller Theater
29. V, 13. VI: Caravaggio – c.
M. Bigonzetti – Staatsballett
Berlin
14. VI: Tchaikovsky – c. B.
Eifman – Staatsballett Berlin
Š Deutsche Oper
24. V, 5, 9. VI: Romeo und Juliet
– c. J. Cranko – Staatsballett
4
Düsseldorf
Š Opernhaus
24, 29. V, 1, 7, 9, 15, 19. VI:
Deep Field – c. A. Hölszky, M.
Schläpfer – Ballett der
Deutschen Oper am Rhein
Hamburg
Š Staatsoper
16. V: Renku – c. Y. Oishi, O.
Dann – Hamburg Ballet
18. V: Die Kameliendame – c.
J. Neumeier – Hamburg Ballet
20, 23, 27. V: The Little Mermaid
– c. J. Neumeier – Hamburg
Ballet
8, 12, 14. VI: Shakespeare
Dances – c. J. Neumeier –
Hamburg Ballet
29. VI: Tatiana – c. J. Neumeier
– Hamburg Ballet
Leipzig
Š Oper
17, 24, 30. V, 1, 13, 15. VI: Deca
Dance – c. O. Naharin –
Leipziger Ballett
9, 22. VI: Mozart Requiem – c.
M. Schröder – Leipziger Ballett
München
Š Nationaltheater
22, 23, 24, 25. V, 5. VI: GoldbergVariations – c. J. Robbins; Gods
and Dogs – c. J. Kylián –
calendar • af
he • car
tellone • calendar • af
he
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
Bayerisches Staatsballett
30. V, 8, 21, 22. VI: Shéhérazade
– c. M. Fokine; Les Biches – c.
B. Nijinska; L’Après-midi d’un
Faune – c. V. Nijinsky –
Bayeriches Staatsballett
4, 5, 6, 27, 28, 29. VI: Das
Triadische Ballett – c. G. Bohner,
O. Schlemmer – Bayeriches
Staatsballett
17, 18, 19. VI: Le Sacre du
printemps – c. M. Wigman; The
Girl and the Knife Thrower – c.
S. Sandroni – Bayerisches
Staatsballett
Stuttgart
Š Opernhaus
25, 29, 31. V, 2, 3. VI: creation
– c. E. Clug; creation – c. D.
Volpi; Le Chant du compagnon
errant – c. M. Béjart – Stuttgart
Ballet
7, 8. VI: Tokyo Ballet: The Kabuki
– c. M. Béjart
12, 13, 14, 17, 18, 26, 27. VI:
Romeo und Juliet – c. J. Cranko
– Stuttgart Ballet
4, 8. V, 19, 22, 25, 29. VI: Orphée
et Eurydice – c. C. Spuck –
Stuttgart Ballet
Š Schauspielhaus
23, 27. V, 20. VI: A. Memory –
c. K. Kozielska; World Raush –
c. L. Stiens; Miniatures – c. D.
Lee – Stuttgart Ballet
ESPAÑA
Cádiz
Š Teatro Falla
7. VI: Compañía Nacional de
Danza: Sleepless – c. J. Kylián;
In the Middle, Somewhat
Jason Reilly, Evan Mckie – Stuttgart Ballet: “Le Chant du compagnon errant”, c. Maurice Béjart
(ph. U. Beuttenmüller)
Elevated – c. W. Forsythe; Minus
16 – c. O. Naharin
Madrid
Š Teatro Real
24, 26, 27, 29, 30. V, 1. VI:
Compañía Nacional de Danza: Allegro brillante – c. G.
Balanchine; Delibes suite – c.
J. Martínez; In the Middle,
Somewhat Elevated – c. W.
Forsythe; Casi casa – c. M. Ek
Valencia
Š Teatro Principal
11, 12. IV: Compañía Nacional
de Danza: Nippon-Koku – c. M.
Morau
– c. T. Fabre; Three Preludes –
c. B. Stevenson; Les Bourgeois
– c. B. Van Cauwenbergh;
Raymonda (Grand Pas) – c. M.
Petipa
Zaragoza
Š Teatro Principal
13-15. VI: Compañía Nacional
de Danza: Allegro Brillante –
c. G. Balanchine; Delibes Suite
– c. J. Martínez; Holberg Suite
FINLAND
Helsinki
Š Opera
23. V: “Kenneth Greve and
Friends”
FRANCE
Aix-en-Provence
Š Le Pavillon Noir
3. VI: Maman Sani Moussa:
Troubles
13. VI: Souleymane Ladji Koné:
Lego de l’Ego
Aubervilliers
Š Théâtre de la Commune
(Rencontres Chorégraphiques)
Lucía Lacarra, Marlon Dino
– Bayerisches Staatsballett:
“Shéhérazade”,
c. M. Fokine (ph. W. Hösl)
5
af
he • car
tellone • calendar • af
he • car
tellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
13. VI: Cie O/Maroc: HA! – c. B.
Ouizguen
17, 18. VI: Cie Maguy Marin:
Singspiegel
17, 18. VI: François Chaignaud:
Dumy Moyi
Lyon
Š Maison de la Danse
21, 22, 23, 24, 25. V: Les Ballets
de Monte-Carlo: Le Lac – c. J.C. Maillot
4, 5, 6. VI: Cie Ariadone: Chez
Ikkyû – c. C. IKeda
12, 13. VI: Jeune Ballet du
CNSMD de Lyon
Royal Danish Ballet: “Twelfth Night”, c. Nikolaj Hübbe (P. M. Abrahamsen)
2-4. VI: Cie Daniel Linehan: The
Karaoke Dialogues
24, 25. V: Kat Válastur: Oh!
Deep Sea
Bagnolet
Š Le Colombier (Rencontres
Chorégraphiques)
26-28. V: Kinkaleri: Fake For
Gun No You; Francesca
Foscarini/Yasmeen Godder: Gut
Gift
Lille
Festival Latitudes Contemporaines
Š Opéra
11, 12. VI: L’Association Fragile: D’Après une histoire vraie
– c. C. Rizzo
Š Maison Folie de Wazemmes
10. VI: Kate McIntosh: All Ears
Seh Yun Kim, Toby William Mallit – Compañía Nacional de Danza:
“Three Preludes”, c. Ben Stevenson (ph. J. Vallinas)
Blanc-Mesnil
Š Le Forum (Rencontres
Chorégraphiques)
22, 23. V: Le Veronal/Lali
Ayguadé: Portland; Mélanie
Perrier: Nos charmes n’auront
pas suffi
22, 23. V: Myriam Gourfink:
Souterrain
Marseille
Festival de Marseille
Š Esplanade du Théâtre JolietteMinoterie
23, 24. VI: Cie Éric Languet:
Attention fragile
Š Théâtre Joliette-Minoterie
23, 24. VI: Cie Robin Orlyn: In
a World Full of Butterflies...
Š Ballet National de Marseille
30. VI, 1. VII: Les Ballets C de
la B: Badke
Š KLAP
25. VI: Formation Coline /
Colectivo Caretel: Teahupoo/
Cuatro Puntos – c. E. Gat
Š Le Silo
19, 20. VI: Vertigo Dance
Company: création – c. N.
Wertheim
26, 27. VI: Co. Karas: Mirror and
Music – c. S. Teshigawara
Montreuil
Š Nouveau Théâtre (Rencontres
Chorégraphiques)
10, 11, 13, 14. VI: Kubilai Khan
Investigations: Your Ghost Is
Not Enough
10, 11. VI: Niv Sheinfeld/Oren
Laor: Two Room Apartment
13, 14. VI: Lisbeth Gruwez: Ah/
ah; Martin Schick/Damir
Todorovic: Holiday on stage; Ula
Sickle: Kinshasa Electric
Š La Parole Errante (Rencontres
Chorégraphiques)
17, 18. V: Kim Bo-ra: A Long
Talk to Oneself; Katalin Patkaï:
Jeudi; An Kaler: Contingencies
Bordeaux
Š Opéra National de Bordeaux
24, 25, 26, 27, 29, 30. VI: Don
Quichotte – c. M. Petipa, C. Jude
– Ballet de l’Opéra de Bordeaux
Créteil
Š Maison des Arts
13-17. V: Cie José Montalvo:
Don Quichotte du Trokadéro
22, 24. V: Aakash Odedra:
Rising
13, 14. VI: Cie Yuval Pick
Montpellier
MontpellierDanse
Š Théâtre La Vignette
23, 24. VI: Sharon Eyal, Gai
Behar: House
27, 28. VI: Matthieu
Hocquemiller: (nou)
Š Studio Bagouet/Agora
23-25. VI: Hooman Sharifi: Every
Épinay-sur-Seine
Š Maison du Théâtre de la
Danse
(Rencontres
Chorégraphiques)
6
7
af
he • car
tellone • calendar • af
he • car
tellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
order eventually...
28-30. VI: Cie Nacera Belaza:
Les Oiseaux
Š Opéra Berlioz
27, 28. VI: Eastman: Genesis
– c. Sidi Larbi Cherkaoui
1, 2. VII: Wayne McGregor/
Random Dance: Atomos
Š Théâtre de l’Agora
22-26. VI: Ballet Preljocaj: Empty
Moves (Part I, II, III) – c. A. Preljocaj
30. VI, 1, 2. VII: Cie Salia Sanou:
Clameur des arènes
Š Cour de l’Agora
26-28. VI: Emanuel Gat Dance:
Plage Romantique
Mulhouse
Š La Filature
26, 27, 28. V: Genesis –
Jeunes chorégraphes
Nancy
Š Opéra de Nancy
22,-24. VI: Rose Variation;
Objets retrouvés – c. M. Monnier
– Ballet de Lorraine
Paris
Š Opéra Garnier
3, 4, 5, 8, 9, 10, 12, 13, 15, 16,
17, 19, 20, 21. V: Orphée et
Eurydice – c. P. Bausch – Ballet
de l’Opéra de Paris
19, 21, 23, 25, 27, 29. VI, 1, 2,
3, 4, 5, 7. VII: Psyché – c. A.
Ratmansky; Le Palais de cristal
– c. G. Balanchine – Ballet de
l’Opéra de Paris
Š Opéra Bastille
10, 14, 15, 18, 21, 25, 26, 28,
29, 31. V., 3, 4, 6, 8. VI: Le Palais
de cristal – c. G. Balanchine;
Daphnis et Chloé – c. B.
Millepied – Ballet de l’Opéra
de Paris
Š Théâtre des Champs-Élysées
28, 29, 30. VI: Studio3 Cia de
Dança: Paixao e Furia: le mythe
Callas
Š Théâtre de la Ville
14, 15. VI: Danse Élargie 3ème
Édition
21. VI-5. VII: Cie Tanztheater
Wuppertal: Palermo Palermo
– c. P. Bausch
Š Théâtre de la Ville – Les
Abbesses
10-14. VI: Cie Paulo Ribeiro:
Jim
Š Théâtre Chaillot (Salle Jean
Vilar)
13-16. V: Cie Karas: Dah-DahSho-Dha-Dha – c. S.
Teshigawara
21, 22, 23, 24, 25, 27, 28, 29,
30. V: Cie José Montalvo: Don
Festival de Marseille: Les Ballets C. de la B.: “Badke” (ph. D. Willem)
Reims
Š Grand Théâtre de Reims
24, 25, 26. V: Ballet Biarritz:
Cendrillon – c. T. Malandain
Quichotte du Trocadéro
5-13. VI: Les Ballets de Monte-Carlo: Lac – c. J.-C. Maillot
19, 20, 21, 22, 24, 25, 26, 27.
VI: Nederlands Dans Theater
I: Mémoires d’oubliettes – c.
J. Kylián; Solo Echo – c. C. Pite;
Shoot of the Moon – c. S. León,
P. Lightfoot
Š Théâtre Chaillot (Grand Foyer)
21-23. V: Kaori Ito: Asobi
Š Théâtre Chaillot (Salle Maurice
Béjart)
13-17. V: Edmond Russo et
Shlomi Tuizer: Embrace
23-30. V: Dominique Dupuy:
Acte sans paroles 1
Š Pantin – Studios du Centre
National de la Danse
14-16. V: Cie L’Octogonale:
Impar – c. J. Brabant
21-23. V: Cie Yann Lheureux:
Flat/grand délit
21-23. V: Cie La Feuille
d’Automne: Cendrillon – c. P.
La Feuille
4-6. VI: Clément Dazin: Bruit
de couloir
4-6. VI: Cie deFracto: Flaque
14-15. VI: Les Ballets de MonteCarlo: Daphnis et Chloé – c.
J.-C. Maillot
Saint-Denis
Š La Chaufferie (Rencontres
Chorégraphiques)
24. V: Simone Aughterlony: After
Life
Saint-Quentin-en-Yvelines
Š Théâtre de Saint-Quentin-enYvelines
20, 21. V: Sankai Juku:
Umusuna – c. U. Amagatsu
31. V: Cie Molecule: Collusions
– c. S. Ground
14. VI: “Danser son Sacre”
Strasbourg
Š Pôle Sud (Festival Nouvelles)
15, 16. V: Cie François Verret:
Atlas
20. V: Cie Thomas Lebrun:
Trois décennies d’amour cerné;
Marco Berrettini: Ifeel2
22. V: I’m Company Ivana Müller:
Positions; Nicole Seiler: Un acte
sérieux
23, 24. V: Olga Mesa: Travaux
Publics
23. V: Emmanuel Leggermont:
Vorspiel – Opus 1 et 2
27. V: Radhouane El Mebbeb,
Matias Pilat & Alexandre
Fournier: Nos limites; Edmond
Russo, Shlomi Tuizer: Embrace
Perpignan
Š Théâtre de la’Archipel
29. VI: Compañía Nacional de
Danza: Nippon-Koku – c. M.
Morau/La Veronal
8
28. V: Cie Laurent Chétouane:
Sacré Sacre du printemps
Š Salle Jean-Pierre Ponnelle
12, 14, 18. VI: Genesis –
Jeunes chorégraphes
Toulouse
Š Halle aux Grains
18-22. VI: Ballet du Capitole:
Valser – c. M. Oliveiro
Uzès
Uzès Danse
Š Jardin de l’Évêché
13. VI: Fabrice Ramalingom:
Postural: études
14. VI: PI:ES: Mauvais Genre –
c. A. Buffard
15. VI: María Muñoz: Bach
16. VI: Gaëtan Bulourde: Spoiled
Spring
17. VI: Clément Layes:
Dreamed apparatus
18. VI: Fabrice Ramalingom:
D’un goût exquis
18. VI: Matthieu Hocuimiller: Post
Disaster Dance
Š Salle de l’ancien Évêché
14. VI: Diederik Peeters: Red
Herring
15. VI: Arnaud Saury: Mémoires
du Grand Nord
16. VI: Mathilde Gautry: Je coryais
17. VI: Danya Hammoud: Mes
mains sont plus âgées...
18. VI: Anne Lopez:
Mademoiselle Lopez
Š Cour de l’Évêché
9
af
he • car
tellone • calendar • af
he • car
tellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
14. VI: Maguelone Vidal, Fabrice
Ramalingon: Le Coeur du son
18. VI: Emmanuel Eggermont:
Vorspiel
Versailles
Š Château de Versailles
1 8 , 1 9 . V I: B é j a r t B a l l e t
Lausanne: Sept Danses
grecques; Bhakti III; Boléro –
c. M. Béjart
GREAT BRITAIN
Birmingham
Š Hippodrome
4-7. VI: Dante Sonata; Façade;
Les Rendez-vous – c. F. Ashton
– Birmingham Royal Ballet
11-15. VI: La Fille mal gardée
– c. F. Ashton – Birmingham
Royal Ballet
Edinburgh
Š Festival Theatre
21-24. V: Scottish Ballet: Romeo
and Juliet – c. K. Pastor
London
Š Royal Opera House
14, 17, 21, 23, 24, 26. V: Serenade – c. G. Balanchine; Sweet
Violets – c. L. Scarlett; DGV,
Danse à grande vitesse – c. C.
Wheeldon – The Royal Ballet
31. V, 5, 6, 10, 12, 13. VI: The
Dream – c. A. Marriott; creation
– c. L. Scarlett; The Concert –
c. J. Robbins – The Royal Ballet
Š Sadler’s Wells Theatre
Théâtre de la Ville: Tanztheater Wuppertal: “Palermo Palermo”, c. Pina Bausch (ph. J. Viehoff)
14-17. V: Scottish Ballet: Romeo
and Juliet –c. K. Pastor
20-24. V: Rambert Dance:
Rooster – c. C. Bruce; Four
Elements – c. L. Childs;
Sounddance – c. M.
Cunningham; Dutiful Ducks –
c. R. Alston
27-29. V: Cie Rosas: Vox
temporum – c. A.-T. De
Keersmaeker
3, 4. VI: Grupo de Rua: Crackz
– c. B. Beltraõ
5, 7. VI: Russell Maliphant
Company: Still Current – c. R.
Maliphant
13, 14. VI: Cie Käfig: Boxe Boxe
– c. M. Merzouki
17, 18. VI: Dada Masilo: Swan
Lake
20, 21. VI: Fabulous Dance
Theatre: Rian – c. M. KeeganDolan
23, 24. VI: Eastman/Sidi Larbi
Cherkaoui: 4D
ITALIA
Bergamo
Š Teatro Sociale (Festival Danza
Estate)
15. V: Koreokroj_Balletto di
Zagabria: My Name si Nobody
– c. M. Volpini
18. V: lucylab.evoluzioni: Due
tipe
27. V: ARB Dance
Company, Zerogrammi:
Precariato – c. S. Mazzotta,
E. Sciannamea
5. VI: Zappalà Danza: Istrument
1_scoprire l’invisibile – c. R.
Zappalà
11. VI: Ziya Azazi: Dervish
18. VI: Sanpapié: Due+Due=5
26. VI: Compagnia Simona
Bucci: Enter Lady Macbeth
3.
VII:
INC
InNprogressCollective: Oceania – c. A. Varjavandi
Sophie Martin, Erik Cavallari – Scottish Ballet: “Romeo and Juliet”,
c. Krzysztof Pastor (ph. A. Ross)
Gardone Riviera
10
Š Vittoriale
21, 22. VI: Martha Graham
Dance Company: The Rite of
Spring; Diversion of Angels;
Errand – c. M. Graham; Depak
Ine – c. N. Duato
Firenze
Š Teatro della Pergola
20. VI: MaggioDanza: Carmen
– c. D. Bombana
Š Opera di Firenze
28. VI: City Contemporary Dance
Company: As If To Nothing –
c. S. Jijia
Genova
Š Teatro Carlo Felice
23. V: Ballet Preljocaj: Blanche
Neige – c. A. Preljocaj
Legnago
Š Teatro Salieri
29.
V:
Aterballetto:
Workwithinwork – c. W. Forsythe;
Absolutely Free – c. M. Bigonzetti
Milano
Š Teatro alla Scala
28, 29, 30. V, 1, 4, 5, 7, 12, 17,
18. VI: Le Jeune Homme et la
Mort; Pink Floyd Ballet – c. R.
Petit – Balletto del Teatro alla
Scala
Š Teatro Strehler
5-8. VI: Aterballetto: WAM; Cantata – c. M. Bigonzetti
12-15. VI: Aterballetto: Rain Dogs
– c. J. Inger; Vertigo – c. M.
11
af
he • car
tellone • calendar • af
he • car
tellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
Bigonzetti; Don Q – c. E.
Scigliano
23-29. VI: MilanoFlamenco
Festival
Modena
Š Teatro Comunale Luciano
Pavarotti
17. V: Ballett Mainz: Cenerentola – c. P. Touzeau
22. V: Donlon Dance Company:
Amore in Bianco e Nero – c. M.
Dolon
Napoli
Š Teatro di San Carlo
18, 19, 22, 24, 25. VI: Requiem
– c. B. Eifman – Balletto del
Teatro San Carlo di Napoli
Š Museo Nazionale Ferroviario (Napoli Teatro Festival)
6, 7. VI: Vertigo Dance Company:
Reshimo – c. N. Wertheim
8, 9. VI: Vertigo Dance Company:
Mana – c. N. Wertheim
11. VI: National Ballet of Kosovo:
NID Platform-New Italian Dance Platform: Co. Virgilio Sieni: “Esercizi di primavera” (ph. A. Anceschi)
Shéhérazade – c. A. Panzavolta
13, 14. VI: Emio Greco/PC: Addio alla fine – c. E. Greco
Ballet du Grand Théâtre de Genève: “Glory”, c. Andonis Foniadakis
(ph. G. Batardon)
Padova
Š Teatro Verdi (Prospettiva Teatro Danza)
18. V: Cie Käfig: Yo gee ti – c.
M. Merzouki
Parma
Š Teatro del Parco Ducale
17. V: Balletto di Maribor: Giselle
– c. J. Coralli, J. Perrot, M. Petipa
21, 22. V: Compania Junior
Balletto di Toscana: Giselle –
c. E. Scigliano
24, 25. V: Aterballetto: Certe Notti
– c. M. Bigonzetti
Pisa
Š Teatro di Pisa
22. V: Aterballetto: Don Q. – Don
Quixote de la Mancha – c. E.
Scigliano; Rain Dogs – c. J. Inger;
Tempesta – c. C. Rizzo
Š Teatro Verdi di Pisa
22-25. V: NID Platform-New
Italian Dance Platform
Ravenna
Š Teatro Alighieri
9, 10. VI: Alessandra Ferri,
Herman Cornejo: Chéri – c. M.
Clarke
Š Teatro Rasi
10. VI: Valeria Magli: Pupilla
12. VI. Compagnia Abbondanza-Bertoni: Terramara
12
Š Palazzo Mauro de André
5. VI: Svetlana Zakharova and
Friends
21. VI: Ballet du Grand Théâtre
de Genève: Lux – c. K. Ossola;
Glory – c. A. Foniadakis
27. VI: Compagnie Olivier
Dubois: Souls
Roma
Š Teatro dell’Opera
23, 24, 25, 27, 28, 29, 30, 31.
V, 1. VI: La Belle au bois
dormant – c. M. Petipa (P.
Chalmer) – Balletto dell’Opera di Roma
Š Terme di Caracalla
27, 28. VI: Tokyo Ballet: Sept
Danses grecques; Don Giovanni; Le Sacre du printemps – c.
M. Béjart
Š Villa Adriana
23. VI: Bruno Beltraõ: H3
25. VI: Martha Graham Dance
Company: Rite of Spring;
Diversion of Angels; Errand –
c. M. Graham; Depak Ine – c.
N. Duato
Torino
Š Limone Fonderie Teatrali –
Moncalieri (Interplay)
26. V: Itamar Serussi: Mono;
Ludvig Daae
27. V: Giorgia Nardin: Dolly;
Manfredi Perego: Grafiche del
silenzio; Co. MK: Robinson –
c. M. Di Stefano
29. V: Teilo Troncy: Je ne suis
13
af
he • car
tellone • calendar • af
he • car
tellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
Verona
Š Teatro Filarmonico
15-18. V: Le Lac des cygnes –
c. R. Zanella – Balletto dell’Arena di Verona
Š Teatro Ristori
29, 30. V: Wiener Staatsballett:
Allegro Brillante – c. G.
Balanchine; Other Dances – c.
J. Robbins; Black Cake (duo)
– c. H. van Manen; Le Lac des
cygnes (Pas de cinq) – c. R.
Nureyev
Vicenza
Š Teatro Comunale di Vicenza
13. V: Grupo Corpo: Imã; Triz
– c. R. Pederneiras
23, 24. V: Ballet du Grand Théâtre
de Genève: Songe d’une nuit
d’été – c. M. Kelemenis
NEDERLAND
Larissa Lezhnina, Casey Herd – Het Nationale Ballet: “Trois Gnossiennes”, c. Hans van Manen
(ph. A. Sterling)
pas permanent; Daniele
Albanese/Co. Stalk; Jasper van
Luijk: Quite Discontinous
30. V: Sarah Bronsard: Ce qui
émerge après; Jo Fung:
Dialogue; Andrea Gallo Rosso: I Meet You...
31. V: Cristina Rizzo: La Sagra
della primavera, paura e delirio a Las Vegas; Giulio D’Anna: OOOOOOO
Š Teatro Astra (Interplay)
21. V: Cie Roy Assaf: The Hill;
Cie Sharon Fridman: Caída libre
Venezia
Š Ca’ Giustinian (Sala delle
Colonne)
19, 20, 25, 26, 27. VI: Cristina
Rizzo: Bolero
21, 22. VI: Jonathan Burrows:
The Madonna Project
21. VI: Cie Karas: Eyes Off – c.
S. Teshigawara
22, 25, 26, 27, 28. VI: Luisa
Cortesi: L’appuntamento
24. VI: Marina Giovannini:
Meditation on Beauty
27, 28. VI: MK/Margherita
Morgantin: 190CM CA
Š Conservatorio B. Marcello
19, 20, 21, 22. VI: Jérôme Bel:
Mondo Novo
26, 27, 28, 29. VI: Alessandro
Sciarroni: You Don’t Know
How Lucky You Are
Š Campo Pisani
19, 20, 21. VI: Anton Lachky:
À demain
26, 27, 28, 29. VI: David
Zambrano: Passing –
Through
Š Palazzo Grassi
19, 22. VI: Jonathan Burrows:
Body not Fit for Purprose;
Jérôme Bel: senza titolo
25, 27, 28, 29. VI: Keiin
Yoshimura: Wa No Kokoro:
Yashima
26, 27, 28, 29. VI: Laurent
Chétouane: Perspective(s)/
Solo avec R.
Š Teatro Malibran
19. VI: Cie Karas: Lines – c.
S. Teshigawara
Š Campo San Maurizio
20, 21. VI: Michele di Stefano/MK: Sahara para todos
26, 27, 28, 29. VI: Iris Erez:
Public Intimancy
Š Campo Novo
20, 22. VI: Cristina Rizzo:
Bolero Variazioni
21. VI: Luisa Cortesi: L’appuntamento
Š Teatro alle Tese
20. VI: Adriana Borriello: Tacita Muta
20, 21. VI: Cie Enzo Cosimi:
Sopra di me il diluvio
21. VI: Helen Cerina: Post
Grammatica
21. VI: Laurent Chétouane:
Sacré Sacre du Printemps
24. VI: Co. Virgilio Sieni: La
stanza del Fauno
24, 25. VI: Roy Assaf: Six
Years Later
24. VI: Raffaella Giordano,
Maria Muñoz: L’Incontro
25. VI: Simona Bertozzi/Nexus:
Guardare ad altezza d’Erba
25. VI: Radhouane El Meddeb,
Matias Pilet, Alexandre
Fournier: Nos Limites
26. VI: Stian Danielssen: Let’s
Play
26. VI: Jan Martens: Sweay
Baby Sweat
28. VI: Co. Virgilio Sieni: Indigene
28. VI: Dewey Dell: Marzo
28. VI: Damaged Good: Hunter
– c. M. Stuart
Š Teatro Piccolo Arsenale
20. VI: Co. Steve Paxton: Bound
27. VI: Association Fragile:
D’après une histoire vraie –
c. C. Rizzo
14
Amsterdam
Š Het Muziektheater
14, 16, 19, 20. V: Paquita (Grand
Pas) – c. M. Petipa; Tchaikovsky
Pas de Deux – c. G. Balanchine;
Trois Gnossiennes; Without
Words – c. H. Van Manen; Duet
– c. C. Wheeldon
7, 8, 9. VI: Nederlands Dans
Theater I: “Programme Kronos
Quartet”
18, 20, 21, 25, 26, 27, 29. VI:
The Tempest – c. K. Pastor –
Het Nationale Ballet
Š Staadsschouwburg
21, 23, 24, 30, 31. V: The Dream
– c. F. Ashton; Paquita (Grand
Pas) – c. M. Petipa – Het
Nationale Ballet
Den Haag
Š Lucent Danstheater
4, 5. VI: Shutters Shut – c. P.
Lightfoot, S. León; Cacti – c. A.
Ekman; Gods and Dogs – c. J.
Kylián; Sara – c. S. Eyal –
Nederlands Dans Theater
NORWEGIA
Oslo
Š Opera
2, 3, 10, 11, 13, 15, 20, 24. V:
Swan Lake – c. A Ekman –
Norwegian National Ballet
28, 31. V, 1, 3, 4, 5, 9, 10, 11,
15, 17, 18, 19, 21. VI: Le Lac
des cygnes – c. M. Petipa, L.
Ivanov, K. Seergeyev (A.-M.
Holmes) – Norwegian National
Ballet
15
af
he • car
tellone • calendar • af
he • car
tellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
K. Pastor
– Polish
National
Anna
Tsygankova,
Matthew
Golding –2 7 , 2 8 , 2 9 . V: G i s e l l e –
Ballet “Variations for Two Couples”,C o m p a n h i a N a c i o n a l d e
Het Nationale Ballet:
c. Hans van Manen (ph. M. Haegeman)Bailado
POLAND
Warsaw
Š Teatr Wielki
29, 30, 31. V, 1, 6, 7, 8. VI: Don
Quichotte – c. M. Petipa, A. Gorsky
(A. Fadeyechev) – Polish
National Ballet
14, 15, 28. VI: Returning Waves
– c. E. Wesolowsky; Adagio &
Scherzo; Moving Rooms – c.
PORTUGAL
RUSSIA
Lisboa
Š Teatro Camões
17, 18, 22, 23, 24, 25. V: O lago
dos cisnes – c. F. Duarte –
Companhia Nacional de
Bailado
St. Petersburg
Š Mariinsky Teatr
16, 18. V: A Midsummer Night’s
Dream – c. G. Balanchine –
Mariinsky Ballet
17. V: Ballet Gala in
honour of Ninel
Kurgapkina
19. V: Romeo and
Juliet – c. L.
Lavrovsky
–
Mariinsky Ballet
21. V: La Bayadère
– c. M. Petipa (V.
Tchabukiani) –
Mariinsky Ballet
22. V, 13, 14, 16. VI:
The Fountain of
Bakhchisarai – c. R.
Zakharov
–
Mariinsky Ballet
24. V: Le Lac des
cygnes – c. M.
Petipa, L. Ivanov (K.
Sergeyev)
–
Mariinsky Ballet
1, 2, 7. VI: Giselle –
c. J. Coralli, J. Perrot,
M.
Petipa
–
Mariinsky Ballet
15. VI Jewels – c.
G. Balanchine –
Mariinsky Ballet
21, 22. VI: Carmen
– c. A. Alonso; Le
Jeune Homme et la
Mort – c. R. Petit –
Marrinsky Ballet
Š Mariinsky Theatr
II
3, 6, 8. VI: Le
Corsaire – c. M.
Petipa, P. Gusev –
Mariinsky Ballet
Š Mikhailovsky
Theatr
20. V: Without
Words; Duende;
Svetlana
Zakharova, Edvin
Revazov – Bolshoi
Ballet: “La Dame
aux camélias”,
c. John Neumeier
(ph. M. Logvinov)
16
White Darkness – c. N. Duato
– Mikhailovsky Ballet
22, 23, 24. V: Casse-Noisette
– N. Boyarchikov – Mikhailovsky
Ballet
28, 29. V: Multeplicidad,
Formas de silencio y vacío –
c. N. Duato – Mikhailovsky Ballet
31. V: Cipollino – c. G. Mayorov
– Mikhailovsky Ballet
3, 5, 6. VI: Le Corsaire – c. M.
Petipa, P. Gusev – Mikahilovsky
Ballet
11, 12. VI: Le Lac des cygnes
– c. M. Petipa, L. Ivanov (A.
Gorsky, A. Messerer) –
Mikhailovsky Ballet
14, 15. VI: Giselle – c. J. Coralli, J. Perrot, M. Petipa –
Mikhailovsky Ballet
24-27. VI: La Bella au bois
dormant – c. N. Duato –
Mikhailovsky Ballet
Moscow
Š Bolshoi Teatr (old stage)
14, 15, 17. V: Marco Spada – c.
P. Lacotte – Bolshoi Ballet
27, 28. V: Benois de la Danse
29, 30, 31. V, 1. VI: Onegin – c.
J. Cranko – Bolshoi Ballet
1, 6, 7, 8. VI: Le Corsaire – c. M.
Petipa – Bolshoi Ballet
11, 12, 13, 15. VI: La Dame aux
camélias – c. J. Neumeier –
Bolshoi Ballet
17, 18. VI: The Royal Ballet:
Rhapsody – c. F. Ashton;
Tetractys – c. W. McGregor; DGV
Danse à grande vitesse – c. C.
Wheeldon
20, 21, 22. VI: The Royal Ballet:
Manon – c. K. MacMillan
SUISSE
Lausanne
Š Théâtre Beaulieu
21-25. V: Fais ce que tu veux
de ces ailes – c. J. Arozarena;
Kyôdai – c. G. Roman; Histoire
d’Eux – c. T. Fabre; Sept Danses
grecques – c. M. Béjart – Béjart
Ballet Lausanne
Š Salle Metropole
3. VI: Cie Octavio de la Roza:
Boléro; Instants volés – c. O.
De la Roza
Zürich
Š Opernhaus
22. V, 9, 13, 15, 20, 26, 29. VI:
Ballett Zürich: créations – c.
W. McGregor, M. Goecke, C.
Spuck
26-31. V: Junge Choreografen
17
18
BREVI ••NEWS
• BREVI
• NEWS
• BREVI
• NEWS
• BREVI
• NEWS
• BREVI
• NEWS• •ECHOS
BREVI • ECHOS
NEWS • •BREVI
• NEWS
ECHOS
ECHOS
• ECHOS
• ECHOS
• BREVI
• ECHOS
• ECHOS
• ECHOS
• ECHOS
ECHOS
• ECHOS
Serata Petit alla Scala
Dopo Il lago dei cigni (solita versione di Rudolf
Nureyev), il Balletto del Teatro alla Scala presenta, tra maggio e giugno, una serata Roland
Petit. Il programma accosta due lavori diversissimi tra loro che tuttavia rispecchiano lo
spirito del tempo nel quale furono creati: con
Le Jeune Homme et la Mort (lavoro
esistenzialista del 1946, su un’idea del poeta
Jean Cocteau), sarà ripreso anche Pink Floyd
Ballet, creato negli anni Settanta su brani del
gruppo rock. Da notare che nel Jeune Homme
si alterneranno due danzatori-star molto diversi: Roberto Bolle e il russo Ivan Vassiliev.
Sarà questo l’ultimo programma di balletto alla
Scala prima della pausa estiva. In giugno e luglio la compagnia sarà in tournée in Kazakistan
con Don Chisciotte (versione Nureyev). Il balletto sarà ripreso anche in settembre a Milano
con vari ospiti (Natalia Osipova con Ivan
Vassiliev, e nelle repliche successive Leonid
Sarafanov o Denis Matvienko). Nel frattempo, in seguito a un concorso, la compagnia milanese ha alcuni nuovi solisti e una nuova prima ballerina: Nicoletta Manni (23 anni), formatasi alla scuola della Scala.
Dal Corsaro a Mozart
Come già annunciato su queste pagine, è andata in scena in marzo al Teatro San Carlo di
Napoli la nuova produzione del Corsaire “da”
Marius Petipa a cura di Alexei Fadeyechev, ex
danzatore del Bolshoi di Mosca. La compagnia locale ha accolto diversi ospiti nei ruoli
principali; tuttavia ci sono stati alcuni cambiamenti nei casts rispetto a quelli annunciati inizialmente (con qualche protesta da parte del
pubblico): invece di Natalia Osipova, nel ruo-
Maria Alexandrova – Balletto del Teatro San Carlo di Napoli: “Le Corsaire”
(ph. A. Buccafusca)
lo di Medora ha danzato Maria Alexandrova
del Teatro Bolshoi di Mosca, in alternanza con
Jurgita Dronina di Het Nationale Ballet di
Amsterdam; anche Ivan Vassiliev (atteso nel
ruolo dello Schiavo Alì) ha dato forfait, e nel
ruolo di Conrad, Alexander Volchkov (pure
Bolshoi) si è alternato al cubano Rolando
Sarabia. La compagnia napoletana ritornerà in
scena in giugno con un lavoro del coreografo
russo Boris Eifman sul Requiem di Mozart.
EDITORIALE
Biennale di Venezia: Saburo
Teshigawara: “Lines”
(ph. K.Miura)
Biennale di Venezia: la danza e
la pittura
Dal 19 al 29 giugno si svolgerà a Venezia la
“Biennale Danza”, o meglio: il nono Festival
Internazionale di Danza Contemporanea della
Biennale di Venezia, il primo diretto dal coreografo Virgilio Sieni. Il programma elenca ben
42 titoli, 28 dei quali sono creazioni. Lo stesso
Sieni presenta i “primi appunti” del suo Van-
Alfio Agostini
Cominciano a piovere (anche se il verbo fa fare il gesto delle corna a tutti i programmatori
di spettacoli estivi) sui tavoli delle ormai poche redazioni che se ne interessano, i programmi dei festivals di danza dell’estate in tutta Europa. Sono passati i tempi in cui la carta
geografica dell’Italia, paese turistico ed estivo (e artistico?) per eccellenza, pullulava letteralmente di rassegne e di spettacoli di danza e balletto. Tuttavia, ancora non c’è troppo da
lamentarsi, almeno per quantità. Le rassegne maggiori sono sopravvissute alle crisi (economiche, politiche e culturali), anche se con programmi ridotti, e quelle meno “ricche” si sono
cambiate e scambiate, o adattate. Ma insomma, di spettacoli ce ne saranno anche quest’estate.
Il punto dolente – se non lo è solo per me – è che l’unica idea chiara che si ricava scorrendo
i programmi della maggior parte dei festivals, è che non c’è nessuna idea chiara. La principale idea mancante riguarda il quid, il che cosa: è un festival, ma di che? È vero che il concetto
di “danza” si è molto ampliato negli ultimi anni o decenni, e le forme non strettamente coreografiche, dal teatrodanza radicale alla post-danza, alla non-danza o alla “sdanza” (come l’ha
battezzata efficacemente una nostra collaboratrice) o al nuovo circo, si sono introdotte nel
mondo della danza, vi si sono integrate e l’hanno influenzato, talvolta arricchito.
Teoricamente, tutto normale. Se non fosse che le forme di non-danza, legittime e interessanti in se stesse, hanno praticamente occupato il campo, e assorbito le scarse risorse,
dell’arte della danza in senso proprio. La quale deve pur esistere, ha il suo posto nella
cultura artistica di un paese e come tale è sostenuta dallo stato. Non è solo un problema di
teoria critica, è un grave e taciuto problema di politica artistica.
Se mi nominano direttore di un ospedale, ho io il diritto di decidere di trasformarlo in un
centro di gastronomia o di giardinaggio (affermando che, secondo le nuove tendenze, queste
attività possono essere pertinenti a un ospedale) e intanto lasciar crepare i malati?
19
BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS
gelo secondo Matteo, che debutterà poi in luglio, dopo il festival: 24 quadri, presentati in
varie tappe, che impiegheranno tra 180 e i 200
interpreti. Uno dei progetti più interessanti
s’intitola “Aura”: Saburo Teshigawara, Laurent
Chétouane (francese che lavora in Germania),
Jonathan Burrows con Matteo Fargion,
Jérôme Bel e Michele Di Stefano creeranno 5
lavori partendo da opere di grandi artisti del
passato conservate a Venezia. Teshigawara, per
esempio, s’ispira, per un suo assolo, all’affresco di Giorgione noto come La Nuda. Nelle
varie sezioni in cui si articola il festival ritroviamo, oltre ad alcuni dei nomi già citati, anche
Meg Stuart, Radhouane El-Meddeb, Christian
Rizzo, Enzo Cosimi, Steve Paxton (a cui sarà
conferito il Leone d’Oro), Roy Assaf, Alessandro Sciarroni... Altri nuovi lavori saranno
presentati nell’ambito del progetto College
Danza, una serie di workshops per giovani
danzatori.
Parma Danza
Ritorna in maggio la rassegna Parma Danza del
Teatro Regio di Parma. In apertura Sylvie
Guillem e Russell Maliphant riprendono il loro
vecchio “recital” in cui si alternano assolo e
duetti creati dal coreografo britannico, tra cui
Push che dà il titolo allo spettacolo. Toccherà
poi a Eleonora Abbagnato per una serata di
gala con i suoi colleghi dell’Opéra di Parigi, tra
i quali Clairemarie Osta, Nicolas Le Riche,
Benjamin Pech e Amandine Albisson, fresca di
nomina a étoile (vedi notizia). Alla Giselle di
tradizione del Balletto di Maribor (Slovenia)
farà da contrappunto la Giselle creata recentemente da Eugenio Scigliano per la Compagnia
Junior Balletto di Toscana. In chiusura
l’Aterballetto riprende Certe Notti, il lavoro di
Mauro Bigonzetti su canzoni di Luciano
Ligabue.
Danzando con Lucio Dalla
Il Balletto di Roma ha presentato una creazione di Milena Zullo su canzoni di Lucio Dalla.
Una serie di ensembles per i danzatori della
compagnia romana ma anche di pezzi a due, a
tre, ecc. si susseguono su alcuni successi del
cantautore bolognese, da Balla balla ballerino
(che è una sorta di tema ricorrente dello spettacolo) a Caruso. Lo spettacolo è in tournée in
Italia.
Piattaforma a Pisa
La New Italian Dance Platform (NID), che si
tiene al Teatro Verdi di Pisa dal 22 al 25 maggio, è presentata come “un’iniziativa per promuovere e diffondere la produzione coreografica italiana sul mercato nazionale e internazionale, un’occasione per sviluppare scambi
tra artisti e operatori, luogo di confronto di
idee e poetiche”. In questo caso non è dunque
importante solo ciò che si vede in scena ma
anche il parterre di addetti ai lavori invitati a
osservare: ne sono attesi oltre 100 da 35 Paesi
del mondo. Sarà l’Aterballetto a inaugurare la
piattaforma, che programma, tra gli altri, anche il Spellbound Contemporary Ballet, la
Compagnia Enzo Cosimi, il Balletto di Roma,
Zappalà Danza e la Compagnia Virgilio Sieni.
Spoleto senza la Ferri...
È stato annunciato il programma del Festival
dei Due Mondi di Spoleto, che si terrà dal 27
giugno al 13 luglio. Alessandra Ferri, che negli
anni passati è stata consulente per la danza del
festival, in seguito ad alcune incomprensioni
con la direzione, ha lasciato l’incarico. Il programma di danza continua tuttavia, come negli
ultimi anni, ad essere molto americano. Infatti
vi figurano la compagnia che Paul Taylor, decano della coreografia americana (e mondiale),
fondò 60 anni fa (è una delle tappe di una
tournée internazionale in occasione dell’anniversario), e il San Francisco Ballet che danzerà
in lavori di Frederick Ashton, Hans van Manen,
Alexei Ratmansky e del suo direttore Helgi
Tomasson.
... che va al
Ravenna
Festival
Comincia alla fine di
maggio il Ravenna
Festival. Svetlana
Zakharova inaugura la
sezione danza ai primi di giugno con una
serata di gala in cui
sarà circondata da altri danzatori russi. Altra diva del balletto,
Alessandra Ferri che,
lasciata la consulenza
artistica del Festival
dei Due Mondi di
Spoleto, approda a
Ravenna per presentare Chéri. Anna
Kisselgoff, sul n° 244
di BALLET2000,
aveva recensito lo
spettacolo al debutto
a New York: il lavoro,
con la coreografia di
Martha Clark, s’ispira al romanzo omonimo di Colette; la Ferri
danza con Herman
C o r n e j o
Alessandra Ferri,
Herman Cornejo:
“Chéri”,
c. Martha Clarke
(ph. J. Marcus)
20
dell’American Ballet Theatre. Tra gli altri appuntamenti con la danza, il Ballet du Grand
Théâtre de Genève e soprattutto la Trisha
Brown Dance Company per il cosiddetto “tour
d’addio”, dato che la coreografa americana
Trisha Brown (78 anni) passa il testimone della direzione artistica ai suoi collaboratori.
Passo a cinque al Ristori
Si conclude alla fine di maggio la rassegna di
danza del Teatro Ristori di Verona che, dopo il
Béjart Ballet Lausanne, l’Aterballetto e i
BalletBoyz, presenta (come già la scorsa stagione) una serata di gala con alcuni artisti del
Balletto dell’Opera di Vienna. Sono in programma brani di George Balanchine, Jerome
Robbins, John Neumeier, Hans van Manen,
con in più una curiosità: il passo a cinque del I
atto del Lago dei cigni nella primissima versione che Rudolf Nureyev firmò nel 1964 per
l’Opera di Vienna; dove viene normalmente
rappresentato il passo a tre, Nureyev creò appunto un passo a cinque per il principe (cioè
se stesso) e due coppie.
BREVI ••NEWS
• BREVI
• NEWS
• BREVI
• NEWS
• BREVI
• NEWS
• BREVI
• NEWS• •ECHOS
BREVI • ECHOS
NEWS • •BREVI
• NEWS
ECHOS
ECHOS
• ECHOS
• ECHOS
• BREVI
• ECHOS
• ECHOS
• ECHOS
• ECHOS
ECHOS
• ECHOS
sulla Sinfonia in Do maggiore di Georges Bizet
(a New York e altrove, lo si danza oggi con il
titolo di Symphony in C). Per l’occasione, il
balletto di Balachine sarà rivestito con i costumi dello stilista Christian Lacroix. La serata
seguente, tra giugno e luglio, sarà composta da
due riprese: Dances at a Gathering di Jerome
Robbins e Psyché che Alexei Ratmansky aveva creato all’Opéra nel 2011 sul Poema sinfonico per orchestra e coro del compositore francese dell’Ottocento César Franck. Nel frattempo, è stata annunciata la stagione 2014-2015,
l’ultima messa a punto da Brigitte Lefèvre (che
lascia la direzione della compagnia in estate):
accanto a numerose riprese (di cui parleremo
più avanti) segnaliamo fin d’ora due creazioni,
una di John Neumeier sul Canto della terra di
Gustav Mahler e un’altra di Pierre Rigal – una
scelta che può lasciare perplessi dato che Rigal
è più un “performer” che viene dal mondo del
circo e dello hip hop che non un coreografo in
senso stretto.
Albisson étoile
Sylvie Guillem, Russell Maliphant: “Push” (ph. J. Persson)
Bergamo che danza
Si tiene fino a luglio il Festival Danza Estate
del Teatro Sociale di Bergamo, giunto ormai
alla sua 26esima edizione. Dopo l’apertura con
l’Ariston Proballet di Marcello Algeri e il Balletto di Zagabria, si succedono vari artisti e
compagnie della danza contemporanea
perlopiù italiana, oltre a quella del coreografo
Afshin Varjavandi che presenta uno spettacolo che unisce l’hip hop alla video-arte.
Dance Summit ad Ancona
La Fondazione Regionale Arte nella Danza
Città di Ancona, diretta da Eugenia Morosanu,
organizza dal 30 giugno al 5 luglio la terza edizione dell’International Dance Summit che
prevede stages e masterclasses con vari insegnanti italiani e stranieri. In chiusura, nella cornice dell’Anfiteatro Romano della città, si terrà una serata di gala a scopo benefico (in favore
della Fondazione Francesca Rava Nph Onlus).
Alla fine della serata saranno assegnate delle
borse di studio ai ragazzi più meritevoli che
hanno partecipato al Dance Summit.
Medea a Tallin
Gianluca Schiavoni, danzatore del Teatro alla
Scala che si dedica anche alla coreografia, ha
presentato in marzo un suo lavoro con il Balletto Nazionale dell’Estonia all’Opera di Tallin.
Ispirato al mito greco di Medea, il balletto impiega musiche di Igor Stravinsky, Alfred
Schnittke e del duo fusion anglo-australiano
Dead Can Dance. È questo il secondo lavoro
importante di Schiavoni, dopo una creazione
per il Teatro alla
Scala, L’altro
Casanova, nel
2011.
Musica francese
all’Opéra
Il Balletto dell’Opéra di Parigi è in scena in maggio (e
fino all’8 giugno) con una serata dedicata alla musica francese, in cui sarà presentata la seconda creazione della stagione (dopo
Darkness is Hiding Black Horses del
coreografo
giapponese
Saburo
Teshigawara, data nell’ottobre scorso). Si
tratta di un lavoro di Benjamin Millepied (che
a partire dal mese di ottobre sarà il nuovo
direttore della compagnia), il quale si avvale
qui della partitura di Daphnis et Chloé di
Maurice Ravel, riunendo così la compagnia di balletto, l’orchestra e il coro
dell’Opéra. Le scene sono affidate al
pittore Daniel Buren. In apertura
di programma, ci sarà la ripresa
di Le Palais de cristal che
George Balanchine creò
nel 1947 proprio
per la troupe
parigina,
Come già accennato sul numero scorso di
BALLET2000, Amandine Albisson è stata nominata étoile dell’Opéra di Parigi, nel marzo
scorso, alla fine di una rappresentazione di
Onegin di John Cranko in cui interpretava il
ruolo di Tatiana. 24 anni, aveva già fatto parlare di sé durante questa stagione per la
sua Aurora nella Bella addormentata
(versione
Nureyev). Si è formata
alla
scuola
dell’Opéra ed era stata promossa première
danseuse all’inizio
dell’anno.
Preljocaj in
creazione
Dopo Les Nuits, affresco
coreografico dalle tinte
esotiche ed erotiche, creato
nel 2013, Angelin Preljocaj
presenterà in giugno un nuovo
lavoro per la sua compagnia, il
Ballet Preljocaj di Aix-enProvence, nell’ambito del festival
francese Montpellier Danse. Si tratta della terza parte di Empty Moves,
Laura Halzack, Robert
Kleinendorst – Paul Taylor
Dance Company
(ph. T. Caravaglia)
21
BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS
compagnia internazionale – era stato appunto
accolto il San Francisco Ballet. Al Théâtre du
Châtelet, saranno proposte 18 rappresentazioni con un programma diverso, o diversamente combinato, ogni sera, dai balletti di
George Balanchine (The Four Temperaments,
Agon...) e quelli di Jerome Robbins (In the
Night, Glass Pieces...), fino alle ultime creazioni di Alexei Ratmansky e del giovane Liam
Scarlett (per la prima volta a Parigi), passando
per Hans van Manen, Christopher Wheeldon,
e poi il direttore Helgi Tomasson, Yuri
Possokhov (coreografo stabile della compagnia), Edwaard Liang...
Tony Fabre, la creazione
postuma
Julien Favreau, Elisabet Ros – Béjart Ballet Lausanne: “Histoire d’eux”, c. Tony Fabre
(ph. F. Levieux)
fino ad ora composto di due lavori sul sonoro
di Empty Words, lo spettacolo provocatorio
che John Cage presentò al Teatro Lirico di Milano nel 1977: una serie di suoni (sillabe,
fonemi...) svuotati di senso emessi dal compositore stesso che suscitarono la reazione indignata del pubblico (di cui si ha testimonianza
nella registrazione usata dal coreografo).
Preljocaj si è appunto proposto di applicare
questo principio delle “parole vuote” ai movimenti. Nel frattempo, in maggio, la compagnia
è al Teatro Carlo Felice di Genova dove presenta Blanche-Neige, uno dei balletti narrativi
di successo del coreografo franco-albanese.
MontpellierDanse
La 34a edizione di MontpellierDanse
(prestigioso festival francese di danza contemporanea) si svolge dal 22 giugno al 9 luglio ed
elenca 17 diversi spettacoli nel corso di 53 rappresentazioni. Oltre alla creazione di Angelin
Preljocaj (v. notizia sul coreografo), da notare
Genesis del belga-marocchino Sidi Larbi
Cherkaoui, attento ai temi postmoderni della
fusione dei linguaggi e delle culture, che, dopo
aver lavorato con i monaci Shaolin, trova nuovamente ispirazione nell’estetica cinese. Il lavoro, per 7 danzatori, prevede anche la partecipazione di Yabin Wang, danzatrice e coreografa notissima nel continente asiatico. Tra gli
altri appuntamenti, da evidenziare anche
Atomos, l’ultima creazione di Wayne
McGregor per la sua Random Dance e il nuovo assolo del bailaor Israel Galván che danze-
rà nell’ampio spazio della Cour de l’Agora nel
silenzio, come aveva fatto negli anni 30 Vicente
Escudero, il primo a immaginare un “flamenco
d’avanguardia”. Emanuel Gat, Nacera Belaza,
Jan Fabre, Boris Charmatz, Alonzo King sono
alcuni degli altri nomi nel programma del
festival.
10 anni con Les Étés de la
Danse
Quest’estate, per festeggiare i 10 anni di vita,
Les Étés de la Danse re-invitano il San
Francisco Ballet. Infatti, nel 2005, per la prima edizione di questo “festival” parigino – che
presenta ogni anno di solito una sola grande
Il danzatore e coreografo francese Tony Fabre,
che è morto improvvisamente alcuni mesi fa a
46 anni, stava lavorando a una creazione per il
Béjart Ballet Lausanne, che l’ha presentata postuma lo scorso febbraio a Losanna. Il lavoro,
Histoire d’eux, il terzo creato da Fabre per il
BBL, è ispirato alla vicenda di Didone ed Enea
e usa la musica di Henry Purcell (autore appunto dell’opera Dido and Aeneas). La compagnia lo riprenderà in maggio sempre a
Losanna nell’ambito di un altro programma insieme a due creazioni: la prima, di Gil Roman,
direttore della compagnia, trae ispirazione dalla letteratura giapponese; la seconda, è del
cubano Julio Arozarena, maître de ballet e assistente alla direzione del BBL. Sarà anche ripreso, dopo dieci anni dall’ultima rappresentazione, un lavoro di Béjart molto amato dal
suo pubblico: Les 7 Danses grecques, che il
coreografo francese creò nel 1983. Sarà ridato
anche a Versailles quest’estate durante una
tournée del BBL.
Il Boléro di De la Roza
Octavio de la Roza, l’ultimo danzatore elettivo
di Maurice Béjart, presenta, con la compagnia
che ha fondato a Losanna, un nuovo programma quest’estate nella città svizzera (giugno),
poi ad Avignone (luglio) e in altri luoghi. Con
Ballet Preljocaj: “Empty Moves”, c. Angelin Preljocaj (ph. J-C. Carbonne)
22
BREVI ••NEWS
• BREVI
• NEWS
• BREVI
• NEWS
• BREVI
• NEWS
• BREVI
• NEWS• •ECHOS
BREVI • ECHOS
NEWS • •BREVI
• NEWS
ECHOS
ECHOS
• ECHOS
• ECHOS
• BREVI
• ECHOS
• ECHOS
• ECHOS
• ECHOS
ECHOS
• ECHOS
audacia, De la Roza ha deciso di creare un suo
lavoro sul Boléro di Ravel (dopo aver interpretato numerose volte la coreografia di Béjart):
si tratta di una sorta di lotta tra due gladiatori a
cui il pubblico è invitato a partecipare salendo
sulla scena. La serata sarà completata da un
trio, sempre coreografato da De la Roza, in
dialogo con i musicisti in scena.
Prix Benois al Bolshoi
La prossima edizione del Prix Benois de la
Danse si terrà, come sempre al Teatro Bolshoi
di Mosca, il 27 e il 28 maggio prossimi, con la
cerimonia di consegna dei premi e la serata di
gala. Giunto ormai alla sua ventiduesima edizione, il Prix Benois (dal nome del primo
scenografo dei Ballets Russes, Alexandre
Benois) è stato fondato da Yuri Grigorovich
che continua a esserne il direttore artistico, con
la direzione generale di Nina KudriavtsevaLoory. Vengono premiate varie categorie di artisti che si sono distinti nelle produzioni di
danza e di balletto dell’anno precedente
(danzatori, coreografi ma anche costumisti,
scenografi, compositori). I premiati di quest’anno non sono ancora annunciati al momento della stampa di queste pagine. Tra i candidati, notiamo il coreografo Alexei Ratmansky,
la ballerina Ashley Bouder del New York City
Ballet, il danzatore Herman Cornejo
dell’American Ballet Theatre, e perfino il giovane danzatore del Teatro alla Scala Claudio
Coviello.
Dopo Wheeldon, Marriott
Dopo la creazione di Christopher Wheeldon,
The Winter’s Tale (di cui BALLET2000 riferirà prossimamente), in maggio il Royal Ballet
di Londra è impegnato in un trittico. In programma, Serenade (1934) di George
Balanchine, Sweet Violets, il “dramma danzato”, in stile vittoriano, di Liam Scarlett ispirato a Jack lo squartatore, e DGV, Danse à
grande vitesse che Christopher Wheeldon creò
nel 2006 per la compagnia inglese sulla musica che Michael Nymann compose per l’anniversario della nascita del treno ad alta velocità. In seguito è attesa l’ultima creazione della
stagione, di Alastair Marriott, un danzatore
“caratterista” del Royal Ballet che, come coreografo, ha creato diversi lavori per la compagnia. Nello stesso programma anche The
Dream (1964) di Frederick Ashton (breve lavoro ispirato a Sogno di una notte di mezz’estate di William Shakespeare) e The
Concert (1956) di Jerome Robbins, che mette
in scene le reazioni di un pubblico variegato e
indisciplinato durante un concerto per pianoforte.
Estate pietroburghese a Londra
Il Balletto del Teatro Mariinsky di San
Pietroburgo ritornerà alla Royal Opera House,
Covent Garden di Londra quest’estate, tra
Les Étés de la Danse: Lorena Feijóo, Tiit Helimets – San Francisco Ballet:
“Allegro Brillante”, c. George Balanchine (ph. E. Tomasson)
luglio e agosto, con programmi piuttosto
eclettici, numerose rappresentazioni e vari
casts. Tra gli appuntamenti più interessanti
di questa stagione londinese della compagnia
russa da segnalare Diana Vishneva in Romeo e
Giulietta (quello storico di Leonid Lavrovsky)
e in Cenerentola di Alexei Ratmansky, e
Ulyana Lopatkina nel Lago dei cigni. Figurano anche un programma George Balanchine
con Apollo e A Midsummer’s Night Dream e
un trittico con L’Uccello di fuoco di Michel
Fokine, Marguerite and Armand di Frederick
Ashton e Concerto DSCH di Ratmansky. Tra
gli altri danzatori annunciati, Ekaterina
Kondaurova, Alina Somova, Viktoria
Tereshkina, Daniil Korsuntsev e Vladimir
Shklyarov, e una delle giovani promesse della
compagnia, Yulia Stepanova.
La Regina al balletto
Nella foto vediamo la Regina Sofia di Spagna in una recente visita alla Compañía Nacional
de Danza (CND) e al Ballet Nacional de España (BNE), che infatti hanno sede nello
stesso edificio a Madrid. La prima, come
sappiamo, è diretta oggi da José Carlos
Martínez, dopo trent’anni di direzione di
Nacho Duato, che ne aveva fatta in sostanza una compagnia d’autore; la direzione
di Martínez ha riposto il problema di quale
dovrebbe essere il repertorio dell’unica
compagnia nazionale di balletto in Spagna,
in cui il balletto in senso stretto è assente. Invece il Ballet Nacional de España,
oggi diretto da Antonio Najarro, è la compagnia nazionale di danza classica spagnola,
comprendente la “escuela bolera”, cioè il
balletto spagnolo dell’Ottocento e altre
danze nazionali, tra cui, naturalmente, il
“baile flamenco”.
23
BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS
I Re... del sex appeal
Il gala tutto maschile “The Kings of the Dance”, è tornato in scena nel marzo scorso, stavolta
al Coliseum di Londra. I “re” in questione, almeno stando al titolo della serata, erano Roberto
Bolle, Marcelo Gomes, Denis Matvienko, Leonid Sarafanov e Ivan Vassiliev. Molto vari i
pezzi in programma: lavori di Nacho Duato, Patrick De Bana, Marco Goecke, dello stesso
Marcelo Gomes (che ha creato un “finale” su musica composta ed eseguita al piano dal
danzatore canadese Guillaume Côté), e soprattutto Roland Petit: dal Jeune Homme et la Mort
(in cui si sono alternati Bolle e
Vassiliev) fino al famoso duo maschile di Proust, ou les
intermittences du coeur. L’opinione generale della critica inglese che
ha recensito lo spettacolo sui quotidiani era che il sex appeal dei
danzatori (volentieri con muscoli
in evidenza) compensava la scarsa
qualità coreografica e di gusto del
programma (pur con le dovute eccezioni). Nella foto vediamo il gruppo dei Kings of the Dance, dopo lo
spettacolo, con l’impresario
armeno Serghei Danilian e lo stilista Valentino. Un prossimo progetto di Danilian è Solo for Two, un
“recital” per Natalia Osipova e
Ivan Vassiliev che sarà presentato
in luglio e agosto in California e in
Russia.
La dodicesima notte di Hübbe
In quest’anno shakespeariano, anche Nikolaj
Hübbe, direttore del Balletto Reale Danese,
presenta in maggio una sua creazione ispirata
a un lavoro del grande drammaturgo. Si tratta
della commedia La dodicesima notte, in cui si
esibiranno i danzatori più giovani della compagnia di Copenhagen.
Il Don Giovanni a Berlino
Dopo Il meraviglioso mago di Oz, il coreografo italiano Giorgio Madìa torna a creare
per il Berlin Staatsballett (la compagnia dell’Opera di Berlino, diretta ancora per qualche
mese da Vladimir Malakhov). Stavolta affronta il mito di Don Giovanni, prendendo ispirazione anche dal balletto di Jean-Georges
Noverre sulla musica di Gluck del 1761. Per
la musica tuttavia Madìa non ha scelto soltanto Gluck ma anche altri compositori della
stessa epoca. Il nuovo balletto debutta in giugno alla Komische Oper di Berlino.
africano di Dada Masilo e Swan Lake
reloaded di Fredrik Rydman (di cui
BALLET2000 riferirà sul prossimo numero).
Un altro Lago, che si annuncia speciale, è in
programma tra aprile e maggio in Norvegia,
con la compagnia dell’Opera di Oslo, a firma
dello svedese Alexander Ekman, coreografo
stabile del Nederlands Dans Theater dell’Aja,
con tanto di “lago vero” (così riferisce il comunicato stampa, di qualunque cosa si tratti)
e schizzi d’acqua in scena. Subito dopo, tra
maggio e giugno, sarà invece la volta del Lago
dei cigni tradizionale nella versione di
Konstantin Sergheyev da Marius Petipa e Lev
Ivanov (cioè quella del Kirov-Mariinsky), ripresa qui da Anna-Marie Holmes.
Omaggio a Richard Strauss
La Semperoper di Dresda (uno dei maggiori
teatri d’opera della Germania) dedica in giugno una serata di balletto alla musica di
Richard Strauss, in cui spicca una creazione
di Alexei Ratmansky sulla sua Verklungene
Feste (suite di danze per orchestra da camera). L’altro balletto in programma è La leggenda di Giuseppe: la musica fu commissionata a Strauss da Diaghilev e il balletto, con la
coreografia di Michel Fokine, fu presentato
dai Ballets Russes nel 1914. John Neumeier,
tra gli altri, ne creò una sua versione nel 1977
(ma ne ha anche presentato una nuova recentemente). Tuttavia a Dresda è in programma La
leggenda di Giuseppe del coreografo belga Stijn
Celis.
Zakharova delle camelie
È entrato in repertorio in marzo al Teatro
Bolshoi di Mosca, La Dama delle camelie, che
è uno dei balletti più noti e rappresentati di
John Neumeier. Nel ruolo che fu creato per
Marcia Haydée nel 1978, ha debuttato Svetlana
Zakharova, affiancata dall’ospite Edvin
Revazov, uno dei primi ballerini del Balletto di
Amburgo. Nel ruolo protagonistico hanno danzato poi anche Evghenia Obraztsova e la giovane promessa della compagnia Olga Smirnova,
entrambe formatesi a San Pietroburgo. Il balletto sarà ripreso al Bolshoi in giugno.
L’ABT al Metropolitan
Tra maggio e giugno si tiene la consueta “stagione di primavera” dell’American Ballet
Theatre al Metropolitan Opera House di New
Norwegian National Ballet: “Swan Lake”, c. Alexander Ekman (ph. E. Berg)
C’è Lago e Lago
Sembrerebbe che Il lago dei cigni di Mats Ek
o quello di Matthew Bourne, un tempo considerati rivoluzionari, iconoclasti o se non altro alternativi, siano ormai dei classici del cosiddetto “remake”, tanto numerosi sono i coreografi che hanno ricreato a loro modo questo grande titolo del balletto, con una propria
coreografia e rivisitando il libretto nei modi
più disparati. Ultimamente, per esempio, hanno molto fatto parlare di sé lo Swan Lake
24
25
BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS
che usano la musica di Alexandr Glazunov per
l’ultimo grand ballet di Petipa (in questo caso
si tratta di brani tratti dal primo atto).
Balanchine e Robbins ritornano poi in programmi misti in cui spicca una creazione di
Justin Peck, su una musica originale del cantante e cantautore americano Sufjan Stevens.
Una serie di rappresentazioni di Jewels e di A
Midsummer’s Night Dream di Balanchine concluderanno la stagione.
Non solo Martha Graham
Martha Graham Dance Company: “Depak Ine”, c. Nacho Duato (ph. Costas)
York. È un’occasione per vedere alcuni grandi
classici del repertorio in cui si alternano i
numerosi principals di questa compagnia cosmopolita: Don Chisciotte, La Bayadère (nella
versione di Natalia Makarova), Il lago dei cigni (nella versione del direttore della compagnia, Kevin McKenzie), Giselle e Coppélia, la
cui coreografia è qui accreditata a Nikolai
Sergheyev (il régisseur dei Teatri Imperiali
russi dell’inizio del Novecento che rimontò in
occidente la versione di Marius Petipa), ripresa a suo tempo per l’ABT dal danzatore
Frederic Franklin. In programma figurano anche Manon di Kenneth MacMillan e Cinderella
di Frederick Ashton, oltre a un paio di programmi misti in cui svetta la ripresa di Gaîté
parisienne di Léonide Massine, il balletto ispirato all’operetta di Jacques Offenbach, La Vie
parisienne, creato nel 1938 per i Ballets Russes
de Monte-Carlo ed entrato in repertorio
all’ABT nel 1970. La stagione si concluderà
con una serata in omaggio a William
Shakespeare nel 450o anniversario della nascita del grande drammaturgo, con The Dream, il
vecchio balletto di Ashton ispirato a Sogno di
una notte di mezz’estate, e la recente creazione
di Alexei Ratmansky che si rifà alla Tempesta.
mancare il repertorio dei due coreografi storici
della compagnia, il fondatore George
Balanchine e Jerome Robbins, a cui è dedicato
un programma ciascuno. Da notare che di
Balanchine sono elencate riprese di balletti poco
frequentati (o per nulla) fuori da New York,
come Le Tombeau de couperin, Robert
Schumann’s Davidsbündlertänze o Raymonda
Variations, uno dei tre balletti di Balanchine
La Martha Graham Dance Company ha presentato una sua stagione newyorkese al City
Center nel marzo scorso. Grande novità dell’evento sono state, come già annunciato in
precedenza, le due creazioni rispettivamente
dello spagnolo Nacho Duato e del greco
Andonis Foniadakis (già presentato in forma
di work in progress nell’ottobre scorso): la
compagnia ha infatti deciso di aprirsi ad altri
coreografi e alla creazione, pur continuando
naturalmente a rappresentare e custodire l’opera della grande signora della modern dance di
cui porta il nome. E di cui sono stati dati, tra
l’altro, Clytemnestra, qui in una versione ridotta a un atto, The Rite of Spring, ricostruito
lo scorso anno, e Appalachian Spring che ha
compiuto 70 anni.
Addio a Domenico Rigotti
È morto a Milano nell’aprile scorso Domenico
Rigotti, critico di danza e di teatro del quotidiano
L’Avvenire fin dalla fondazione nel 1968. Negli
anni ha sempre collaborato anche con riviste e
Xiomara Reyes, Herman Cornejo – American Ballet Theatre: “Coppélia”, (ph. M. Sohl)
Coreografi NYCB, ieri e oggi
La “stagione di primavera” del New York City
Ballet comincia alla fine di aprile con due programmi composti da lavori di 10 coreografi attuali: Mauro Bigonzetti, William Forsythe,
Peter Martins (il direttore della compagnia),
Benjamin Millepied, Justin Peck (il giovane
coreografo del NYCB di oggi), Angelin Preljocaj,
Alexei Ratmansky, Liam Scarlett, Richard
Tanner e Christopher Wheeldon. Ma non può
26
BREVI ••NEWS
• BREVI
• NEWS
• BREVI
• NEWS
• BREVI
• NEWS
• BREVI
• NEWS• •ECHOS
BREVI • ECHOS
NEWS • •BREVI
• NEWS
ECHOS
ECHOS
• ECHOS
• ECHOS
• BREVI
• ECHOS
• ECHOS
• ECHOS
• ECHOS
ECHOS
• ECHOS
Stanislavsky, l’altro balletto di
Mosca
L’appassionato di balletto considera Mosca una mecca per la presenza del Teatro
Bolshoi e della sua celeberrima compagnia.
Ma sarà sorpreso, come lo sono stato io
dopo tanti anni che non vedevo il Balletto
del Teatro Stanislavsky NemirovichDanchenko, nel constatare la qualità e l’attività di questa compagnia, “secondaria” per
i moscoviti, ma tale da far invidia a molti
teatri italiani o francesi. Il teatro, ben restaurato, accoglie un pubblico vero e appassionato per numerosi spettacoli di danza, oltre a quelli teatrali e musicali, e ospita appunto
una compagnia di balletto, forte di un’ottima
scuola propria. Lo spettacolo a cui ho assistito era una ripresa de La Sylphide nella versione di Pierre Lacotte che ha avuto un
inspiegabile successo in mezzo mondo (in Russia è stata rimontata anche al Mariinsky di
San Pietroburgo); dico inspiegabile dato che
si tratta di una coreografia inventata, quando
esiste una meravigliosa e autentica Sylphide,
quella di August Bournonville mantenuta in
vita dalla scuola danese. La versione di Lacotte
ha però il merito di offrire un lungo banco di
Erika Mikirticheva – Stanivslavsky Ballet: “La Sylphide”, c. Pierre Lacotte
prova a una compagnia accademica, impegnan(ph. O. Chernous)
dola in una serie interminabile di variazioni,
passi a due, ensembles... Nella serata a cui ho
assistito, i due protagonisti erano semplicemente ammirevoli, per tecnica, eleganza, musicalità e perfino senso dello stile (cosa rara in Russia,
fuori dal repertorio classico vero e proprio); i loro nomi, purtroppo ignoti in Europa, sono Erika Mikirticheva e Semyon Velichko. La compagnia, oggi diretta da Igor Zelensky (ex danzatore principale del Kirov-Mariinsky e poi del New York City Ballet), come ho detto rivela una
scuola di prim’ordine e un bell’insieme femminile che qui ha brillato ovviamente nell’atto “bianco”.
Alfio Agostini
pubblicazioni varie dei due settori. Tutto l’ambiente della danza italiana gli riconosceva equilibrio e serenità di giudizio e un’autentica passione
per il lavoro giornalistico, concepito davvero come
un servizio al lettore. Era nato a Novara 80 anni fa.
Addio a María de Ávila,
maestra dei maestri
Sevillano, Antonio Castilla e Arantxa
Argüelles, fino a Gonzalo García, oggi
principal al New York City Ballet. Furono
molti a chiedersi in che cosa consistesse il
María De Ávila (ph. C. Moncin)
La personalità più importante del balletto
classico in Spagna dell’ultimo secolo, maestra
di varie generazioni di danzatori e insegnanti
– María de Ávila – è morta nel febbraio scorso all’età di 93 anni. Dopo gli studi di danza
classica ma anche di “escuela bolera” (il balletto classico spagnolo dell’Ottocento), fu prima ballerina del Grand Teatro del Liceu di
Barcellona. Tuttavia abbandonò le scarpette
per dedicarsi al cómpito che le era destinato
e per il quale si colloca definitivamente nella
storia dell’arte spagnola: l’insegnamento. Dalla
sua scuola a Saragozza (che ancor oggi continua la sua attività, con la figlia, Lola de Ávila),
sono uscite le prime grandi generazioni di
danzatori spagnoli, molti dei quali destinati
a carriera internazionale: Víctor Ullate,
Carmen Roche, Ana Laguna, Nazaret
Panadero, María Jesús Guerrero, a cui seguì
un’altra brillante generazione con Trinidad
27
metodo di questa maestra che da sola e con
grande tenacia forgiava danzatori eccellenti.
María de Ávila fondò quindi, nel 1982, il
Ballet Clásico de Zaragoza (che fu poi chiuso), e, nel 1989, il Joven Ballet María de Ávila,
iniziativa privata che permise a tutta una nuova
generazione spagnola di emergere. Prima, dal
1983 al 1986, fu direttrice delle compagnie
statali spagnole, il Ballet Nacional de España
(sostituendo Antonio Ruiz Soler) e il Ballet
Nacional Clásico (al posto del suo allievo
Ullate), rifusi in un unico grande complesso.
I due rami della danza d’arte spagnola conobbero con lei uno dei momenti più fruttuosi
e migliori della loro storia. Ma in seguito a
un’opposizione feroce di un gruppo di
danzatori e sindacalisti, María de Ávila desistette e ritornò a Zaragoza per continuare
la sua missione didattica. María de Ávila era
riconosciuta mondialmente come una delle
grandi maestre del balletto della vecchia scuola
europea che riunisce in sé i metodi delle antiche scuole italiana, francese e russa. Oggi
esistono generazioni di “suoi nipoti”, per così
dire, formati dai suoi due allievi Ullate e
Roche, il cui marchio genetico continua a essere una limpidezza e una brillantezza classiche spinte fino al virtuosismo.
Roger Salas
BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS
Concorso Arabesque a Perm:
influssi pietroburghesi
Perm (nella Russia centrale) è nella storia
del balletto per essere la città di nascita di
Serge de Diaghilev ma soprattutto perché lì
si rifugiò il Balletto del Teatro Kirov di
Leningrado (oggi Mariinsky di San
Pietroburgo) durante la seconda guerra mondiale. Personalità come Galina Ulanova,
Natalia Dudinskaya e Konstantin Sergheyev
ebbero un’influenza determinante sulla scuola
di balletto di Perm, fondata proprio nel 1941,
e sulla sua compagnia (legate al Teatro dell’Opera intitolato a Ciaikovsky). E pare che
questa “filiazione” si sia mantenuta intatta
nei decenni, almeno a giudicare dai molti giovani danzatori formati a Perm che hanno partecipato al prestigioso concorso di balletto
della città. Col titolo “Arabesque”, il concorso
è stato fondato nel 1988, si tiene ogni due
anni nell’elegante cornice ottocentesca del Teatro dell’Opera, vanta la direzione artistica
del grande Vladimir Vassiliev e, dal 2012, è
intitolato a Ekaterina Maximova, che per anni
qui diresse con passione i lavori.
Inna Bilash (23 anni), Polina Buldakova (22,
un incanto di purezza classica) e Nikita
Ernest Latypov: “Le Talisman”
(ph. A. Zavjyalov)
Vladimir Vassiliev durante la cerimonia di consegna dei premi al Teatro dell’Opera di Perm
(ph. A. Zavjyalov)
Chetverikov (22) sono i danzatori della compagnia di Perm che sono saliti sul podio insieme ad altri Russi, Brasiliani, Giapponesi,
Statunitensi, per un concorso che prevede un
buon numero di premi in danaro. Del resto,
sotto l’egida di Vassiliev, una giuria di artisti della danza (tra cui Nina Ananiashvili e
Nikolai Boyarchikov), affiancata da una giuria di critici, ha selezionato per ben due settimane una quantità di danzatori, in variazioni
e passi a due del repertorio e in brani di danza
contemporanea (mentre una breve sezione era
dedicata a un concorso di coreografia). La serata
di gala finale, con i vincitori, ha ribadito l’al-
tissimo livello del concorso (soprattutto nella
sezione classica). Oltre ai nomi citati, da notare la brasiliana Amanda Gomes (18 anni),
per la sorprendente maturità scenica, Ernest
Latypov (22), nel corpo di ballo del Teatro
Mariinsky, ciò che si dice l’eleganza
pietroburghese, e Dmitry Prusakov (24), che
ha fatto furore con la sua tecnica virtuosistica.
Ma gli applausi più calorosi sono andati a
“Vladimir Victorovich” (come viene chiamato deferentemente Vassiliev, con il
patronimico), accolto da un’ovazione a ogni
singolo ingresso in sala.
Cristiano Merlo
Polina Buldakova, Oleg Kulikov: “Paquita” (ph. A. Zavjyalov)
28
29
IN COPERTINA
La triade del Royal Ballet
Christopher Wheeldon (41 anni), Wayne McGregor (44) e Liam Scarlett (28) sono i
tre “coreografi stabili” della compagnia del Covent Garden di Londra, e dunque,
nominalmente, formano la “triade” coreografica di punta del balletto inglese di
oggi. Ma sono artisti piuttosto diversi tra loro. In tre ritratti e qualche foto dei loro
interpreti, ecco un quadro della nuova danza al Royal Ballet (come sempre in più o
meno splendido isolamento dal resto dell’Europa)
Christopher Wheeldon, la coreografia
trans-atlantica
Quando fu annunciato che Kevin O’Hare era stato scelto come nuovo direttore del Royal Ballet di Londra, questi
non fu la sola persona a essere presentata alla stampa:
oltre a Wayne McGregor, che manteneva la sua carica
di “resident choreographer” (coreografo stabile), c’era
Christopher Wheeldon, nominato “artistic associate” (la
traduzione “artista associato” dice poco, in realtà è un
legame creativo speciale con la compagnia).
Wheeldon, che ha oggi 41 anni, diversamente da
McGregor, è un coreografo nato nella famiglia del Royal
Ballet: si è formato alla Royal Ballet School (è un coetaneo della ballerina Darcey Bussell, per esempio) ed
è poi entrato a far parte della compagnia nel 1991. Era
un buon danzatore: quello stesso anno vinse la medaglia d’oro al Prix de Lausanne, ma a indicare in che direzione sarebbe andato il suo futuro fu proprio in quell’occasione l’assolo in cui si esibì, da lui stesso
coreografato.
Il punto di svolta di Wheeldon arrivò con la decisione, dopo due anni passati a Londra, di accettare un
contratto con il New York City Ballet e di trasferirsi
dunque negli Stati Uniti. Da questa esperienza nasceva il suo specifico stile coreografico “trans-atlantico”,
una fusione genuina di lirismo inglese e dinamica americana. Dopo cinque anni come danzatore al NYCB, di
cui divenne solista, decise di concentrarsi sulla creazione, diventando il primo “resident choreographer” della
compagnia e firmando una serie di lavori con cui si fece
una notevole reputazione. Il suo Polyphonia del 2002
ha segnato un punto di arrivo del suo periodo americano; un lavoro di grande intelligenza e musicalità su
una partitura ostica di György Ligeti, chiaramente influenzato dalla sua esperienza al NYCB e dalle fisionomie
dei suoi colleghi danzatori, ma in cui si distingueva già
il suo tratto personale.
Tornò quindi al Royal Ballet per il quale creò Tryst,
che entusiasmò l’ambiente del balletto britannico, che
non vedeva l’ora che la maggiore compagnia del Paese
tornasse ad avere un coreografo stabile di spicco.
Wheeldon, tuttavia, era intenzionato a condurre una
carriera internazionale, più che a legarsi a una sola compagnia, e sviluppò una relazione con il San Francisco
Ballet, per il quale ha creato molti lavori, e con il Bolshoi
di Mosca (un’esperienza immortalata nel documentario
Strictly Bolshoi che ha vinto un Emmy Award, un premio prestigioso). In quello stesso anno, fondò
“Morphoses/The Wheeldon Company”, concepita come
una compagnia anglo-americana, ma che ha poi lasciato
nel 2010.
Christopher
Wheeldon
in prova
per “The
Winter’s
Tale”
Marianela Núñez,
Nehemiah Kish – The Royal
Ballet: “Aeternum”,
c. Christopher Wheeldon
(ph. J. Persson/ROH)
The Royal
Ballet:
“Tetractys
- The Art
of Fugue”,
c. Wayne
McGregor
(ph. J.
Persson)
è parso straordinario dal punto di vista visivo, ma meno
da quello della danza. Il suo ultimo lavoro, The Winter’s
Tale, sempre per il Royal Ballet, sembra aver trovato
una soluzione a questi problemi, grazie alla chiarezza
narrativa e a un ventaglio coreografico variegato e brillante.
Lo stile coreografico di Wheeldon è in evidente contrasto con quello di Wayne McGregor; è essenzialmente
lirico e, nei momenti migliori, possiede una bella forza
ritmica. Il coreografo ama i lifts elaborati e a volte il
movimento abbagliante e rapido di mani e braccia, ed è
abile nel mettere in scena un gran numero di danzatori
con chiarezza e sicurezza. La sua carriera ormai così
importante ha fatto sì che, prima della nomina di O’Hare,
si parlasse di lui come possibile direttore del Royal
Ballet.
Gerald Dowler
Wheeldon continua a creare balletti astratti (probabilmente il suo punto forte) ma si è sempre più spinto
verso lavori a serata intera, prima con le sue versioni
del Lago dei cigni (Pennsylvania Ballet) e della Bella
addormentata (Balletto Reale Danese), con un successo alterno, dovuto in parte alle complicazioni della drammaturgia, e poi con titoli suoi propri. Un percorso che
tendeva all’elaborazione di una componente scenica d’effetto (a volte ingombrante, come in DGV – danse à
grande vitesse e Electric Counterpoint per il Royal
Ballet) e che ha poi portato nel 2011 alla creazione di
Alice’s Adventures in Wonderland (ancora per il Royal
Ballet, che da vent’anni ormai non commissionava un
balletto lungo, su una storia): uno spettacolo che a molti
Wayne McGregor, il coreografo postcontemporaneo
Wayne McGregor (che ha oggi 44 anni) è diventato
“resident choreographer” del Royal Ballet nel 2006,
primo coreografo di danza contemporanea ad avere questo
titolo.
Niente studi classici veri e propri nella formazione
di questo autore di notorietà ormai diffusa nel mondo
intero. Wayne McGregor ha studiato al Bretton Hall
(West Yorkshire), un college di studi in musica, arti
visive e della scena, e alla scuola José Limón di New
York. McGregor, che da più di vent’anni è un nome di
punta della coreografia contemporanea con la sua compagnia Random, fondata nel 1992, ha però dimostrato
una bellissima capacità di usare al meglio quella padronanza formale ed estetica del movimento che i ballerini classici possono offrirgli. Ma, quel che più conta, McGregor è in grado, nel concepire le sue opere
per e su di loro, di uscire dai limiti delle tipologie di
movimento e di combinazioni coreografiche di derivazione classica per introdurre altre forme che vengono
da altri modi di pensare e di usare il corpo sulla scena.
Appartiene alla corrente post-classica in cui mettiamo di solito i compagni e i seguaci del capofila William
Forsythe? Non esattamente, e anche se il gioco di etichettare tutto con un “post-questo o un post-quello”
Wayne
McGregor
(ph. L.
Nylind)
32
Edward Watson, Alina
Cojocaru – The Royal Ballet:
“Chroma”,
c. Wayne McGregor
(ph. J. Persson)
33
James Hay,
Leanne
Cope, Steven
McRae,
Brian
Maloney –
The Royal
Ballet:
“Hansel and
Gretel”, c.
Liam Scarlett
(ph. D.
Morgan)
Liam Scarlett
(ph. D.
Azoulay)
su musica di Gabriel Yared, e Tetractys - The Art of
Fugue, la sua ultima creazione, sulla musica di Bach,
con l’apporto visuale di Tauba Auerbach, artista
californiana nota come decostruzionista dello spazio
(v. un video di lavoro su www.roh.org.uk, utile a comprendere il pensiero di questo coreografo che in modo
personalissimo supera la contrapposizione tra classico e attuale. Prova ne sia che si può vedere come la
ballerina russa Natalia Osipova, ora principal del Royal
Ballet, si trovi del tutto a suo agio nell’”indossare” le
linee di braccia e gambe allungate e poi ripiegate insolitamente e le distorsioni fuori asse proposte da
McGregor).
Talento proteiforme, McGregor ha firmato regia e
coreografia delle opere Dido and Aeneas e Acis and
Galatea (2009) – che esistono in DVD – per la Royal
Opera House. Questo Dido and Aeneas di Purcell, una
produzione raffinatissima con cantanti e danzatori, e
con proiezioni digitali, ha debuttato con successo nel
2006 alla Scala di Milano prima di approdare in Gran
Bretagna.
La fama di McGregor nel mondo è segnata dai suoi
lavori per il Balletto dell’Opéra di Parigi, il San
Francisco Ballet, il Balletto di Stoccarda, il New York
City Ballet, l’Australian Ballet, il Nederlands Dans
Theater e altre compagnie. E suoi lavori sono in
repertorio in altre ancora, come il Balletto del Bolshoi
di Mosca (per cui creerà prossimamente), quello
del Mariinsky di San Pietroburgo, il Balletto Reale
Danese a Copenhagen, il Boston Ballet e il Joffrey
Ballet negli Stati Uniti. E prepariamoci a seguirlo
ancora per molto tempo…
Elisa Guzzo Vaccarino
è ormai quasi imbarazzante, si può azzardare, specie
guardando al suo lavoro con il Royal Ballet, che
McGregor sia un coreografo “post-contemporaneo”. Ben
lontano dalla dilagante “non danza”, che di rado regala
brani originali e intelligenti, McGregor non viene mai
meno all’impiego della coreografia come mezzo e fine
artistico specifico, pur mantenendo il suo interesse per
le collaborazioni multidisciplinari che incrociano danza, film, musica, arte visiva, tecnologia e scienza. Per
lui si tratta semplicemente – se questo avverbio non
fosse riduttivo – di essere presente al suo e nostro tempo,
dove tutto ciò che è umano e artistico convive.
Le sue creazioni per il Royal Ballet comprendono
Symbiont(s) (2001), Qualia (2003), Engram (2005),
Chroma (2006) – disponibile in DVD con Infra (2008)
e Limen (2009) – Nimbus (2007), Live Fire Exercise
(2011), Ambar (2012), Metamorphosis: Titian 2012 e
Carbon Life (2012).
Estratti di Entity, Dyad 1909, Qualia, Limen si trovano in DVD in due documentari di Catherine
Maximoff, Going Somewhere e A Moment in Time.
Più recentemente ha creato Raven Girl
(2013), ispirato a un racconto della scrittrice Audrey
Niffeneger
Liam Scarlett, il giovane
Il balletto britannico continua accanitamente la sua ricerca di un nuovo grande
nome della coreografia che possa succedere a Frederick Ashton e a Kenneth
MacMillan. Ecco anche perché intorno
al giovane Liam Scarlett (che ha oggi 28
34
Johan Kobborg, Steven McRae
– The Royal Ballet: “
Sweet Violets”, c. Liam Scarlett
(ph. B. Cooper/ROH)
35
Sarah Lamb,
Johannes
Stepanek – The
Royal Ballet:
“Asphodel
Meadows”,
c. Liam
Scarlett (ph.
Johan Persson/
ROH)
anni) si è creato un tale interesse.
Scarlett è un prodotto della casa: dopo il diploma
alla Royal Ballet School, nel 2005 è entrato al Royal
Ballet (ha smesso di danzare nel 2012). Il suo impegno e il suo talento per la coreografia erano già evidenti ai tempi della scuola, e il suo lavoro era già oggetto
di attenzione ancor prima che si diplomasse.
Scarlett si colloca pienamente nella tradizione inglese e il suo stile coreografico pare particolarmente affine al genere narrativo, ma con disinvoltura e senso di
libertà. La musicalità naturale e sofisticata insieme che
dà senso e “giustezza” al suo lavoro è ciò che più si
apprezza di lui. È stato intelligente nella scelta delle
commissioni, e ha spesso lavorato su piccola scala, al
Linbury Theatre, il teatro più piccolo della Royal Opera
House, usando solo pochi danzatori. Ha sviluppato un
buon rapporto con il Ballet Black, una piccola compagnia di danzatori non bianchi di formazione classica, e
con i BalletBoyz, il gruppo di William Tuckett e Michael
Nunn formato da soli ragazzi. Questo gli ha permesso
di maturare come coreografo e di elaborare un suo stile
personale.
È salito alla ribalta con il suo primo lavoro importante, Asphodel Meadows nel 2011, che mostra una sicurezza non comune nell’uso
dello spazio con ben venti
danzatori. Il che gli è valso una
seconda commissione nel 2012,
Sweet Violets, centrato sul pittore Walter Sickert e sulla vicenda di Jack lo Squartatore. Il lavoro mostrava però una
drammaturgia confusa che toglieva alla danza, in cui si riconosceva una chiara influenza di
MacMillan, la voluta forza
dirompente. Ripreso in questa
stagione con delle modifiche, il
balletto dovrebbe poter rendere
più evidenti le sue qualità.
Come ogni coreografo di spicco dei nostri giorni, Scarlett ha
poi fatto esperienza anche fuori dalla sua compagnia: Asphodel
Meadows gli è valso un invito
da parte di Edward Villella per
il Miami City Ballet (Viscera nel
2012), seguito da una seconda
creazione, Euphotic (2013). Si è
così imposto a livello internazionale: per il New York City Ballet
all’inizio dell’anno ha creato il
raffinato Acheron; al suo Uccello
di fuoco per il Balletto Nazionale Norvegese seguirà un nuovo lavoro la prossima stagione,
e nuove richieste sono arrivate
intanto dall’American Ballet
Theatre, dal San Francisco Ballet
e dal Royal Ballet stesso che presenterà il prossimo novembre un
suo lavoro sulla Seconda Sinfonia di Leonard Bernstein (ispirata al poema barocco The Age
of Anxiety di W. H. Auden).
Nel 2012, il Royal Ballet aveva
già due coreografi della casa
(McGregor e Wheeldon), dopo
molti anni in cui ne aveva fatto
a meno; sembrava quindi che ci
fosse poco spazio per Scarlett,
e per questo si temeva una sua
partenza. Allora, la compagnia
lo ha nominato “artist in
residence”; ed è il più giovane
coreografo della triade. Certo bisognerà attendere il tramonto
della stella di McGregor perché
Scarlett possa diventare il coreografo principale della compagnia.
Gerald Dowler
36
37
•
recensioni
•
recensioni
ON
S TA G E
!
recensioni
•
recensioni
•
Alessio Carbone, Aurélie Dupont, Michaël Denard – Ballet de l’Opéra de Paris: “Miss Julie”, c. Birgit Cullberg (ph. A. Deniau)
Balletto dell’Opéra di Parigi
De Mille e Cullberg,
pioniere del balletto
psicologico
Fall River Legend – cor. Agnès de Mille, mus.
Morton Gould; Mademoiselle Julie – cor. Birgit
Cullberg, mus. Ture Ragstrom
Parigi, Palais Garnier
C’è più di un punto in comune tra Fall River
Legend e Miss Julie, i due balletti presentati
insieme in un recente programma del Balletto
dell’Opéra di Parigi. Oltre all’epoca della creazione – 1948 per il primo e 1950 per il secondo –, portano la firma di due donne della
stessa generazione, rispettivamente Agnès de
Mille e Birgit Cullberg, entrambe coscienti delle
problematiche del loro sesso. L’una ha lavorato negli Stati Uniti, in un Paese allora in cerca
d’identità, l’altra in Svezia dove l’espressionismo stava mettendo le sue radici, ma entrambe concepiscono la loro arte come un mezzo
per esprimere la loro visione del mondo, utilizzando per questo tanto il linguaggio del bal-
letto quanto quello della modernità dell’epoca, quello della modern dance americana di
Martha Graham per la de Mille, quello del
Tanztheater tedesco di Kurt Jooss per la
Cullberg.
Quando Agnès de Mille crea Fall River
Legend, ha già al suo attivo diversi balletti tra
cui Rodeo che gli apre le porte di Broadway,
dove si fa notare per la bellezza delle danze
di Oklahoma. Dal 1948, alterna alle messe in
scena di musicals balletti che crea principalmente per l’American Ballet Theatre. Come
appunto Fall River Legend.
Ispirato a un fatto di cronaca (una certa
Lizzie Borden accusata di aver ucciso il padre e la matrigna), in questo lavoro la de Mille dispiega la psicologia di una ragazza che può
liberarsi dell’oppressione solo tramite la violenza. La potenza che raggiunge l’assassina e
l’azione ristretta intorno a quattro personaggi – l’accusata, il fidanzato e le due vittime –
creano da subito l’atmosfera drammatica.
Nel cast della prima all’Opéra, Alice
Renavand (nominata di recente étoile) interpreta con molta determinazione il ruolo dell’accusata, che è per lei una sorta di piccolo
toro testardo che si scontra con gli ostacoli
senza saperli dominare. Accanto a lei, Vincent
Chaillet, perfetto nel Pastore innamorato ma
38
incapace di comprenderla, e Stéphanie
Romberg, formidabile nel ruolo della Matrigna odiosa, rendono ancora più pregnante la
solitudine della ragazza.
Negli stessi anni, Birgit Cullberg, già alla testa
di una sua compagnia, s’ispira al dramma di
August Strindberg, La signorina Giulia, per
mettere in scena le contraddizioni e il turbamento di una ragazza la cui educazione rigida
inibisce le pulsioni sessuali. Lo stesso soggetto
sarà trattato dieci anni dopo al cinema in modo
magistrale da Elia Kazan in Splendor in the
Grass (“Splendore nell’erba”).
Con Miss Julie, la Cullberg, come la de
Mille, realizza un balletto molto strutturato in cui l’azione drammatica, che si dispiega
in pochi quadri chiaramente delineati, cresce rapidamente fino alla conclusione fatale. La signorina Giulia è finemente interpretata
da Aurélie Dupont che sa far seguire al volto
altero del suo personaggio il senso di decadenza morale, una volta che si è concessa
al suo cameriere. Nicolas Le Riche è perfetto nel ruolo di Jean, al quale dà una brutalità, una vanità e un’arroganza che risultano molto efficaci. Quanto ad Alessio
Carbone, anche se solo nel ruolo del fidanzato
respinto di Giulia, ha brillato come sempre.
Sonia Schoonejans
Akram Khan Company
Aakash Odedra
La Sagra senza la Sagra
Tris d’assi per Odedra
iTMOi – cor. Akram Khan, mus. Nitin
Sawhney, Jocelyn Pook, Ben Frost
Reggio Emilia, Teatro Ariosto
Rising: Cut – cor. Russell Maliphant, mus.
Andy Cowton; Constellation – cor. Sidi Larbi
Cherkaoui, mus. Olga Wojciechowska; In the
Shadow of a Man – cor. Akram Khan, mus.
Jocelyn Pook
Torino, Teatro Astra
Roma, Auditorium Parco della Musica
Brescia, Teatro Grande
Chi si aspettava che il coreografo angloindiano Akram Khan, lavorando a una coreografia ispirata alla Sagra della primavera,
utilizzasse la musica di Igor Stravinsky, ne
individua giusto 30 secondi e si ritrova invece nelle orecchie composizioni nuove e fragorose di tre autori chiamati a entrare “in the
mind of Igor” (“nella mente di Igor”, questo
il senso del titolo in forma di acronimo:
iTMOi). Si tratta di Nitin Sawhney, angloindiano, collaboratore di lunga data di Khan,
di Jocelyn Pook, che ha collaborato con i DV8
e con la coreografa anglo-indiana Shobana
Jeyasingh, e dell’australiano-islandese Ben
Frost, esponente della musica elettronica
postclassica, che ha già collaborato con il coreografo di iTMOi ma anche con Wayne
McGregor. Una sorta di famiglia artistica, insomma, si è riunita per questa produzione
nata lo scorso anno nel centenario del lavoro
firmato da Vaslav Nijinsky per i Ballets
Russes di Diaghilev.
Niente russi-parigini per Khan, ma un cast
di danzatori multietnici per interpretare figure enigmatiche, germogliate nella fantasia
del coreografo quasi in contatto medianico con
memorie ancestrali da cui Stravinsky avrebbe potuto derivare il suo capolavoro. Un prete
in tonaca nera che urla, come posseduto, brandelli della storia biblica di Abramo che sarebbe pronto a sacrificare il figlio Isacco, un
ministro di qualche religione orientale, forse
slava, con lo zucchetto, una donna matura
con crinoline e cipria bianca e un seno nudo,
un fauno con lunghe corna aguzze, e infine
una fanciulla Eletta, sono al centro di un rituale di cui non conosciamo né le ragioni né
la religione da cui origina, ma avvertiamo la
forza eterna.
Distaccandosi dal cammino percorso finora, Akram Khan stupisce mettendo in scena, con spiritualità primordiale, violenza e tenerezza insieme nelle ridde del suo gruppetto
avvolto di fumo e di incenso. Se non è una
delle sue opere maggiori, per lo meno si tratta
di un lavoro coraggioso, impavidamente
anticonvenzionale di fronte a quel “monumento” della modernità che è stata ed è La sagra della primavera.
Elisa Guzzo Vaccarino
Palcoscenico Danza (la rassegna programmata da Paolo Mohovic a Torino) ha proposto una serata con un solista di prim’ordine,
l’anglo-indiano Aakash Odedra. Accanto a un
proprio brano, Nritta, in stile Kathak classico, il danzatore ha interpretato tre brani creati per lui e su di lui da tre autori noti: Akram
Khan, pure anglo-indiano, già partner in Zero
Degrees di Sidi Larbi Cherkaoui, anche lui coinvolto in questa serata a più firme, e infine un
coreografo di rango nel panorama britannico,
Russell Maliphant, favorito anche dai
BalletBoyz e da Sylvie Guillem, il quale si colloca sul crinale tra danza contemporanea e arti
marziali orientali. Un clan di artisti sintonici,
nel senso più positivo del termine clan.
Odedra è un danzatore sorprendente, sottile come una canna di bambù, incredibilmente veloce nei giri del Kathak, danza tradizionale indiana (il virtuosismo delle sue
percussioni sul suolo a piedi nudi conferma
le ipotesi di chi sostiene che il flamenco deve
qualcosa all’India).
Cut, ispirato ai tagli repentini di movimento del Kathak, Maliphant lo ha tradotto anzitutto in tagli di luce disegnati da Michael
Hulls, suo abituale collaboratore, giocando poi
con la stupefacente agilità motoria delle membra
di Odedra, evidenziate da coni e strisce di luce
bianca nel buio.
Akram Khan Company:
“iTMOi”
(ph. J. L. Fernandez)
39
Aakash Odedra nel suo recital “Rising”
(ph. C. Nash)
In the Shadow of a Man di Khan indaga nel
movimento degli animali che sta alla base dei
ritmi e delle forme della danza indiana tradizionale, come se l’uomo fosse l’ombra residuale
di questa qualità naturale profonda del movimento. La circolarità domina a tutti i livelli,
nel corpo e nelle campiture luminose della scena.
Constellation di Cherkaoui è punteggiato di
lampade ondeggianti, come se la danza, in bianco, vivesse in un campo magnetico
gravitazionale determinato dagli astri. Il tempo è sospeso, stellare, colmo di spiritualità.
La stessa spiritualità che anima tutta la performance di Odedra, definito molto appropriatamente come “la stella nascente della danza
britannica dell’Asia del sud”.
Elisa Guzzo Vaccarino
Balletto dell’Opera di Bordeaux
Ballet de Lorraine
Un Soffio di Carlson
Relâche, il ritorno
Pneuma – cor. Carolyn Carlson, mus. Gavin
Bryars, Philip Jeck
Bordeaux, Opéra
Corps de ballet – cor. Noé Soulier, arr. mus.
Jacques Gandard; Sounddance – cor. Merce
Cunningham, mus. David Tudor; Relâche – cor.
Peter Jacobsson da Jean Borlin, concezione
Francis Picabia, mus. Erik Satie, film René Clair
Nancy, Opéra National de Lorraine
Carolyn Carlson, 71 anni e mai a corto
d’immagini, è decisamente una collezionista
di sogni. Infatti, Pneuma – il suo ultimo lavoro, creato per il Balletto dell’Opera di
Bordeaux – incanta, più che per la ripetitività
dei gesti, per le immagini oniriche di grande
bellezza come solo la Carlson, da degna erede
del regista americano Bob Wilson, può immaginare e mettere in scena.
A partire dal libro L’Air et les songes
(“L’aria e i sogni”) del filosofo Gaston
Bachelard, la coreografa ha creato Pneuma
(“Soffio”, in greco), per il quale si è avvalsa
della collaborazione di Gavin Bryars, la cui
musica (appositamente composta) lascia libera la magia della danza di esprimersi. La
Carlson attinge ampiamente a un vasto repertorio di gesti quotidiani che poi stilizza
in un modo unico, a partire dal suo fisico
longilineo, così speciale. Gli spostamenti paiono ventate, l’aria soffia ovunque in scena, sui campi di grano e sull’erba della
scenografia, s’insinua sotto i
costumi volteggianti e nelle
lunghe chiome dei danzatori.
Un drappello di ragazze gira
come dervisci, con i lunghi capelli sciolti che sembrano
spazzare lo spazio, mentre
sullo sfondo una figura alata
– forse un angelo? – attraversa la scena lentamente.
Le luci di Rémi Nicolas, ricercate come quelle di uno
spettacolo di Wilson, modellano uno spazio quasi irreale, nel quale i danzatori, che
sembrano provare un piacere reale, si muovono come creature immateriali.
Con Pneuma, C a r o l y n
Carlson firma un’opera luminosa, densa di una forza serena, che ricorda Signes, il suo
bellissimo lavoro creato in
collaborazione con il pittore
Olivier Debré per il Balletto
dell’Opéra di Parigi.
Sonia Schoonejans
Nel marzo scorso il Ballet de Lorraine, diretto da Peter Jacobsson, ha presentato un trittico.
Il giovane coreografo Noé Soulier (27 anni)
che, con Corps de ballet, firma una creazione, intende «deviare l’eredità del vocabolario
classico dalla sua funzione iniziale». Questa
spiegazione nel programma a proposito del suo
lavoro lascia perplessi. Quale sarebbe dunque
questa “funzione iniziale” di un vocabolario
e di una tecnica che non hanno smesso di
evolvere nell’arco di alcuni secoli e su diversi
continenti, passando dalla danza di corte alla
danza “astratta” balanchiniana, dopo essere
stata romantica e accademica, e prima di venire decostruita, in particolare da William
Forsythe? Ecco che Noé Soulier, che conosce
certamente i classici del balletto ma con qualche lacuna, arriva un po’ in ritardo per la sua
Ballet de l’Opéra de
Bordeaux: “Pneuma”,
c. Carolyn Carlson
(ph. S. Colomyes)
40
impresa di “deviazione”, e davanti al brio di
un Forsythe o all’ironia di un Jérôme Bel,
Corps de ballet resta educatamente scolastico. Ma anche il piccolo Soulier diventerà grande,
in ogni caso, lo speriamo per lui.
Sounddance, il secondo lavoro della serata,
entrato ora in repertorio a Nancy, fu creato
da Merce Cunningham nel 1975, di ritorno a
New York dopo aver passato circa sei settimane con i danzatori dell’Opéra di Parigi per
la creazione di Un Jour ou deux. Probabilmente
felice di ritrovare la sua compagnia e il suo
luogo di lavoro, creò un pezzo dinamico, esuberante, con un grande sipario dorato – immaginato da Mark Lancaster – che, proiettando
e poi inghiottendo i danzatori, ha un vero ruolo
nella coreografia. I danzatori del Ballet de
Lorraine affrontano il lavoro con una bella energia ma non riescono a nascondere le difficoltà
tecniche della coreografia, che dimenticavamo
quando erano gli artisti della Merce
Cunningham Dance Company a interpretarlo.
Infine ecco Relâche, prima ricostruzione
dopo la creazione per i Ballets Suédois nel
1924. Balletto storico concepito perlopiù da
un duo di burloni e provocatori, Francis Picabia
e Erik Satie, dopo che il poeta Blaise Cendrars
ne aveva suggerito l’idea. Picabia lo definisce
così: «Relâche è la vita, la vita che mi piace… è il movimento senza un fine, né in avanti,
né indietro, né a destra né a manca…». Si tratta
infatti di una sequenza di “eventi” senza legame tra di loro, simili a quello che facevano i
futuristi in quegli stessi anni:
nessun filo conduttore, nessun
inizio e nessuna fine, un po’
come la musica di Satie (riusciamo così a intendere meglio il rapporto tra Satie e John Cage).
Ma al di là di questo partito
preso dell’assenza di logica, ciò
che fa di Relâche un’opera pioniera è l’inserimento, a metà del
lavoro, di un intermezzo cinematografico, Entracte, che lanciò il giovane regista René Clair.
(Diaghilev riprese l’idea quattro
anni più tardi con Ode, un balletto di George Balanchine). Alcune immagini del film servono
anche da prologo allo spettacolo: vediamo Picabia e Satie sui
tetti di Parigi che scrutano il pubblico da un cannone che corrisponde con l’inizio dello spettacolo: il sipario si apre su un
fondale ricoperto da centinaia di
cerchi metallici illuminati, come
i fari di un’auto. Seguono alcune scenette nelle quali la danza
ha ben poco spazio ma non importa, perché lo spirito autoderisorio del dadaista Picabia dà
il meglio di sé. Dobbiamo riconoscere a Peter Jacobsson il merito di questa “ricostruzione”
magistrale.
Sonia Schoonejans
Ballet de Lorraine:
“Relâche”,
c. Petter Jacobsson
dall’originale di Jean
Börlin
(ph. L. Philippe)
Les Ballets
Suédois:
“Relâche”,
c. Jean Börlin,
1924
Centre Chorégraphique National
de Nantes
La danza primordiale di
Brumachon
D’Indicibles Violences – cor. Claude
Brumachon, mus. Christophe Zurfluh
Torino-Collegno, Lavanderia a Vapore
D’Indicibles Violences è l’ultima creazione
(presentata nel 2013) del coreografo francese Claude Brumachon (55 anni), direttore del Centre Chorégraphique National
de Nantes.
Otto uomini in canottiere, magliette e
boxer si esibiscono mostrando il volto di una
maschilità forte, irrefrenabile, carica di
testosterone. È la violenza indicibile del titolo, quella primordiale, pre-cosciente, declinata su un sonoro che pulsa e batte
ossessivo. Ma perché indicibile? Perché è
quella animale, cruda, di cui la natura ha dotato
gli esseri umani e che la cultura cerca di frenare. Qui si vorrebbe tornare invece a uno
stato pre-culturale, pre-intellettuale, dove domina la forza dei desideri, la volontà di potenza, la pulsione dell’orgoglio virile tra slanci
e blocchi, in gruppo e in solo.
Non è uno spettacolo per educande que-
sto primo capitolo di un trittico di creazioni che si intitola intenzionalmente Trilogie
de chair (“Trilogia di carne”): un’ora di inseguimenti, attrazioni e repulsioni, sopraffazioni
e pause prima di ricominciare il ciclo dei corpi in calore. Scene insomma da spogliatoio di
qualche collegio o bagno turco o campo sportivo, visti da dietro le quinte, nella zona di
solito nascosta agli occhi del pubblico.
Ci vuole una grande tenuta fisica ed emotiva per danzare tutto questo senza ombra di
volgarità né di morbosità. Onore quindi agli
interpreti, unitissimi nel dar vita a queste “violenze indicibili” ma anche molto personali nella
corporeità e nelle sfumature caratteriali. Tra
di loro Benjamin Lamarche, condirettore della
compagnia dal 1992 e in grado di dare il la
all’azione collettiva con un’incisività che
spicca e contagia.
Elisa Guzzo Vaccarino
Centre Chorégraphique de Nantes: “D’indicibles violences”, c. Claude Brumachon (ph. L. Philippe)
41
Daria Liakisheva, Oleg Fomin – Natalia Stats Teatr: “Le Coq d’or”, c. Gali Abaidulov (ph. E. Lapina)
Teatro Natalia Stats, Mosca
Il Gallo canta e danza
Le Coq d’or – cor. Gali Abaidulov, mus.
Nikolai Rimsky-Korsakov
Mosca, Teatro Natalia Sats
Con il suo gruppo delle “Saisons Russes
du XXIème Siècle”, Andris Liepa si è dato
come missione quella di riportare in scena i
titoli gloriosi dell’era Diaghilev, una missione, a dire il vero, oscillante tra alti e bassi,
con riprese dignitose accanto a “rifacimenti”
di dubbio gusto.
Le Coq d’or, il suo ultimo progetto, può
però essere salutato come un vero successo.
Per realizzarlo e riportare alla luce quest’opéraballet così come lo aveva concepito Diaghilev,
Liepa ha unito le sue forze a quelle del Teatro Natalia Sats di Mosca (un complesso ammirevole che si propone di far scoprire ai giovanissimi tanto il balletto quanto l’opera).
Infatti, Le Coq d’or non era una novità quando l’impresario russo lo presentò al pubblico
parigino nel 1914: Nikolai Rimsky-Korsakov,
ispirandosi a un racconto di Alexandr Pushkin,
lo aveva composto nel 1908 come una satira
amara sull’inettitudine dello Zar e dei suoi ge-
nerali durante l’infausta guerra russo-giapponese del 1905, ma la censura ne proibì la rappresentazione. L’elemento satirico fu smorzato ai tempi dell’ultimo rifacimento di
Diaghilev e il lavoro fu presentato come una
vicenda comica esotica con la coreografia di
Michel Fokine. Poi non fu più ripreso nella
forma dell’opéra-ballet; infatti, per le versioni successive, Fokine lo rilavorò in un balletto breve eliminando i cantanti solisti e il coro.
Recentemente, Alexei Ratmansky ha creato una sua ottima versione, per il Balletto Reale
Danese, sempre senza canto; quindi quella di
Liepa, che ha risuscitato un lavoro generalmente
noto solo tramite i libri di storia, è un’operazione davvero interessante. Non solo interessante ma anche di vero valore teatrale. Le scene
e i costumi di Natalia Gontcharova sono stati
ricreati fedelmente in tutto il loro glorioso sfarzo
naïf e le sonorità sontuose di Rimsky-Korsakov
sono state abilmente restituite dall’orchestra
del teatro. Determinante è stato il fatto che i
cantanti fossero vocalmente magnifici e pienamente coinvolti nell’azione scenica, sul lato
del palco che era loro riservato.
Molto poco della coreografia originale di
Fokine è sopravvissuto (in un film dell’ultima versione), così Liepa ha intelligentemente
affidato a Gali Abaidulov una nuova coreografia, che è una sorta di “omaggio” al coreografo russo, con passi e gruppi mutuati dai
42
suoi lavori noti. Non ne risulta tuttavia un
pastiche e il lavoro rende bene lo spirito del
racconto comico illustrato di Pushkin,
focalizzandosi principalmente sui gesti
pantomimici. Il cambiamento maggiore consiste nell’aver fatto del gallo protagonista un
uomo, cosa che si spiega perfettamente vista
la presenza di Pavel Okunev, infaticabile solista che salta con un’energia inesauribile. Tra
i danzatori è evidente il senso della “compagnia”, la quale affronta la scena con grande impegno e che incornicia al meglio questo strano ma incantevole lavoro a metà tra opera e
balletto.
Gerald Dowler
Balletto di Shanghai
Bertrand d’At alla cinese
La ragazza dai capelli bianchi – cor. Rongrong
Hu, Aidi Fu, Daihui Cheng, Yangyang Lin, mus.
Jinxuan Yan, Benhong Chen, Hongxiang Zhang;
A Sign of Love – cor. Bertrand d’At, mus. varie
Parigi, Palais des Sports
Il Balletto di Shanghai, che non si vedeva a
Parigi da 28 anni, ha mostrato la varietà del
suo repertorio e l’eclettismo dei suoi danzatori
43
Shanghai Ballet: “La ragazza dai capelli bianchi” (ph. L. Chen)
con un doppio programma, La ragazza dai
capelli bianchi, un balletto epico e classico, e
A Sign of Love, un lavoro firmato dal coreografo francese Bertrand d’At in cui si fondono jazz, musical e passi a due classici.
La ragazza dai capelli bianchi, balletto storico della compagnia, coreografato da diversi
autori, è stato creato all’epoca della Rivoluzione Culturale iniziata da Mao Tse-Tung
(1964).
S’ispira a un famoso racconto cinese ma,
per esaltare i nuovi valori popolari, le principesse e le creature sovrannaturali del racconto lasciano il posto a dei contadini maltrattati
da ricchi despoti prima di essere salvati dai
giovani rivoluzionari dell’esercito popolare.
Danze tradizionali e balletto classico si fondono per celebrare il coraggio e la determinazione della generazione maoista. Con Il distaccamento femminile rosso, La ragazza dai
capelli bianchi è uno dei balletti classici della
Cina rivoluzionaria.
A Sign of Love è stato creato
per il Balletto di Shanghai nel 2006
da Bertrand d’At (ex-direttore del
Ballet du Rhin), con scene e costumi di Jérôme Kaplan. Tratta
dello stesso tema che il regista
Wong Kar-wai affronta nel film In
the Mood for Love (2000): una
passione totale ma senza speranza tra due innamorati pieni di scrupoli che non vivranno mai il loro
amore.
Gli incontri tra i due protagonisti, la signora Wang e il signor
Li, durante alcune serate danzanti e nei cabarets di Shanghai degli
anni 30, danno il destro al coreografo per realizzare numeri da
music-hall degni di Broadway. È divertente vedere i danzatori del Balletto di Shanghai, tutti
formati alla tecnica classica d’epoca sovietica
– il balletto classico cinese risale ai tempi dell’amicizia sino-sovietica –, lanciarsi con piacere in danze jazz e nel charleston conditi con
numeri di virtuosismo circense – l’acrobazia
continua a far parte della formazione del
danzatore cinese. Alcuni momenti lirici tra gli
innamorati pudichi contrastano con la brulicante atmosfera della città spensierata e festosa alla vigilia del conflitto sino-giapponese. Il balletto si conclude al suono dei primi
bombardamenti che separano la signora Wang
e il signor Li.
Al di là del valore estetico, è interessante
notare che questi due balletti evocano entrambi
l’occupazione della Cina da parte del Giappone, mentre la relazione tra i due Paesi conosce oggi una nuova tensione.
Sonia Schoonejans
Shanghai Ballet: “A Sign of
Love”, c. Bertrand d’At
(ph. L. Chen)
44
Ballett des Saarländischen
Staatstheater
Anastasia risuscita
Anastasia – cor. Kenneth MacMillan, mus.
Bohuslav Martinu; Shadows – cor. Marguerite
Donlon, mus. Claas Willeke, Sam Auinger
Saarbrücken (Germania), Saarländisches
Staatstheater
Dopo vent’anni, la coreografa irlandese
Marguerite Donlon (48 anni) ha lasciato la direzione del Balletto del Teatro Nazionale di
Saarbrücken in Germania; si prevede che la
compagnia tedesca passerà attraverso cambiamenti importanti sotto la nuova direzione del
coreografo belga Stijn Celis (50 anni), ma per
il suo ultimo programma la Donlon ha scelto
di riprendere la versione originale in
un atto di Anastasia di Kenneth
MacMillan (in seguito, infatti, fu anche presentato in tre atti, ndr).
È vero che ci sono balletti di
MacMillan noti in tutto il mondo e
che dozzine di compagnie danzano
oggi i suoi lavori; tuttavia, uno sguardo
attento sulle programmazioni mostra
che sono soprattutto due successi da
botteghino, Romeo e Giulietta e
Manon, ad avere la meglio, scelte sicure per riempire i teatri sera dopo
sera. Ma di MacMillan c’è molto di
più di questi due balletti a serata intera, e dato che anche il Royal Ballet
di Londra non sembra disposto a programmare l’intero ventaglio di suoi
balletti, ogni rappresentazione di lavori meno noti del coreografo scozzese dev’essere accolta con favore.
Creato a Berlino nel 1967 per la
grande “danzattrice” Lynn Seymour,
Anastasia meritava davvero di essere rimesso in scena. Il ruolo
protagonistico mette ancor oggi alla prova qualunque ballerina, e a Laura Halm vanno i complimenti per l’evidente capacità di progredire
nella parte man mano che il balletto avanza,
offrendo una prestazione d’intensità sempre
maggiore. La concezione di MacMillan continua a mostrare la sua forza straordinaria, nella narrazione frammentaria che alterna realtà,
ricordi e immaginazione, intanto che Anna
Anderson, confinata in un ospedale dopo aver
tentato il suicidio, cerca di dare un ordine alla
confusione dei suoi pensieri.
La famiglia imperiale russa, Rasputin, la Rivoluzione Bolscevica e la fuga dalla Russia affollano la scena e la sua mente finché non emerge la convinzione di essere davvero Anastasia,
la figlia più giovane dello Zar Nicola II, sopravvissuta al massacro, in una scena finale
ad effetto, con lei in piedi sul letto d’ospeda-
le che gira per tutto il palcoscenico.
La compagnia non è abituata allo stile coreografico di MacMillan ma ha lavorato duramente per affrontare questo balletto molto
esigente, ottenendo, con prove meticolose, un
ottimo risultato. Con scene e costumi ricreati
fedelmente (su quelli di Bob Crowley della
produzione del 1996) e un’eccellente prova
dell’orchestra impegnata nella frastagliata Sesta Sinfonia di Bohuslav Martinu, Anastasia
è stato un’ottima aggiunta al repertorio della
compagnia – anche se non sappiamo se sarà
ripreso sotto la nuova direzione.
Marguerite Donlon ha proposto con
Anastasia il suo Shadows, un accostamento
intrigante; entrambi i lavoro infatti sono centrati sulla ricerca dell’identità: se il primo rintraccia il percorso della Anderson dal tentato
suicidio alla coscienza di sé, il secondo rac-
Laura Halm – Balletto di Saarbrücken: “Anastasia”, c. Kenneth MacMillan (ph. B. Stöß)
conta di tre artisti suicidi, la drammaturga Sarah
Kane, il musicista Kurt Cobain e la scrittrice
Virginia Woolf.
I momenti migliori sono all’inizio, con i tre
protagonisti in bianco impegnati in ipnotici movimenti snodati, e alla fine, quando vengono
raggiunti dai loro doppi in nero che li accompagnano e che restano poi in scena sotto una
cascata di petali rossi mentre i tre artisti ascendono verso delle teche trasparenti preservando per sempre la loro fama. Purtroppo l’intensità tanto del movimento quanto delle
immagini viene meno nella parte centrale in
cui quattordici “ombre” (quelle del titolo) si
agitano a lungo in scena con ben poco effetto.
Gerald Dowler
Sasha Waltz and Guests
La danza duetta con la
musica
Métamorphoses – cor. Sasha Waltz, mus. Ruth
Wiesenfeld, Iannis Xenakis, Goerg Friedrich
Haas, György Ligeti
Ferrara, Teatro Comunale
Un programma di prim’ordine ha affollato il Teatro Comunale di Ferrara, con tanto
pubblico richiamato sia dall’amore per la danza, con la compagnia berlinese di Sasha Waltz,
sia dall’amore per la musica, con la
titolatissima Mahler Chamber Orchestra (fondata da Claudio Abbado). “Sei miniature per
16 danzatori e 15 musicisti” recitava la locandina associando strettamente brani di musica colta e di danza colta.
Se qualcuno prestava ancora fede alla definizione di Sasha Waltz come “nuova Pina
Bausch”, Métamorphoses è la prova definitiva che nega recisamente questa definizione
banale, dovuta alla formazione in area tedesca e poi agli studi negli USA, dove entrambe, la Bausch e la Waltz, hanno fatto parte
di gruppi contemporanei ispiratori, fertili per
la loro successiva carriera.
La Waltz è senz’altro, invece, platealmente
erede della scuola di danza moderna centroeuropea, e non solo per essere stata allieva
di un’allieva di Mary Wigman, ma per l’uso
di una gestualità austera, geometrica,
architettonica, espressiva in sé e per sé.
I costumi della serata, tra bianco e nero,
più qualche tocco di colore dal blu al porpora, sono lineari, sofisticati nella purezza delle forme; le luci sono altrettanto pulite e il
dialogo con la musica si basa proprio su questa consonanza di sentimenti depurati che
offrono allo spettatore emozioni intellettuali, salvo qualche azione che suggerisce qua e
là piccole narrazioni.
In un brano come Open Spaces für 12 il
suono circonda la platea, posizionando i musicisti intorno al pubblico. Il direttore Titus
Engel dà impulso ai suoi orchestrali con braccia che non stonano affatto nella coreografia. I danzatori in scena disegnano scale di
45
Il ballo dei direttori II
Continua, dallo scorso numero, il
discorso di Elisa G. Vaccarino sulla
situazione delle compagnie di
balletto dei maggiori teatri italiani.
La prima novità arriva da Firenze.
Sasha Waltz and Guests:
“Metamorphoses”, c. Sasha Waltz
(ph. S. Bolesch)
movimento scomponendo e ricomponendo il
gruppo, in modi che rimandano immediatamente alle immagini dei lavori più innovativi
in area russo-tedesca degli anni ‘20-‘30. Senza
concessioni a nulla che solletichi il divertimento facile (salvo il momento di leggerezza
in cui i danzatori portano via i leggii ai musicisti, obbligati a seguirne le traiettorie per
continuare l’esecuzione), la serata scorre con
un rigore impeccabile, compresa
un’improvvisazione vigorosa della
percussionista Robyn Schulkowsky.
Métamorphoses è una rielaborazione di uno
dei Dialogue tra danza e architettura a cui
da tempo si dedica volentieri la Waltz, ideato nel 2009 per l’inaugurazione del Neues
Museum berlinese disegnato da David
Chipperfield. Il lavoro inanella un duetto femminile (su Hautfelder di Ruth Wiesenfeld),
un settetto ancora per le donne, in nero lungo (sul percussivo Rebond Part B di Xenakis)
e una battaglia di coppia su Streichquartett
n 2 di Goerg Friedrich Haas; seguono un quintetto per maschi e femmine, forti al punto
da sollevare i compagni, con danzatori dalle
fisicità più diverse, su Streichquartett n 1 di
Ligeti, e, per finire, Aurora per 12 archi che
Sasha Waltz traduce in un duo uomo-donna
per interpreti orientali che si muovono magnificamente tra lirismo e arte marziale.
Grande qualità, grande serietà, e grande stima
per un “pensiero teatrale” senza cedimenti
di una coreografa del tutto moderna, in senso storico, che vive con naturalezza la sintonia
con una musica pure moderna, spesso ostica al pubblico, ma non a quello esperto di
Ferrara Musica, che ha goduto di una relazione privilegiata con il suo rimpianto presidente onorario Claudio Abbado.
Elisa Guzzo Vaccarino
«Maggio Danza è stato salvato, affidando
i danzatori a una società esterna, la Mag.da,
che assicura 30 rappresentazioni l’anno, avendo
inoltre una sua attività, per la quale usufruirà
dei 18 danzatori finora in forza alla compagnia. E Davide Bombana, milanese di carriera
internazionale, di ritorno a Firenze, è il nuovo direttore di Maggio Danza».
Sono le dichiarazioni del commissario straordinario dell’ente Opera di Firenze – nuovo nome
e nuova sede – Francesco Bianchi. A integrare
la nuova compagnia vi saranno degli aggiunti, tra
cui alcuni allievi della Scuola del Balletto di Toscana e del Centro di Danza Hightower di
Cannes. Ad amministrare Mag.da sarà Andrea
Andy Canavesio, manager musicale tra l’altro
dei Liftiba, di Zucchero, di Renato Zero, della
Berté. Avremo un balletto fiorentino sulla loro
musica? Se il Balletto della Scala ha danzato Vasco
Rossi, l’Aterballetto Ligabue, il Balletto di Roma
Lucio Dalla... Purtroppo.
Dopo il gala per inaugurare l’Opera di Firenze, in cui Maggio Danza presenta un lavoro sulla Valse di Ravel (diretta da Zubin
Mehta) e dopo una performance allo stadio
di calcio cittadino con la squadra della Fiorentina, in giugno al Teatro della Pergola si presenterà per sole tre – dicasi tre – recite Carmen,
balletto di Bombana dato all’Opera di Vienna,
al Ballet du Capitole di Tolosa e al National
Ballet of Canada. Sono poi annunciate collaborazioni coi coreografi Francesco Nappa,
Marco Goecke e Angelin Preljocaj. Insomma,
la città del super Sindaco-premier non poteva mancare l’appuntamento con l’innovazione liberal, evitando la rottamazione.
A Napoli fervono le manovre per la successione della direttrice uscente, Alessandra
Panzavolta:
saltata
un’ipotesi
FrancescoVentriglia, la rosa di aspiranti è quanto mai varia e agguerrita. Vincerà il/la migliore? E per fare che cosa?
A Palermo – dove sono rimasti 6 ballerini
stabili in carica – si è consumata la rottura tra
il Teatro Massimo e Luciano Cannito, accusato di assenteismo a favore della tv, con l’annullamento del suo Romeo e Giulietta: chi si
presenta all’orizzonte? Nel mentre sono tornati in scena Lo schiaccianoci e Carmen di
Amedeo Amodio… Chissà?
Al Carlo Felice di Genova, che scarseggia
pericolosamene di risorse e ha lasciato cadere
da molti anni l’eredità del glorioso Festival di
Nervi puntando su compagnie invitate, comprese le folkloriche e quelle sul ghiaccio, è in
corso un “esperimento di buona volontà”. Tra
le sue mura opera DEOS, ovvero Danse
Ensemble Opera Studio, un gruppo di 15
danzatori molto attivo su più fronti con un
46
coreografo responsabile, Giovanni Di Cicco,
affermatosi in quella che fu definita area della
“nuova danza”. Il modello anni ‘80 del Teatro Danza La Fenice di Carolyn Carlson ha
fatto scuola. Una specie di “newco” indipendente, di stampo contemporaneo, ospite del
teatro, come a Firenze?
La Scala di Milano, il teatro-faro nazionale
dove la compagnia di balletto è in mano – solidamente, si direbbe – a Makhar Vaziev, uomo
prudente e di provata competenza, oltre
all’annoso problema del numero di recite da
incrementare, soffre di alcune anomalie strutturali: scollegamento tra scuola e compagnia
(cosa impensabile in Russia o in Francia); mancata trasmissione di un repertorio da parte dei
“grandi pensionati” (Carla Fracci, Luciana
Savignano, Liliana Cosi se ne vanno per i fatti loro) e di uno stile della casa. Di recente
Alexei Ratmansky, invitato per una creazione, si sforzava di individuare nei danzatori una
traccia di italianità, di matrice Blasis e Cecchetti;
e ancora, promozioni per merito – benissimo
– ma non per concorso con adeguati scaloni
di paga conseguenti, come all’Opéra di Parigi. Le recenti nomine sono un’eccezione: con
un concorso infatti sono passati solisti Vittoria Valerio, Virna Toppi e Federico Fresi,
mentre Nicoletta Manni, formata alla scuola della
Scala, è ora prima ballerina.
Le étoiles maschili, Roberto Bolle e Massimo Murru, nominati all’epoca della prima direzione di Elisabetta Terabust, sono “ospiti”
alla Scala. Niente donne principali – mancano
oggettivamente – e quindi si ricorre a stelle soprattutto russe. Se mai si pensasse a una successione a Vaziev, Bolle non fa mistero di guardare al posto di direttore e Alessandra Ferri,
ex responsabile della danza al Festival di Spoleto,
potrebbe essere un’altra candidata.
Gli stessi problemi di Milano, quanto a tradizione, repertorio e stile, sia pure con meno
smalto ed evidenza, li troviamo nei teatri di
Roma e Napoli, pure dotati di scuole scarsamente comunicanti con le compagnie. Ma da
decenni vige la regola del “divide et impera”
facendo in modo che, nel gioco delle sedie,
ognuno dei più o meno soliti papabili trovi
posto e il balletto sia “coperto” per gestire
alla meno peggio quest’eterna fonte di fastidio in teatri votati all’opera e alla musica, ben
più urgenti e importanti.
Non ci si lamenti allora se i giovani più seri,
o i ballerini in carriera più dotati e meritevoli,
vanno a lavorare all’estero. I guai cominciano
quando decidono di ritornare nel loro Bel Paese, dove le cose sono ferme o in “falso movimento”, casuali, opache. Perché?
Perché così è l’Italia e perché nessuno, nel
mondo della Cultura con la lettera maiuscola
prende sul serio la danza. Ci pensino bene i
dirigenti e i ballerini. E i sindacalisti. C’è di
che cambiare rotta, e al più presto, per mettere al centro dell’arte della danza coerenza e
onestà. La produttività consegue, il pubblico
anche. E altrimenti, si vivacchia, si inventano
formule “moderne” di pura sussistenza o si
chiude(rà), sprecando intanto denaro, poco o
tanto che sia, talento e storia.
Elisa Guzzo Vaccarino
47
B a l l e t Tu b e
Anche stavolta, cerchiamo su YouTube diversi video dello stesso brano coreografico danzato da diversi interpreti.
Cristiano Merlo li mette qui a confronto, invitando il lettore a verificare. I video in questione si trovano sul
canale YouTube: magazineBALLET2000
Maya Plissetskaya:
“La Mort du cygne”,
c. Michel Fokine
ipnotico. Quelle che potrebbero essere considerate di per sé braccia troppo lunghe servono qui perfettamente al caso, nel tratteggio ora
fluido ora spezzato del suo port de bras. Ma
senza mai essere pedissequa rappresentazione delle ali del cigno e senza mai rendere l’agonia
in un modo convenzionalmente teatrale. Tutto in lei è interiorizzato e trasfigurato in pura
poesia. Con quel tocco di vaghezza mistica,
tipicamente suo.
Il “navigatore” si concederà infine anche una
risata, con il cigno spiumato dei Ballets
Trockadero de Montecarlo (la compagnia americana di uomini en travesti). Una parodia, in
bilico tra sberleffo e omaggio, che sottolinea,
meglio di ogni analisi coreografica, i vezzi in
cui l’interprete potrebbe pericolosamente cadere.
Cristiano Merlo
Ulyana Lopatkina: “La Mort du cygne”,
c. Michel Fokine (ph. N. Razina)
Tutte le morti di un cigno
immortale
Su YouTube è possibile percorrere oltre cento
anni di storia della Morte del cigno di Michel
Fokine, dall’interpretazione di Anna Pavlova,
creatrice del ruolo agli inizi del Novecento, fino
a quelle di varie ballerine di oggi, passando per
molti nomi celebri: Tamara Toumanova, Galina
Ulanova, Alla Osipenko, Yvette Chauviré,
Natalia Makarova, Ghislaine Thesmar, Eva
Evdokimova, Maya Plissetskaya, Natalia
Bessmertnova (in prova con la grande Marina Semionova)… Video che dispiegano la gamma di varianti sulle quali l’interprete può giocare, nel fraseggio, nel passaggio tra mimetismo
della figura del cigno e sua trasfigurazione
evocativa, o tra colore lirico e tocchi drammatici. Tutto sta proprio in queste sfumature delicatissime che ne fanno appunto un brano
per sole grandi interpreti.
Non potendo parlare qui di ognuna di queste ballerine, ne ho scelte solo alcune che mostrano com’è cambiata l’interpretazione di
questa sorta di “bozzetto impressionistico”
della coreografia nell’arco di più di un secolo.
È chiaro che i filmati d’epoca vanno guardati con un occhio diverso da quello con cui
guardiamo le interpretazioni di oggi. Sulle prime,
il frammento del 1907 che mostra Anna Pavlova
può lasciare perplessi. Ma se proviamo a pensare quanto innovativo dovesse essere, nel contesto dei Teatri Imperiali russi, un port de bras
così libero dalla forma classica, e quanto in-
solito dovesse risultare per il pubblico di allora il fisico longilineo della Pavlova e le sue
caviglie sottili (rispetto alle robuste
techniciennes della fine dell’Ottocento), abbiamo in parte la misura della sua eccezionalità.
Fokine aveva trovato nella figura fragile della
Pavlova l’interprete ideale per rendere la poesia dell’effimero.
Galina Ulanova, a guardarla oggi in un filmato del 1956, potrebbe pure far sorridere,
per l’enfasi espressiva, il manierismo del port
de bras (con tanto di svolazzi delle mani), l’eccesso di foga nei passaggi più rapidi; ma era
il gusto dell’epoca. E giudicarla con i canoni
estetici di oggi, porterebbe a non intendere la
grande arte interpretativa della Ulanova.
Su YouTube ci sono vari video di anni diversi con La morte del cigno di Maya
Plissetskaya, tanto che permetterebbero un
excursus nell’excursus, mostrando il ventaglio
delle sue interpretazioni nell’arco di alcuni decenni. Il video più spettacolare (e non dico a
caso) è quello del 1979. La Plissetskaya (che
aveva allora 54 anni) danza il suo assolo ma
l’unico modo per far cessare gli applausi (dopo
interminabili chiamate al proscenio) è di concedere il bis. E già tra la prima e la seconda
esibizione si potrebbero notare sottili differenze (oltre alle due varianti finali). Ma intatto e insuperato resta il suo port de bras
ondivago, che è diventato una sorta di “marchio” della ballerina.
Su YouTube, molte sono pure le ballerine
di oggi ma nessuna offre (almeno per chi scrive) un’esperienza estetica più commovente di
Ulyana Lopatkina, del suo cigno maestoso e
48
MultiMEDIA
Cinema
Marco Spada da grande
schermo
La stagione del Royal Ballet di Londra al
cinema si è conclusa il 28 aprile con The
Winter’s Tale, la creazione di Christopher
Wheeldon, ispirata al dramma di William
Shakespeare. Prima era stata trasmessa in diretta da Londra, in più di un migliaio di cinema in oltre 30 Paesi del mondo, la sontuosa
Bella addormentata della compagnia inglese che
al nome di Marius Petipa accosta quelli di
Frederick Ashton, Anthony Dowell e
Christopher Wheeldon, che hanno
ricoreografato parti più o meno importanti del
balletto nel corso degli ultimi sessant’anni.
Aurora era Sarah Lamb, l’Americana del
Royal Ballet. Ha tecnica briosa e una presenza scenica fresca e solare. Passa quasi indenne attraverso le numerose e difficili prove che
il balletto le riserva: l’entrée, l’Adagio della
Rosa, la variazione e la coda che seguono, la
scena del fuso, il bellissimo grand pas d’action
della Visione (qui con la variazione firmata da
Ashton) e, infine, il lussuoso pas de deux finale. Ma non è la Ballerina con la maiuscola
che il ruolo esige, e se è pienamente a suo agio
con la gioiosa vivacità del primo atto, lo è meno
con il lirismo del secondo e la grandeur del
terzo. Accanto a lei, il principe autorevole di
Steven McRae. Peccato solo per la Fata dei
Lillà di Laura McCulloch, davvero poco cinematografica.
La stagione di balletto al cinema in diretta
dal Teatro Bolshoi di Mosca, prodotta da
Pathé Live, si è conclusa in marzo con una
rappresentazione spettacolosa di Marco Spada
di Pierre Lacotte, accolta da un vivo e
meritatissimo successo. BALLET2000 aveva
già recensito il balletto al suo debutto al Bolshoi
alcuni mesi fa.
Le scenografie fastose, i costumi ricchissimi, gli ensembles affollati sono stati amplificati da una regìa video accurata e intelligente,
mentre scorreva sullo schermo un profluvio
di danze, punteggiate di combinazioni fantasiose e intricatissime (nonostante qualche sequenza forse un po’ scolastica), rievocando
(non sempre ma abbastanza spesso) lo stile
francese dell’Ottocento, in particolare nelle legazioni di piccolo allegro. David Hallberg ha
fatto faville nel ruolo del bandito Marco Spada, che fu di Rudolf Nureyev, mostrando anche un inatteso piglio attorale. Accanto a lui,
le due meraviglie pietroburghesi della compagnia moscovita: nel ruolo di Angela, la figlia
del bandito, Evghenia Obraztsova, nella quale Lacotte ha giustamente visto una sorta di
incarnazione d’un certo tipo della ballerina romantica, per qualità estetiche, dolcezza del temperamento artistico e una naturale dote per la
pantomima; in quello della Marchesa, Olga
Smirnova (il port de bras più squisito ch’io
Evgenia Obraztsova, Semyon Chudin – Bolshoi Ballet: “Marco Spada”, c. Pierre Lacotte
(ph. Marc Haegeman at Bolshoi Theatre)
abbia mai visto) che si sta imponendo sempre più al Bolshoi, dove ha già una sua nutrita schiera di ammiratori. E con loro, Semyon
Chudin, Igor Tsvirko, Vyacheslav Lopatin,
Anastasia Stashkevich (splendida nella variazione della Sposa) e una compagnia in forma
smagliante, divertente e divertita, hanno offerto uno spettacolo di altissimo livello.
Un appuntamento da non mancare con la
danza al cinema è quello del 3 giugno con la
diretta dall’Opéra di Parigi della serata composta dalla creazione di Benjamin Millepied
(Daphnis et Chloé, sulla musica di Ravel) e
da Le Palais de cristal (Symphony in C) di
George Balanchine. Maggiori informazioni su
www.vivalopera.fr.
Cristiano Merlo
Web
Video storici in rete. Su http://
icaclassics.com/dance si possono acquistare
alcuni DVD pregiati della “Legacy Series”. Tra
le registrazioni storiche, ecco Les Sylphides con
Svetlana Beriosova, Violetta Elvin, Alicia
Markova e John Field e Giselle con Nadia
49
Nerina e Nikolai Fadeyechev. Ci sono poi i
rari The Lady and the Fool e Pineapple Poll
di John Cranko, più alcune “compilations” in
cui appaiono tra l’altro il pas de deux dal secondo atto di Giselle registrato in studio dalla BBC nel 1962 con la coppia Margot Fonteyn
e Rudolf Nureyev. È disponibile anche il DVD
Treasures of Russian Ballet che comprende il
primo atto del Fiore di pietra con Yuri Soloviev,
Alla Sizova e Alla Osipenko e il Balletto Kirov
di Leningrado ripresi alla Royal Opera House
nel 1960, così come il pas de deux dal secondo atto del Lago dei cigni con Galina Ulanova
e Nikolai Fadeyechev. Infine nell’elenco ci sono
La Fille mal gardée di Frederick Ashton con
Nadia Nerina, David Blair e Stanley Holden
(nel ruolo della vedova Simone) del 1962 e
Choreography by Bournonville ovvero La
Sylphide con Lucette Aldous e Flemming Flindt
e il pas de deux di Infiorata a Genzano con
Merle Park e Rudolf Nureyev. Su
www.britishpathe.com alla voce “ballet” si
trovano altri filmati d’epoca, acquistabili in
DVD, come Spartaco con Vladimir Vassiliev,
Le Spectre de la rose con Maris Liepa e Natalia
Bessmertnova e molte altre curiosità.
Essenza di Repetto. Su www.repetto.fr è
da scoprire il primo profumo della Maison
Repetto, che si chiama semplicemente Repetto
e inalbera un delicato color rosa come le
scarpine da punta simbolo della casa fondata
dalla madre di Roland Petit. La testimonial è
Dorothée Gilbert dell’Opéra di Parigi. Questa la presentazione: “È un flaconcino di vetro senza epoca, tutto in movimento, come
un’arabesque al balletto una sera. Di un rosa
delicato, il flaconcino riprende il laccio della
celebre ‘Ballerine Carlotta’ (la scarpetta da
punta della Repetto, ndr). Il nastro di satin
chiuso dal monogramma della casa avvolge delicatamente il flaconcino come una scarpetta
da danza intorno alla caviglia. Un gioco di curve, di pieni e di vuoti che dà al contenitore la
sensazione di una morbidezza inedita”. Qual
è il mix di aromi ideale per una ballerina o una
fan del balletto? “Questa fragranza, graziosa
e carnale, come una rosa di satin la cui scia
aleggia nell’aria per avvolgervi come un nastro
di satin che non ha mai fine”. Non resta che
provare.
E.G.V.
DVD
La Bella di Bourne: più film di
così
Sleeping Beauty –
cor. Matthew
Bourne, mus.
Piotr
I.
Ciaikovsky – New
Adventures –
D e u t s c h e
Grammophon
Chi non ha
modo di vedere in
teatro questa versione in chiave
“gothic romance”
della Bella addormentata
di
Matthew Bourne (già autore di “remakes” di
uno Schiaccianoci in orfanotrofio e di un Lago
dei cigni per pennuti uomini) può goderselo
in DVD. La sua fantasia filmica è degna del
miglior muto (i recenti “silent movies” in bianco e nero The Artist, film francese del 2011
su Hollywood al momento di passaggio al
sonoro, e Blancanieves, film spagnolo del 2012
su una ragazza-toreador, potrebbero essere
gli omologhi in spirito di questa rivisitazione
ballettistica). E il tutto funziona perfettamente
anche su piccolo schermo, computer e lettori vari.
Si ammirano la cura di ogni dettaglio, della
recitazione senza parole, dei costumi (splendidi come le scene, di Lez Brotherston), degli
ambienti, dello stile. Colta e popolare insieme, questa Sleeping Beauty che per il video
conta sulla regia sapiente di Ross MacGibbon
e per la direzione musicale della partitura di
Ciaikovsky su Brett Morris, mantiene il tono
di favola della tradizione e piace a chiunque,
sia che conosca le versioni classiche sia che le
scopra dopo aver visto questa “riscrittura” pie-
na di umorismo. Tanto più piace a chi coglie
i riferimenti al grande schermo, da Scary Movie
al Corvo a Twilight a Eyes Wide Shut, e alle
serie tv come Downton Abbey di epoca postedoardiana. Ma anche la letteratura è leggibile
in trasparenza con L’amante di Lady
Chatterley, mentre dal balletto arriva un tocco d’amore proibito, di Giselle e di Romeo e
Giulietta.
Nel documentario compreso nel DVD,
Bourne racconta il suo percorso e le sue ispirazioni e illustra i suoi intenti; ci permette di
assistere ad alcune prove e di ascoltare interventi di collaboratori e interpreti e critici. Il
che conferma che il coreo-regista mette la sua
mano d’autore in ogni creazione a cui lavora,
nella sua danza narrativa efficace e intelligente, documentata accuratamente, che non nega
l’entertainment, ma cerca di nobilitarlo (come
è il caso della sua trilogia ciaikovskiana).
Il filmato è di alta qualità – il DVD è disponibile anche in Blu Ray – e permette di
vedersi al meglio il balletto da casa. Anzi, quasi
si guadagna il piacere di primi piani e campi
ravvicinati. Certo questa produzione elegante
come un tipico film in costume britannico si
presta benissimo a essere “commercializzata”,
pur non essendo per nulla commerciale in senso
deteriore.
Elisa Guzzo Vaccarino
La devozione del BBL
Le Béjart Ballet Lausanne en tournée en Chine – un film di Arantxa Aguirre – BBL
Le Béjart Ballet Lausanne au Palais Garnier
– un film di Arantxa Aguirre – BBL
Gli appassionati di Maurice Béjart possono acquistare sul sito del Béjart Ballet Lausanne
(www.bejart.ch, alla voce “shop”) due documentari sulla compagnia, usciti recentemente
e realizzati dalla regista Arantxa Aguirre. Il primo prende a pretesto una tournée in Cina e il
secondo un programma presentato all’Opéra
di Parigi, per curiosare nella vita quotidiana
di questa “comunità” giovane, compatta ma
cosmopolita, sotto la guida del suo “guru” attuale, Gil Roman, ma pur sempre devota al
“maestro”. Assistiamo alle prove, seguiamo i
danzatori nei loro viaggi, li accompagniamo dietro le quinte, in scena e in camerino. A tu per
tu, quasi, con Elisabet Ros, Katerina Shalkina,
Julien Favreau, Óscar Chacón e i loro colleghi meno noti.
Elisabet Ros,
Julien
Favreau, Gil
Roman –
Béjart Ballet
Lausanne
50
Il documentario che racconta degli spettacoli presentati al Palais Garnier di Parigi è il
più interessante. Non solo per il programma
che raggruppa alcuni lavori “di nicchia” di
Béjart (Sonate à trois, Webern Opus V,
Dialogue de l’ombre double, Le Marteau sans
maître); ma soprattutto perché il filo conduttore è qui un tema importante, quello della trasmissione dell’opera del coreografo francese,
del suo passaggio di generazione in generazione.
Eppure non si tratta solo di mantenere vivo
un “marchio” di garanzia. C’è qualcosa di più,
di impalpabile, che attiene allo spirito di quel
marchio. E che, a giudicare da quel che vediamo e sentiamo qui, sembra essere coltivato con
indefessa, quasi commovente, devozione.
C.M.
Libri
Elisabetta Terabust,
l’assillo della perfezione – di Emanuele Burrafato –
Gremese
È uscita già da
qualche tempo questa biografia di Elisabetta Terabust
scritta dal danzatore
E m a n u e l e
Burrafato. Chi ha
amato questa ballerina certamente singolare nel panorama italiano e internazionale troverà qui, come è ovvio, le vicende della sua vita e soprattutto della
sua carriera: dagli inizi al Teatro dell’Opera
di Roma agli anni passati presso Roland Petit
e il London Festival Ballet, fino alla sua esperienza di direttrice di compagnie in Italia. Nel
libro si trovano anche molte citazioni dagli articoli sulla Terabust apparsi sulla stampa italiana e internazionale dagli anni Sessanta a quelli
più recenti, ed alcune di queste sono davvero
d’interesse per intendere la speciale personalità scenica d’un’artista che sfugge ai canoni
convenzionali del balletto.
L’autore non mostra sempre una vera competenza nel linguaggio della scrittura di danza, ma questo – senza che sia di giustificazione – si potrebbe dire di buona parte dei
giornalisti italiani che scrivono di quest’arte.
C.M.
51
programmes • programmi • calendar • programmes TV programmi • calendar • programmes • programmi
ARTE
www.arte.tv
8. VI: Deborah Colker, une chorégraphe
carioca (docum.)
Classica
www.mondoclassica.it
1. VI: Excelsior – c. Ugo Dall’Ara – Balletto
del Teatro alla Scala, int. Isabel Seabra,
Roberto Bolle, Marta Romagna
4, 13, 15. VI: La Chauve-Souris – c. Roland
Petit – Balletto del Teatro alla Scala, int.
Alessandra Ferri, Massimo Murru, Luigi
Bonino
6, 8, 19. VI: Casse-Noisette – c. Aaron S.
Watkin – Ballett Dresden, int. Anna Merkulova,
Istvan Simon
11, 20, 22. VI: “Lang Lang Dance Project”
18, 27, 29. VI: Intimate Letters; American
Quartet; Der Tod und das Mädchen – c.
Heinz Spoerli – Zurich Ballet
25. VI: Wuthering Heights – c. Kader Belarbi
– Ballet de l’Opéra de Paris, int. Nicolas
Le Riche, Marie-Agnès Gillot, Eleonora
Abbagnato
Ivan Vassiliev – Mikhailovsky Ballet:
“Flammes de Paris”, c. Vassili Vainonen,
Mikhail Messerer (ph. J. Devant)
Vahe Martirosyan, Nora Dürig – Zurich Ballet: “Der Tod und das Mädchen”,
c. Heinz Spoerli (ph. P. Schnetz)
Mezzo
www.mezzo.tv
31. VI: Casse-Noisette – c. Vassili
Vainonen – Mariinsky Ballet, int. Alina
Somova, Vladimir Shklyarov, Grigory
Popov; L’Oiseau de feu – c. Michel
Fokine – Mariinsky Ballet, int.
Ekaterina Kondaurova
2, 11. VI: Soirée XII Dance Open,
Saint-Pétersbourg: “Les Meilleurs
Pas de deux”
4. VI: Le Ballet Mikhaïlovsky, entre
tradition et ouverture (docum.)
6, 9, 14. VI: Dancing is Living. Portrait
de Benjamin Millepied (docum.)
7. VI: Les Flammes de Paris – c.
Vassili Vainonen, Mikhail Messerer
– Mikhailovsky Ballet, int. Oksana
Bondareva, Ivan Vassiliev
9, 18, 21. VI: Sarabande; This Part
in Darkness – c. Benjamin Millepied
– Ballet de l’Opéra de Lyon
9. VI: Meyer; Writing Ground – c.
Alonzo King – Alonzo King Lines
Ballet
27. VI: Dances at a Gathering – c.
Jerome Robbins; Psyché – c. Alexei
Ratmansky – Ballet de l’Opéra de
Paris; Caligula – c. Nicolas Le Riche
– Ballet de l’Opéra de Paris, int.
Sthéphane Bullion, Clairemarie
Osta
18. VI: For M.G. The Movie – c. Trisha
Brown – Ballet de l’Opéra de Lyon
11, 16, 25. VI: Amoveo; Le Spectre
52
de la Rose; Les Sylphides – c. Benjamin
Millepied – Ballet du Grand Théâtre de Genève
20, 23. VI: Pneuma – c. Carolyn Carlson –
Ballet de l’Opéra de Bordeaux; Karma one,
an essay on Carolyn Carlson (docum.)
Mezzo live HD
www.mezzo.tv
31. V, 3. 5, 6, 13, 14, 17, 19, 20. VI: Le Songe
d’une nuit d’été – c. Michel Kelemenis;
Mémoire de l’ombre double – c. Ken Ossola
– Ballet du Grand Théâtre de Genève
1, 3, 4, 13, 15. VI: Cie María Pagés: Utopia
7, 10, 12, 21, 24. VI: Giselle – The Royal
Ballet, int. Alina Cojocaru, Johann Kobborg
7, 10, 12, 20, 21, 24, 27. VI: La Belle au bois
dormant – The Royal Ballet, int. Alina Cojocaru,
Federico Bonelli
27. VI: Dances at a Gathering – c. Jerome
Robbins; Psyché – c. Alexei Ratmansky –
Ballet de l’Opéra de Paris
Sky
www.skyprogrammeinformation.co.uk
31. V, 1. VI: BalletBoyz: A Chance to Dance
1. VI: Carmen – c. Roland Petit – Ballet de
l’Opéra de Paris, int. Nicolas Le Riche,
Clairemarie Osta; Giselle – The Royal Ballet,
int. Natalia Osipova, Carlos Acosta
3. VI: Cinderella – c. Christopher Wheeldon
– Het Nationale Ballet, int. Anna Tsygankova
4. VI: Symphony in D; Bella Figura– c. Jirí
Kylián – Nederlands Dans Theater
53
Marianela Núñez, Ryoichi Hirano
– The Royal Ballet: “Viscera”,
c. Liam Scarlett (ph. A. Uspensky)
PHOTO GALLERY
Rupert Pennefather, Beatriz Stix-Brunell – The Royal Ballet: “Alice’s Adventures in Wonderland”, c. Christopher Wheeldon
(ph. D. Morgan)
54
Federico Bonelli – The Royal
Ballet: “Live Fire Exercise”,
c. Wayne McGregor
(ph. Bill Cooper/ROH)
55
Steven McRae – The Royal Ballet: “The Winter’s Tale”, c. Christopher Wheeldon (ph. J. Persson)
Yoel Carreño – Norwegian National Ballet: “The Firebird”, c. Liam Scarlett (ph. E. Berg)
56
57
Ricardo Cervera – The Royal Ballet: “Electric Counterpoint”, c. Christopher Wheeldon (ph. J. Persson/ROH)
Melissa Hamilton – The Royal Ballet: “Trespass”, c. Christopher Wheeldon, Alistair Marriott (ph. J. Persson/ROH)
58
Svetlana Zakharova, David Hallberg
– Balletto del Teatro alla Scala:
“Le Lac des cygnes”
(ph. Brescia-Amisano)
59
Diana Vishneva – Mariinsky Ballet:
“Romeo and Juliet”, c. Leonid
Lavrovsky (ph. N. Razina)
60
Ballet de l’Opéra de Bordeaux:
“Pneuma”, c. Carolyn
Carlson (ph. S. Colomyes)
Estonian National Ballet, Tallinn:
“Medea”, c. Gianluca Schiavoni
(ph. J. Devant)
61
Alice Renavand, Vincent Chaillet –
Ballet de l’Opéra de Paris:
“Fall River Legend”, c. Agnès De Mille
(ph. A. Deniau)
62
Ashley Bouder, Tyler Angle – New York City Ballet: “The Four Temperaments”, c. George Balanchine (ph. P. Kolnik)
Nederlands Dans Theater: “Mémoires d’Oubliettes”, c. Jirí Kylián (J. J. Bos)
63
Marie-Agnès Gillot, Karl Paquette – Ballet de l’Opéra de Paris: “Le Palais de cristal”, c. George Balanchine (ph. A. Poupeney)
MontpellierDanse: Alonzo Kings Lines Ballet: “Writing Ground”, c. Alonzo King (ph. M. Moritz)
64
65
66
7
12