IL GIOVANE FAVOLOSO LUCY ANIME NERE LA TRATTATIVA THE
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IL GIOVANE FAVOLOSO LUCY ANIME NERE LA TRATTATIVA THE
Luglio-Ottobre 2014 130-131 Anno XX (nuova serie) - Poste Italiane S.p.A. Spedizione in Abbonamento postale 70% - DCB - Roma LUCY IL GIOVANE FAVOLOSO di Luc Besson di Mario Martone ANIME NERE di Francesco Munzi LA TRATTATIVA di Sabina Guzzanti JOE - di David Gordon Green THE LOOK OF SILENCE di Joshua Oppenheimer Euro 5,00 I DUE VOLTI DI GENNAIO - di Hossein Amini LE DUE VIE DEL DESTINO - di Jonathan Teplitzky SOMMARIO n. 130-131 Anno XX (nuova serie) n. 130-131 luglio-ottobre 2014 Bimestrale di cultura cinematografica Edito dal Centro Studi Cinematografici 00165 ROMA - Via Gregorio VII, 6 tel. (06) 63.82.605 Sito Internet: www.cscinema.org E-mail: [email protected] Aut. Tribunale di Roma n. 271/93 Abbonamento annuale: euro 26,00 (estero $50) Versamenti sul c.c.p. n. 26862003 intestato a Centro Studi Cinematografici Spedizione in abb. post. (comma 20, lettera C, Legge 23 dicembre 96, N. 662 Filiale di Roma) Si collabora solo dietro invito della redazione Direttore Responsabile: Flavio Vergerio Direttore Editoriale: Baldo Vallero Segreteria: Cesare Frioni Redazione: Alessandro Paesano Carlo Tagliabue Giancarlo Zappoli Hanno collaborato a questo numero: Giulia Angelucci Veronica Barteri Elena Bartoni Marianna Dell’Aquila Silvio Grasselli Elena Mandolini Fabrizio Moresco Giorgio Federico Mosco Francesca Piano Stampa: Tipostampa s.r.l. Via dei Tipografi, n. 6 Sangiustino (PG) Nella seguente filmografia vengono considerati tutti i film usciti a Roma e Milano, ad eccezione delle riedizioni. Le date tra parentesi si riferiscono alle “prime” nelle città considerate. Alex Cross – La memoria del killer ......................................................... Anime nere ............................................................................................. Annabelle ............................................................................................... Apes Revolution – Il pianeta delle scimmie ...................................... Arbitro (L’) ............................................................................................... Buca (La) ................................................................................................ Butterfly Room (The) .............................................................................. Capitale umano (Il) ................................................................................. Castello magico (Il).................................................................................. C’era una volta un’estate ........................................................................ Chef – La ricetta perfetta ........................................................................ Colpa delle stelle .................................................................................... Colpi di fortuna ....................................................................................... Comportamenti molto… cattivi! .............................................................. Dino e la macchina del tempo ................................................................ Drift – Cavalca l’onda ............................................................................. Due vie del destino (Le) – The Railway Man .......................................... Due volti di gennaio (I) ........................................................................... …E fuori nevica ...................................................................................... Frances Ha ............................................................................................. Fratelli unici ............................................................................................ Giovane favoloso (Il) .............................................................................. Hercules – Il guerriero ............................................................................ Io sto con la sposa ................................................................................. Jimi: All Is By My Side ............................................................................ Joe .......................................................................................................... Look of Silence (The).............................................................................. Lucy ........................................................................................................ Maze Runner – Il labirinto ...................................................................... Milione di modi per morire nel West (Un) ............................................... Moglie del cuoco (La) ............................................................................. Monsters University ................................................................................ Mossa del pinguino (La) ......................................................................... Nostra terra (La)...................................................................................... Notte in giallo (Una)................................................................................. Party Girl ................................................................................................ Perez. ..................................................................................................... Parental Guidance .................................................................................. Regno d’inverno (Il) – Winter Sleep .................................................... Resta anche domani .............................................................................. Rompicapo a New York .......................................................................... Se chiudo gli occhi non sono più qui ...................................................... Sex Tape – Finiti in rete ......................................................................... Si alza il vento ........................................................................................ Sin City – Una donna per cui uccidere ................................................... Terzo tempo (Il) ...................................................................................... Thor – The Dark World ........................................................................... Transcendence ....................................................................................... Trattativa (La) ......................................................................................... Tutta colpa del vulcano .......................................................................... Tutto molto bello ..................................................................................... Vinodentro .............................................................................................. Walking on Sunshine .............................................................................. Zuppa del demonio (La) ......................................................................... Tutto Festival Pesaro 2014 .................................................................. 54 26 12 8 3 14 58 7 32 59 28 4 18 13 57 56 22 37 23 33 29 2 30 45 49 40 52 42 10 17 51 55 32 38 39 20 50 60 46 47 21 35 43 25 6 31 19 34 16 41 15 36 53 24 62 Film Tutti i film della stagione IL GIOVANE FAVOLOSO Italia, 2014 Interpreti: Elio Germano (Giacomo Leopardi), Michele Riondino (Antonio Ranieri), Massimo Popolizio (Monaldo Leopardi), Anna Mouglalis (Fanny Targioni Tozzetti), Valerio Binasco (Pietro Giordani), Paolo Graziosi (Carlo Antici), Iaia Forte (Signora Rosa, padrona di casa), Sandro Lombardi (Don Vincenzo, precettore di casa Leopardi), Raffaella Giordano (Adelaide Antici Leopardi), Edoardo Natoli (Carlo Leopardi), Federica de Cola (Paolina Ranieri), Isabella Ragonese (Paolina Leopardi), Giovanni Ludeno (Pasquale Ignarra, figlio di casa Ranieri), Giorgia Salari (Maddalena Pelzet), Gloria Ghergo (Teresa Fattorini/’Silvia’) Durata: 135’ Regia: Mario Martone Produzione: Carlo Degli Esposti, Patrizia Massa e Nicola Serra per Palomar con Rai Cinema Distribuzione: 01 Distribution Prima: (Roma 16-10-2014; Milano 16-10-2014) Soggetto e Sceneggiatura: Mario Martone, Ippolita di Majo Direttore della fotografia: Renato Berta Montaggio: Jacopo Quadri Musiche: Sascha Ring (Brani di Gioacchino Rossini) Scenografia: Giancarlo Muselli Costumi: Ursula Patzak Effetti: Rodolfo Migliari G iacomo Leopardi passa i primi vent’anni della sua vita a Recanati, nel palazzo di famiglia, sotto lo sguardo vigile del padre, il Conte Monaldo, custode di una mentalità bigotta e conservatrice che ammette come unica forma esistenziale lo studio dei ventimila volumi appartenenti alla sua biblioteca. Altra figura dominante, la madre Adelaide, donna glaciale e anaffettiva, incapace di star vicino a Giacomo, fin da bambino desideroso d’amore come non mai e di farlo avvicinare alla vita esterna al palazzo che è preclusa a tutti. Giacomo trova invece grande compagnia e complicità (e ammirazione) in Carlo e Paolina, gli unici a capire sul serio gli spasmi d’amore e intelligenza dell’amatissimo fratello. Lo studio quindi, “matto e disperato”, sotto la direzione del Conte Monaldo, è il cardine delle giornate adolescenziali di Giacomo, pur attirato sempre più dalla vita che si svolge lontano dal suo piccolo centro dove si sente confinato. Il primo tentativo di collegarsi col mondo avviene grazie allo scambio di lettere con Pietro Giordani, letterato e scrittore che intuisce subito la grandezza e il talento del giovane di Recanati che va a trovare direttamente e che cerca di incitare e spingere verso orizzonti culturali e sociali ben più vasti e formativi degli stretti limiti del “natio borgo selvaggio”. Monaldo però riesce a opporsi a tutti gli aneliti di libertà del figlio impedendogli qualsiasi fuga verso l’esterno e perfino l’approfondimento delle nuove idee di Giordani che considera deleterio soprattutto nell’ottica 2 della rigida morale religiosa vigente in quelle terre del Papa. Contemporaneamente si manifestano per Giacomo i primi disturbi e le prime malattie: un groviglio di negatività di cui in parte l’origine è certamente fisica (probabilmente una forma di tubercolosi ossea che compromette sempre più le funzioni respiratorie del giovane fino ad aggravarne completamente lo status) ma certo non indifferente è la componente nervosa che renderà (per quei tempi poi!) sempre più difficile fornirgli qualsiasi forma d’aiuto. Dopo anni troviamo finalmente Giacomo a Firenze, centro vivace e all’avanguardia dei movimenti letterari, luogo attento alle nuove forme espresssive che, pure a fatica, si stanno manifestando. Non mancano, naturalmente, le incomprensioni e le invidie dei letterati alla moda che impediscono che Giacomo abbia quei riconoscimenti e quei premi che meriterebbe. Grande sostegno per lui è l’amicizia del patriota in esilio da Napoli Antonio Ranieri che manterrà per il poeta un’amicizia sincera e disinteressata per tutta la vita. L’amore è un altro lato che fa soffrire Giacomo, umiliandolo nelle sue aspirazioni e nelle sue debolezze più intime: si innamora della nobile e affascinante Fanny Targioni Tozzetti che non solo si dimostra subito disinteressata ma intreccia una relazione molto intensa con Ranieri, conquistatore disinvolto, a cui piacciono molto le donne ed è da queste molto amato. I due amici si spostano ora a Napoli: Ranieri ha avuto infatti l’amnistia e può fare ritorno nella casa di famiglia dove potranno condurre una vita con minori stenti, insieme al fatto che Giacomo riesce, non Film senza problemi, ad avere qualche spicciolo dalla casa paterna. A Napoli però la situazione non migliora, anzi: l’aggravarsi dello stato fisico insieme alla nevrosi malinconica che lo occupa definitivamente e del tutto, in un ambiente poi così denso di umori e sollecitazioni dei sensi a cui Giacomo non sa corrispondere, lo spingono in una spirale di dolore che lo porta presto a morire. A sugello della sua vita e della sua infelicità chiudono il film i versi di “La Ginestra”, testamento spirituale del poeta sulla precarietà della condizione umana. spesso pericoloso fare un film su un personaggio come Giacomo Leopardi, come su qualsiasi altra grande figura del nostro ottocento e sempre è un azzardo: ci si può muovere sulla linea del conosciuto, di “quello che sanno tutti” e allora l’ispirazione scade presto nei luoghi comuni di vecchia origine scolastico/accademica di cui non si ha bisogno; oppure ci si lancia in rischiose iniziative all’avanguardia che scontentano un po’ tutti. Sono film, che, a sentire gli addetti ai lavori è meglio non fare. Mario Martone, in cosceneggiatura con Ippolita di Maio, ha fatto invece un lavoro straordinario. Si è basato sullo studio (durato anni) di migliaia di documenti originali, lettere, resoconti e, naturalmente, dell’opera poetica di Leopardi per delineare una figura completamente nuova e inaspettata per il pubblico: non quella di un mezzo busto ottocentesco confinato nell’agiografia e custodito nella polvere di una biblioteca, ma quella di un essere umano che univa aspirazioni, desideri e impulsi propri della carne a una straordinaria sensibilità poetica e a una miracolosa intuizione culturale. È Tutti i film della stagione Quindi due strade, la prima: la lotta quotidiana contro i tempi oscuri e l’ambiente bigotto in cui si trovò a nascere, la contrapposizione con il padre a cui il regista affida intelligentemente, non tanto un aspetto gretto e oppressivo, ma l’incapacità, non priva di un particolarissimo affetto, di stare al passo con i tempi che si fanno avanti e a cui suo figlio vuole partecipare; quasi un confronto presessantottino sull’impossible contatto tra due mondi che non si intendono né si intenderanno mai. L’affetto, ricambiato, per i fratelli, i giochi, le complicità, le fughe, gli scherzi, il diventare grandi in luoghi sempre più stretti; il desiderio d’amore che non si affievolirà mai e graverà, quasi persecutorio, su tutta la vita del poeta. Seconda strada: la nascita e il consolidamento dell’ispirazione poetica, il convogliare visioni e fantasie, utopie e desideri in un corpus poetico che solo successivamente sarebbe stato compreso e inteso nel suo significato planetario. La prima parte è forse quella che più intimamente ci è piaciuta, perchè Martone dipinge un quadro che in ogni momento ci commuove, ci coinvolge nel considerare come il genio e la grandezza risiedano spesso, forse sempre, nell’umana quotidianità delle cose comuni, nell’ovvietà di gesti e azioni a cui ci si sente vicini perchè tutti si è uniti nel sentire, nel soffrire dolcezze e rabbie e nel desiderare e pretendere di essere amati. La seconda parte però ci affascina: Martone dilata la manifestazione del genio, la sua contigua e continua sofferenza, la sua violenta eresia contro i tempi e le persone che non capiscono in sequenze quasi visonarie: il fallimento dei contatti con i salotti culturali fiorentini, le innumerevoli annotazioni sul perbenismo dei comportamenti, sul conformismo delle situazioni esplodono definitivamente nell’inferno napoletano in cui figure e figuri, messi in risalto da intense sottolineature cromatiche e ambientali, consacrano definitivamente la fine terrena e dolorosa di un uomo per regalarci quella di un genio. A unire le due parti la realizzazione che sembrava impossibile dei versi del poeta in immagini, paesaggi, scorci di terra e spighe della campagna uniti in una profondità cosmica ai colori del mare e del cielo di Napoli. Una composizione immane quindi questa di Martone, forte del progetto che ha unito in un accordo assoluto chi ha curato la fotografia, la scenografia, i costumi e la musica e il gruppo di straordinari attori che ha seguito la direzione di Martone come una compagnia di teatro. Su tutti Elio Germano: raramente abbiamo assistito a una concentrazione simile, all’intensità di uno sguardo capace di passare dal desiderio all’amarezza, dalla sofferenza al sogno in un continuo equilibrio di scoppi, cadute e consapevolezza che quei tempi non sono i suoi e non può fare altro che dibattere la sua anima in un corpo malato perchè malata è quella società impossibile da vivere, ritagliata per vecchi e mediocri. Un ultimo regalo da Martone e Germano: averci fatto sentire i versi di Leopardi come vivi, ardenti, ricchi di slancio e passione, tensione e inquietudine, immagini di un’attualità che polverizza il divario spazio/ tempo per diventare espressione autentica del nostro odierno male di vivere. Fabrizio Moresco L’ARBITRO Italia, Argentina, 2013 Scenografia: Pietro Rais, Marianna Sciveres, Margarita Tambornino Costumi: Stefania Grilli Interpreti: Stefano Accorsi (Cruciani), Geppi Cucciari (Miranda), Jacopo Cullin (Matzutzi), Alessio Di Clemente (Brai), Marco Messeri (Candido), Grégoire Oestermann (Jean Michel), Benito Urgu (Prospero), Franco Fais (Franco), Quirico Manunza (Quirico), Marco Cadau (Pietro), Andrés Gioeni (Guardalinee di Cruciani), Gustavo De Filpo (Guardalinee di Cruciani), Francesco Pannofino (Arbitro Mureno) Durata: 96’ Regia: Paolo Zucca Produzione: Amedeo Pagani, Daniel Burman, Diego Dubcovsky per Classic, BD Cine, in collaborazione con Rai Cinema Distribuzione: Lucky Red Prima: (Roma 12-9-2013; Milano 12-9-2013) Soggetto: Paolo Zucca Sceneggiatura: Paolo Zucca, Barbara Alberti Direttore della fotografia: Patrizio Patrizi Montaggio: Sarah McTeique, Walter Fasano (collaborazione) Musiche: Andrea Guerra L ’ arbitro Cruciani è uno dei nomi più in vista del calcio europeo. Una popolarità che gli vale an- che il soprannome di “Principe”. Cruciani ambisce addirittura a ottenere il fischietto d’Argento, ma la sua ascesa è bruscamente 3 interrotta da una vicenda di corruzione che lo fa precipitare nell’arbitraggio di terza categoria. Per Cruciani quindi…addio Film gloria e addio soldi. La ascesa/discesa di Cruciani incomincia a intrecciarsi con le vicende di malaffare che si svolgono a lato del campionato di terza categoria in Sardegna dove lui è stato spedito. La squadra più scadente di questa categoria è l’Atletico Pabarile, allenata dall’ormai cieco e anziano Prospero, destinata a subire ogni anno le umilianti sconfitte inflitte dal Montecrastu, un team allenato invece dall’arrogante e sexy Brai. Le sorti dell’Atletico Pabarile prendono però un’improvvisa e positiva virata con l’arrivo del fuoriclasse Matzutzi, un giovane emigrato e promessa del calcio. Grazie a Matzutzi, l’Atletico Pabarile incomincia a vincere una partita dietro l’altra riuscendo, in questo modo, a rimontare facilmente sulla squadra rivale. Le vicende dei due team di alternano e si incrociano all’ascesa Tutti i film della stagione dell’arbitro Cruciani in un quadro in cui sembra dominare quella che appare come una vera e propria faida regolata dai codici della pastorizia sarda. Nella squadra del Montecrastu infatti ci sono due giocatori che sono anche cugini. Uno dei due ruba un agnello all’altro e viene punito con la morte. Il suo cadavere non verrò scoperto, perché tutti, inclusa la vedova e il figlio di 11 anni, saranno troppo distratti dai festeggiamenti per il Dio-Calcio. In questo quadro di corruzione e rivalità però si fa spazio anche l’amore grazie a Miranda, la giovane figlia dell’allenatore Prospero, della quale Matzutzi si innamorerà. e nel 2009 L’arbitro di Paolo Zucca vinse il David di Donatello come Miglior Corto, nel 2013 è diventato un lungometraggio e si è con- S quistato un posto nella sezione Giornate degli Autori alla Mostra di Venezia. Girato completamente in bianco e nero, L’arbitro è un film che diverte anche se non può essere definito un capolavoro. In certi punti infatti sembra che la sceneggiatura non riesca a sciogliere del tutto alcuni punti drammaturgici, facendoli apparire alla fine molto banali e scollegati tra di essi. È il caso, ad esempio, dell’intreccio amoroso tra Miranda (Geppi Cucciari) e Matzutzi (Jacopo Cullin) rispetto a tutto il resto della storia, ma anche delle sorti del protagonista Cruciani (interpretato da Stefano Accorsi) rispetto a quelle degli altri personaggi. Il film, quindi, non sembra avere una forza in grado di amalgamare e integrare elementi che, invece, presi singolarmente appaiono in tutta la loro validità. Va infatti apprezzata la capacità di Paolo Zucca di raccontare e rappresentare un certo “provincialismo” italiano con molta arguzia e ironia, così come va apprezzata la scelta di un cast molto valido, in grado di interpretare personaggi che troppo facilmente rischiano di perdere la loro lucida ironia per sfociare nel grottesco. Soprattutto a causa del tema trattato che varia dalla passione tipicamente italiana per il calcio fino al quello purtroppo attualissimo della corruzione, Zucca ha rischiato di far sfociare il suo racconto sul un fiume di banalità e di “già visto” che però riesce ad evitare. In questo senso gli va riconosciuto anche il merito di aver diretto due volti noti come Accorsi e la Cucciari, proponendoli in registri interpretativi diversi da quelli per i quali il pubblico più spesso li conosce. A questo, va aggiunta un’indubbia capacità del regista nell’utilizzo della macchina con cui riesce a ritagliare le figure umane e i luoghi senza banalità. Marianna Dell’Aquila COLPA DELLE STELLE (The Fault in Our Stars) Stati Uniti, 2014 Regia: Josh Boone Produzione: Temple Hill Entertainment Distribuzione: 20th Century Fox Italia Prima: (Roma 4-9-2014; Milano 4-9-2014) Soggetto: dal romanzo omonimo di John Green Sceneggiatura: Scott Neustadter, Michael H. Weber Direttore della fotografia: Ben Richardson Montaggio: Robb Sullivan Musiche: Mike Mogis, Nathaniel Walcott Scenografia: Molly Hughes Costumi: Mary Claire Hannan Effetti: Phosphene, Savage Visual Effects, Spontaneous, LOOK! Effects Inc. Interpreti: Shailene Woodley (Hazel Grace Lancaster), Ansel Elgort (Augustus ‹Gus› Waters), Laura Dern (Frannie), Sam Trammell (Michael), Nat Wolff (Isaac), Willem Dafoe (Peter Van Houten), Mike Birbiglia (Patrick), Lotte Verbeek (Lidewij Vliegenthart), Emily Peachey (Monica), Sophie Guest (Jackie), Milica Govich (Madre di Gus), David Whalen (Padre di Gus), Dela Cruz (Dott.ssa Maria), Randy Kovitz (Dott. Simmons), Wyatt McClure (Gabriel), Jordan Drexel (Sid), Pj Rossotto (Pj) Durata: 125’ 4 Film H azel Grace convive con la sua leucemia già dall’età di 13 anni. Ormai adolescente insieme al suo romanzo La frizione imperiale sogna una vita normale come tutte le ragazze della sua età. Sempre attaccata a un respiratore, trascina con quello anche la sua forza di volontà. La sua unica via di scampo sono i medicinali e i gruppi di sostegno, ai quali va mal volentieri, su consiglio della madre. Un giorno,durante uno di questi incontri, conosce un ragazzo di nome Augustus Waters, guarito da poco da un cancro osseo che lo aveva costretto all’amputazione di una gamba. Tra i due nasce una amicizia molto forte e speciale e insieme ridono e scherzano sulla loro difficile vita. Cominciano ad esplorare i mondi dell’altro, a conoscersi intimamente in un rapporto perfetto e idilliaco. Hazel è sempre costretta ad avere con sé il respiratore ma il suo sogno è quello di andare ad Amsterdam per conoscere personalmente l’autore di La frizione imperiale. Gus prende contatto con l’autore che gli risponde felice di poterli ricevere. Nonostante i medici sconsiglino vivamente di far affrontare ad Hazel un viaggio così lungo, i genitori vogliono farle un regalo e decidono ugualmente di intraprendere questa avventura. Hazel così vola in Olanda con la mamma e Augustus. Ad Amsterdam la loro storia arriva all’apice. L’atmosfera si fa magica, i due ragazzi vanno in un elegante ristorante per una cena a lume di candela, si danno il primo bacio nella casa di Anna Frank e in albergo fanno per la prima volta l’amore. Arriva poi il fatidico giorno in cui vanno a conoscere di persona Peter Van Houten ma l’esperienza risulta a dir poco negativa. L’autore li tratta male, sembra quasi che non possa essere lui l’artefice del romanzo tanto amato da Hazel. Ma il peggio deve ancora arrivare. Di lì a poco Augustus le dirà che ha scoperto di avere nuove metastasi in tutto il corpo e che non gli rimarrà molto da vivere. Le settimane che seguono sono durissime e ricche di emozioni forti: il malore di Augustus, il finto funerale e, alla fine, il dramma. Tutti i film della stagione interprete in The spectacular now e White Bird in a Blizzard e futura Mary Jane del nuovo Spider-Man; Ansel Engort, nei panni di Augustus Waters è invece fratello di Shailene in Divergent, visto in Lo sguardo di Satana – Carrie e protagonista del nuovo film di Jason Reitman (Men, women & children). Eccezionale anche l’interpretazione di Wilhem Defoe nei panni del cinico scrittore olandese. Il regista Josh Boone decide di tramutare in pellicola il best seller di John Green. Campione di incassi già in America per diverse settimane, il film, arrivato in Italia, ha commosso non solo i teenager ma anche i più grandi. Aldilà della scelta per la colonna sonora del successo commerciale del momento Boom Clap di Charli XCX, che fa sfondo alle scene ambientate ad Amsterdam, il film è rivolto non solo ai teenagers e risulta piuttosto equilibrato. A grandi momenti di leggerezza si alternano infatti momenti drammatici e di malattia che risultano mai banalizzati né pesanti, o che intendono muovere a compassione il pubblico “Il dolore necessita di essere sentito” dice la protagonista del film. Simpatico anche il personaggio dell’amico di Augustus, Isaac, che durante il film perde gradualmente la vista ma non il senso dell’ironia; trovata carina del regista è stata quella di far apparire in sovraimpressione le nuvolette degli sms che si scambiano Hazel e Augustus. I due per tutta la loro storia si chiamano per cognome e anche il loro primo incontro è piuttosto originale: emblematica la scena dove Augustus, dopo aver infastidito e urtato la sensibilità della nuova amica, con la sigaretta in bocca dice: “Tieni tra i denti ciò che uccide e non gli dai il potere di farlo”. ronia e sarcasmo sulla malattia inguaribile per eccellenza, il cancro. Due giovani adolescenti, il loro rapporto con i problemi di salute e la complicità che nasce tra loro. Chi si aspetta un nuovo Twilight si sbaglia. L’amore tra questi due ragazzi è sorprendentemente leggero, spensierato e anche intellettualmente stimolante. Grande l’interpretazione di entrambi i protagonisti. Hazel è Shailene Woodley, l’ex figlia di Clooney in Paradiso amaro, guerriera della saga Divergent, I 5 Metaforicamente è quello che fanno i due ragazzi durante tutta la loro vicenda: sanno che la loro esistenza sarà brevissima, ma la vivono senza che la paura e la tristezza prendano il sopravvento. “Mi hai dato un per sempre in un numero finito”. Solitamente poi nelle storie di drammi giovanili si calca la mano sull’assenza di genitori manchevoli di attenzioni; qui invece non solo i genitori sono presenti, ma, da un punto di vista registico, si sceglie di dare a ciascuno di loro uno spazio definito e rilevante. La ragazza, nonostante sia gravemente ammalata, ha a tratti un rapporto conflittuale con i genitori come tutte le sue coetanee. Come si diceva prima, Colpa delle stelle è un film che parla con normalità e realismo della difficile condizione di vita di ragazzi malati di cancro. A molti potrebbero tornare alla mente altre storie d’amore impossibili come in Figli di un dio minore. La drammaticità del film e del finale non fanno però rimanere nell’animo alcuna sensazione di pesantezza che altri film invece lasciano. Questo per via della serenità con cui per primi i protagonisti vivono le forti drammaticità. Emerge la loro voglia di vivere e il senso di sfida nei confronti della vita. Simbolica la faticosissima e rischiosa scalata di Hazel nella casa di Anna Frank. Una scalata verso l’alto, verso quella voglia di infinito che divora Hazel e Augustus “ Alcuni infiniti sono più grandi di altri”. Colpa delle stelle sì, ma anche se il destino è stato crudele con loro, i due innamorati alzano sempre la testa verso il cielo per guardare in alto, per guardare le stelle. Giulia Angelucci Film Tutti i film della stagione SIN CITY – UNA DONNA PER CUI UCCIDERE (Sin City: A Dame to Kill For) Stati Uniti, 2013 Regia: Frank Miller, Robert Rodriguez Produzione: Robert Rodriguez, Aaron Kaufman per Dimension Films, Troublemaker Studios, Ar Films in associazione con Aldamisia Entertainment Distribuzione: Lucky Red Prima: (Roma 2-10-2014; Milano 2-10-2014) Soggetto: dalle GraficNovels di Frank Miller Sceneggiatura: Frank Miller Direttore della fotografia: Robert Rodriguez Montaggio: Robert Rodriguez Musiche: Robert Rodriguez, Carl Thiel Scenografia: Steve Joyner, Caylah Eddleblute Costumi: Nina Proctor Effetti: John McLeod, Doug Campbell, Ed Chapman, Jon Cowley, Stefen Fangmeier, Josh Saeta, Prime Focus Interpreti: Mickey Rourke (Marv), Jessica Alba (Nancy Cal- M arv, gangster dalla forza sovraumana, si aggira tra le strade in bianco e nero della città del peccato. Dopo aver steso al tappeto dei giovani sprovveduti, l’uomo va a trovare la sua protetta Nancy nel locale a luci rosse dove la donna si esibisce ogni sera. Qui fa la sua entrata Johnny, un ragazzo fortunato e presuntuoso, portato per il gioco d’azzardo. Dopo aver conosciuto la bella spogliarellista Marcy, il giovane si siede al tavolo da poker per sfidare il potente senatore Roark. In poche mani Johnny fa suo l’intero patrimonio di Roark e abbandona il tavolo, per spendere tutto il denaro in giro per la città con la sua nuova amica Marcy. Al senatore tuttavia non è andata giù la sconfitta e così intercetta il lahan), Josh Brolin (Dwight McCarthy), Joseph Gordon-Levitt (Johnny), Rosario Dawson (Gail), Bruce Willis (Hartigan), Eva Green (Ava Lord), Powers Boothe (Senatore Roark), Dennis Haysbert (Manute), Ray Liotta (Joey), Stacy Keach (Wallenquist), Jaime King (Goldie/Wendy), Christopher Lloyd (Kroenig), Jamie Chung (Miho), Jeremy Piven (Bob), Christopher Meloni (Mort), Juno Temple (Sally), Marton Csokas (Damien Lord), Jude Ciccolella (Tenente Liebowitz), Julia Garner (Marcie), Lady Gaga (Bertha), Alexa Vega (Gilda), Patricia Vonne (Dallas), Bart Fletcher (Flint), Alejandro RoseGarcia (Buzz), Johnny Reno (Weevil), John Wirt (Heavy), Greg Ingram (Mothra), Jimmy Gonzales (Jacoby), Daylon Walton (Gordo), Rob Franco (Luigi), Billy Blair (Louie), Vincent Fuentes (Abdul), Alcides Dias (Tony), Kimberly Cox (Lillian), Patrick Sane (Gorgo) Durata: 102’ ragazzo e gli procura gravi danni fisici. Improvvisamente ci troviamo sul tetto di un palazzo sul quale Dwight McCarthy, detective privato, scatta alcune foto. Il passato di Dwight è legato alla sua ex Ava, ora sposata col ricco Damien Lord. La ragazza ricontatta dopo anni Dwight, facendogli credere di essere in pericolo per colpa del suo attuale marito. L’uomo, pur non fidandosi della donna, la difende e uccide il signor Lord. Inaspettatamente si scopre che si trattava di un perfido piano di Ava per ereditare le ricchezze del marito. Per completare il suo piano, la donna spara a Dwight, che però viene salvato appena in tempo dal suo amico Marv e portato nella città vecchia. Qui, le amiche del passato si prendono cura di Dwight e promettono di aiutarlo a vendicarsi. In seguito, l’uomo e le ragazze assaltano la residenza di Ava e, dopo aver resistito al suo ennesimo tentativo di seduzione, Dwight la uccide. Parallelamente Johnny, gravemente ferito, va a farsi medicare da un dottore. Subito dopo corre a casa di Marcy, ma scopre che la ragazza è stata spietatamente uccisa dal senatore. Deciso a vendicarsi, Johnny torna al locale e sfida una volta ancora Roark al tavolo da poker. Il ragazzo vince una seconda volta, ma il senatore, accecato dalla rabbia, gli spara, freddandolo sul colpo. Resta soltanto una donna che può uccidere il perfido Roark: Nancy. La spogliarellista vuole vendicare il detective Hartigan, suo amico, suicidatosi per colpa del senatore anni prima. Dopo mesi di preparazione, Nancy coinvolge Marv e insieme attaccano la dimora di Roark eliminando tutti i suoi uomini. Arrivata al duello finale, la giovane sembra avere la peggio, ma un’improvvisa apparizione del detective su uno specchio distrae il senatore, che viene ferito a morte dalla ragazza. rank Miller e Robert Rodriguez ci portano, una volta ancora, tra le fredde strade della città del peccato, immaginaria ma non troppo. Sin City è una città senza tempo, che ci ricorda qualcosa del passato, ma che potrebbe esistere anche nel futuro. I suoi protagonisti, giovani gangsters senza scrupoli, politici e funzionari corrotti, donne tanto belle quanto spietate, si aggirano mossi da sentimenti estremi, ma al contempo umani: la vendetta, la gelosia, l’amore, il rimorso. Il duo Miller – Rodriguez riesce a creare un mondo F 6 Film parallelo fantasioso e allo stesso tempo credibile, immaginario ma reale, facendo così lavorare perfettamente la macchina della finzione. Anche grazie a un cast stellare e alle eccellenti prestazioni di Eva Green, Joseph Gordon- Levitt e Josh Brolin (senza dimenticare Mickey Rourke se pur in un ruolo minore) lo spettatore viene attirato pericolosamente nel grigio, cupo, affascinante mondo della città dei Tutti i film della stagione vizi e delle tentazioni. L’idea di dividere la trama in varie storie collegate tra loro non spezza il film, anzi mantiene alto il ritmo e costante l’attenzione. I dialoghi, più adatti al fumetto che alla pellicola, funzionano, poiché sono retti da personaggi credibili e da un’atmosfera azzeccata. Lo stile cinematografico di Rodriguez si lega perfettamente a quello da graphic novel di Frank Miller, facendo quasi sembrare che la pellicola sia girata da un unico regista. Sin City – Una donna per cui uccidere pertanto, non fa minimamente rimpiangere l’episodio precedente e anzi, fa sperare in un futuro ritorno tra le grigie strade, i locali a luci rosse, gli inseguimenti a folle velocità e le mille storie che la città del peccato ha ancora da raccontare. Giorgio Federico Mosco IL CAPITALE UMANO Italia,Francia, 2014 Effetti: EDI – Effetti Digitali Italiani Interpreti: Valeria Bruni Tedeschi (Carla Bernaschi), Fabrizio Bentivoglio (Dino Ossola), Valeria Golino (Roberta Morelli), Fabrizio Gifuni (Giovanni Bernaschi), Luigi Lo Cascio (Donato Russomanno), Giovanni Anzaldo (Luca Ambrosini), Matilde Gioli (Serena Ossola), Guglielmo Pinelli (Massimiliano Bernaschi), Gigio Alberti (Giampi), Bebo Storti (Ispettore Ranucci), Paolo Pierobon (Zio Davide), Gianluca Di Lauro (Fabrizio, il cameriere in bici), Stefano Fiorentino (Amico e socio di Bernaschi), Fulvio Milani (Altro amico di Bernaschi), Vincent Nemeth (L’avvocato Gérard Pierret), Francesca Lancini (Florence, la segretaria di Bernaschi), Michael Sart (Jean Louis) Durata: 109’ Regia: Paolo Virzì Produzione: Fabrizio Donvito, Benedetto Habib, Marco Cohen per Indiana Production Company, in collaborazione con Rai Cinema e Manny Film, Motorino Amaranto Distribuzione: 01 Distribution Prima: (Roma 9-1-2014; Milano 9-1-2014) Soggetto: dal romanzo omonimo di Stephen Amidon Sceneggiatura: Francesco Bruni, Francesco Piccolo, Paolo Virzì Direttore della fotografia: Jérôme Alméras Montaggio: Cecilia Zanuso Musiche: Carlo Virzì Scenografia: Mauro Radaelli Costumi: Bettina Pontiggia I n una provincia lombarda, presumibilmente la Brianza, si intrecciano le storie di due famiglie, i Bernaschi e gli Ossola. Giovanni Bernardi è uno squalo della finanza, si aggira per i mercati del mondo, ha sempre un aereo che gli parte fra mezz’ora, sostenuto da uno stuolo di avvocati e manager senza scrupoli alla ricerca di denaro che produca altro denaro, la cui cassaforte principe è il Fondo d’Investimento della famiglia. La moglie Carla, bella donna ed ex attrice, vive ingenuamente e superficialmente la sua vita di ricchezza nella villa con campo da tennis e piscina interna senza farsi troppi perchè. Ha però un sogno nascosto, quello di rinverdire il lontano amore per le scene convincendo il marito a rilevare il vecchio Politeama abbandonato da vent’anni e ristrutturarlo completamente, per riportarlo ai nuovi fasti di una rinnovata programmazione teatrale. È aiutata in questo sogno da un velleitario professore che mantiene vivo il fuoco della passione culturale della bella signora invaghendosi di lei e che con lei passa qualche ora di sesso durante una delle tante assenze del marito. Il sogno teatrale va presto in frantumi perchè Giovanni, per tamponare la crisi di liquidità che lo sta attanagliando, preferi- sce usare l’immobile per ricavarne degli appartamenti da vendere presto lungo la scia delle sue speculazioni. Incantato da tutto questo denaro, vero o falso che sia, è l’altro protagonista maschile, Dino Ossola, immobiliarista che da tempo cerca di elevarsi al livello dei veri ricchi senza riuscirci; tutto questo nonostante la presenza della seconda moglie Roberta, umanissima psicologa, priva di avidità e incinta di due gemelli. L’occasione è data a Dino dal flirt esistente tra sua figlia Serena e Massimiliano, il figlio di Bernaschi: la situazione permette a Dino di inserirsi nelle alte sfere giocando a tennis con il gruppo di Giovanni e poi di entrare con una quota di settecentomila euro (presi a prestito grazie a un amico in banca) nel famoso Fondo di Investimento che promette (a sentire Bernaschi) una redditività anche del 40%. In mezzo a questo groviglio di denaro, rapporti e falsità scoppia un problema serio: un cameriere del catering utilizzato per una festa è investito sulla strada di ritorno a casa, percorsa in bicicletta e ridotto in fin di vita (muore dopo qualche giorno d’ospedale). Il mezzo responsabile dell’incidente sembra essere il SUV del figlio di Bernaschi che però quella notte famosa era a casa inebetito dall’alcol. Cosa 7 era successo? Serena aveva accompagnato a casa Massimiliano con la propria macchina mentre un suo nuovo amico, Luca, ragazzo difficile e con un doloroso passato alle spalle, di cui lei si stava innamorando, aveva condotto il SUV, procurando sbadatamente l’incidente. Nell’intrico delle testimonianze inattendibili, la luce definitiva la dà al commissario un’informazione di Dino Ossola che, nel computer della figlia aveva, per un colpo di fortuna, letto il racconto di come erano andate le cose ed era disposto a dare il resoconto a Carla Bernaschi dietro la restituzione (più interessi) dei soldi buttati al vento sul Fondo che, nel frattempo, com’era prevedibile, aveva procurato solo perdite e niente guadagni. Alla fine tutto, è perfettamente ricomposto: il figlio di Bernaschi è libero da ogni sospetto, il padre dà un grande party per festeggiare la ripresa dei suoi affari, Dino è rientrato dei suoi soldi, Serena va a trovare il suo nuovo amore in carcere da cui presto uscirà, la famiglia del cameriere ucciso nell’incidente viene risarcita con la cifra prevista dalle tabelle assicurative che si riferiscono, secondo una serie di parametri, al valore del capitale umano andato perduto. Film aolo Virzì utilizza, con i suoi sceneggiatori abituali Bruni e Piccolo, il romanzo di Stephen Amidon ambientato nel Connecticut e ne traduce la storia in un’ambientazione lombarda che ha molto infastidito gli abitanti di quelle zone che hanno insistito nel non riconoscersi negli argomenti e nei personaggi dediti al denaro per il denaro e alla costruzione finanziaria del medesimo: è stata trascurata, hanno detto, la considerazione per un tessuto sociale formato da piccole e medie imprese artigiane e industriali, figlie delle grandi industrie tessili, alimentari e manifatturiere di un tempo, la cui forza connettiva è data dall’amore per il lavoro, la produttività e la convinzione di poter contare (e di farcela) sempre sulle proprie risorse, senza affidarsi ad architetture finanziarie prive di solidità. Non ci interessano le polemiche spicce: Virzì ha ambientato una storia di denaro, di aridità e di amarezza in una zona, in P Tutti i film della stagione cui di denaro ce n’è tanto e sappiamo bene che questo non riscalda la sollecitudine dei rapporti umani, punto. Virzì dà una sterzata all’evoluzione del suo racconto cinematografico che ci ha portato sempre alla riflessione impietosa mista alla commedia, virando decisamente verso il dramma: l’analisi che il regista fa di uno specchio della nostra società, o meglio, di come questa abbia occupato un territorio di aridità, sopraffazione, disinteresse per il prossimo, incultura e la più bassa materialità è senza risparmio. Non c’è pietà, lo notiamo per la prima volta in un film del regista livornese, per nessuno dei suoi personaggi, e questo è più grave, nessuno di essi sembra nascondere un brandello di luce che possa rendere meno buio il suo futuro. È così e basta, a meno che non si stia completamente fuori dal gioco perverso del denaro e si cerchi di indirizzare la vita verso altro. Risponde a questa diversa esigenza il personaggio di Roberta, la psicoanalista (ASL!) moglie di Dino, l’unica dotata di quella sensibilità che l’aiuta a ragionare con la propria testa e la propria anima. Lo scotto che paga il personaggio è quello di sparire spesso e di non essere sempre utile all’economia del racconto, tanto che, purtroppo, la maggior parte delle pagine scritte su questo film non ne accennano quasi, come fosse dimenticato (e stiamo parlando dell’ottima presenza della Golino). Non pensiamo sia uno strafalcione di sceneggiatura, considerato il professionismo degli autori, ma siamo convinti che la forza, il disprezzo manifestamente espresso da Virzì per la torva volgarità di questa gente che ha mandato a picco il Paese e per la brutale, offensiva indifferenza a cui ha voluto abituarci, lo abbia fatto correre come un diretto verso il suo obiettivo di denuncia, a costo di lasciare un personaggio per strada. Il capitale umano che dà il titolo al film non è solo il riferimento al misero conteggio con cui viene risarcita la famiglia del cameriere gettato fuori strada senza attenzione, né rispetto, ma un termine beffardo rapportato alla miseria a cui hanno voluto ridurre l’esistenza stessa e il vivere civile, sviliti e calpestati perchè il denaro potesse dare corso alla sua occupazione territoriale. Stupendi tutti gli attori, che, pur conosciutissimi, sono ancora in grado di darci un’inquietudine in più, uno sgomento imprevisto, un’ombra inaspettata che lascia senza fiato ma che ci regala una convinzione: il cinema italiano c’è, ci sono i registi e le storie, ci sono gli attori, riaffiora lo smalto di quella cinematografia che ci ha reso un tempo rispettati, quella fantasia del recitare, quella voglia di approfondimento di temi e idee ricchi di interesse e attualità. Non dobbiamo lasciarci scappare questo momento, dobbiamo crederci, tutti. Fabrizio Moresco APES REVOLUTION – IL PIANETA DELLE SCIMMIE (Dawn of the Planet of the Apes) Stati Uniti, 2014 Regia: Matt Reeves Produzione: Rick Jaffa, Amanda Silver, Peter Chernin, Dylan Clark per Chernin Entertainment Distribuzione: 20th Century Fox Italia Prima: (Roma 30-7-2014; Milano 30-7-2014) Soggetto: al romanzo “Il pianeta delle scimmie” di Pierre Boulle Sceneggiatura: Mark Bomback, Rick Jaffa, Amanda Silver Direttore della fotografia: Michael Seresin Montaggio: William Hoy, Stan Salfas Musiche: Michael Giacchino Scenografia: James Chinlund Costumi: Melissa Bruning Effetti: Joe Letteri Interpreti: Andy Serkis (Caesar), Jason Clarke (Malcolm), Gary Oldman (Dreyfus), Keri Russell (Ellie), Toby Kebbell (Koba), Kodi Smit-McPhee (Alexander), Kevin Rankin (McVeigh), Kirk Acevedo (Carver), Keir O›Donnell (Finney), Judy Greer (Cornelia), Scott Lang (Luca), Al Vicente (Manone), Lombardo Boyar (Terry), Karin Konoval (Maurice), Larramie Doc Shaw (Ash), Nick Thurston (River), Lee Ross (Grey) Durata: 133’ 8 Film 1 0 anni dopo gli eventi raccontati nel film precedente, la popolazione umana ha subito perdite tremende a causa del rilascio del virus T-113, progettato per curare la malattia di Alzheimer, ma rivelatosi un medicinale mortale per l’uomo e capace di aumentare l’intelligenza delle scimmie. In questo desolato e distopico futuro, lo scimpanzé evoluto Cesare è riuscito a liberare e a riunire gli altri membri della sua specie, organizzando in una colonia nella foresta. Un giorno, mentre Occhi Blu, figlio di Cesare e Cornelia, e Ash, il figlio dello scimpanzé ex-maschio alfa Rocket, si muovono per il bosco, incontrano un essere umano. L’uomo, Carver, viene preso dal panico e spara ad Ash, ferendolo, per poi chiamare il resto del suo gruppo, guidato dallo studioso Malcolm, mentre Occhi Blu grida aiuto alle scimmie. Il piccolo gruppo di sopravvissuti viene circondato dalle scimmie furiose, ma Cesare le trattiene e si limita a ordinare al gruppo di Malcolm di andarsene dal suo territorio, così gli umani se ne tornano nella fortezza dei sopravvissuti al T-113, situata nelle rovine di San Francisco. Koba, il bonobo sfregiato che nutre rancore verso gli umani per gli esperimenti ai quali lo hanno sottoposto, suggerisce a Cesare di recarsi a San Francisco per dare un ultimatum ai sopravvissuti. Così il giorno seguente l’esercito di scimmie si presenta alle porte della fortezza degli umani, dalla quale esce fuori Malcolm; Cesare stabilisce severamente che nessun umano deve osare avvicinarsi al suo branco ed è disposto a combattere se necessario. Nonostante il timore tra i sopravvissuti, scaturito dal minaccioso messaggio dello scimpanzé, Malcolm riesce a convincere Dreyfus, il leader della fortezza, di permettergli di recarsi nella foresta per tre giorni nel tentativo di stabilire un rapporto pacifico con il popolo delle scimmie, anche perché la colonia di Cesare si trova vicino a una diga dalla quale possono ottenere energia elettrica per la città. Pur non fidandosi delle scimmie, Dreyfus permette a Malcolm di compiere la sua ricerca, ordinandogli però di essere accompagnato da un gruppo di uomini armati. Gli uomini di Dreyfus, con suo figlio Alexander e dalla sua nuova moglie Ellie, Malcolm raggiunge la foresta di sequoie e decide di proseguire da solo per evitare scontri. Ben presto Malcolm si lascia catturare da un gruppo di gorilla che lo conducono dinanzi a Cesare, il quale permette a lui e al suo gruppo di compiere le riparazioni della diga purché non facciano uso di armi. Gradualmente la tensione reciproca di entrambe le parti si placa, ma la fiducia si ferma a un punto morto Tutti i film della stagione quando Carver minaccia il nuovo figlio neonato di Cesare con un’arma nascosta. Lo scimpanzé si sbarazza del fucile e prova di nuovo rabbia verso gli umani, ma poi perdona il gruppo di Malcolm quando Ellie cura Cornelia, la sua compagna, da una malattia, somministrandole degli antibiotici. Nel frattempo, all’insaputa di Cesare, Koba si è messo a spiare gli umani a San Francisco e, in seguito, torna nella colonia accusando Cesare di nutrire più fiducia negli uomini che nelle scimmie. Furioso, Cesare si avventa su Koba e cerca di strangolarlo, ma poi si ferma, risparmiandolo, ricordandosi il proprio codice morale per cui “scimmia non uccide scimmia”. Malcolm e gli uomini conducono le riparazioni della diga e la rimettono in funzione, riportando l’elettricità a San Francisco. Durante i festeggiamenti, però, Koba, che non è in totale accordo, torna di nascosto nella fortezza dei sopravvissuti dove ruba delle armi da fuoco, dopo aver ucciso due guardie. Tornato nella foresta di sequoie, Koba uccide Carver e gli ruba l’accendino. Senza essere visto da nessuno, Koba fa cadere Cesare sparandogli, apparentemente uccidendolo, per poi incendiare la colonia delle scimmie con l’accendino di Carver. In questo modo, Koba incolpa gli umani della morte di Cesare e dell’incendio, prende quindi il comando e dichiara guerra ai sopravvissuti di San Francisco. Mentre il gruppo di Malcolm cerca di mettersi in salvo, Koba sferra un terribile attacco alla fortezza degli umani e vince compiendo una strage usando le armi da fuoco. Mentre Dreyfus si rifugia nei sotterranei, gli umani rimasti vivi vengono imprigionati come animali. Quando Ash si rifiuta di uccidere due persone citando gli insegnamenti di Cesare, Koba lo uccide senza pietà e ordina di ingabbiare tutti coloro rimasti fedeli a Cesare, tra i quali l’orangotango Maurice. Nel frattempo il gruppo di Malcolm trova Cesare ferito gravemente e decide di portarlo a San Francisco; in città la scimmia chiede di essere condotto alla sua vecchia abitazione in periferia, dove è stato cresciuto dal defunto Will Rodman. Mentre viene medicato, Cesare dice ad Occhi Blu che è stato Koba ad avergli sparato, rendendosi anche conto che le scimmie non sono migliori degli umani. Desideroso di voler riparare agli errori commessi, Occhi Blu libera Maurice e le altre scimmie ingabbiate che a loro volta liberano gli umani prigionieri. In seguito, Cesare e i suoi seguaci pianificano di combattere l’esercito di Koba nella torre della fortezza dei sopravvissuti. Dopo aver condotto le scimmie sotto il palazzo attraverso la metropolitana, Malcolm va incontro a 9 Dreyfus, il quale è riuscito a stabilire un contatto radio con un altro insediamento di sopravvissuti a Nord che sta venendo per aiutarli a respingere le scimmie. Mentre Cesare e Koba si combattono in uno scontro corpo a corpo all’ultimo sangue, Malcolm non riesce a impedire a Dreyfus di detonare delle cariche di esplosivo C-4 ai piedi della torre. Nell’esplosione Dreyfus muore e parte della torre crolla. Al vertice del palazzo decadente, Cesare riesce a dominare Koba sporgendolo nel vuoto, e il bonobo cerca di salvarsi ricordando a Cesare la sua stessa legge. Di tutta risposta Cesare gli ribatte che non lo considera più una scimmia e così molla la presa lasciando precipitare Koba dalla torre, uccidendolo.Malcolm raggiunge Cesare e lo informa che stanno arrivando i rinforzi militari degli umani. Cesare dice a Malcom che gli esseri umani non perdoneranno mai le scimmie per il loro attacco e gli consiglia di trovare un posto sicuro per lui e per la sua famiglia prima che la guerra abbia inizio. Nel finale, mentre Malcom si ritira nell’ombra, le scimmie si prostrano alla famiglia di Cesare. pico e avvincente. Non lo si potrebbe descrivere meglio di così, con queste due semplici parole. Apes Revolution – Il pianeta delle scimmie non è solo un film di fantascienza, ma anche una parabola discendente del genere umano, un piccolo affresco sul rapporto padre – figlio, un racconto elaborato sull’odio e il rancore. La sceneggiatura va ben oltre i semplici generi dello sci – fi e dell’action; è ben strutturata, calibrata e regala un film adrenalinico dal ritmo avvincente e con sequenze di guerra alternate a momenti riflessivi e ricchi di sentimenti e, per di più, senza mai cadere in sciocchi pietismi. I personaggi sono ben scritti, coerenti nel loro agire e mai banali. Il dualismo che si innesca tra Cesare, il capo delle scimmie, e Malcolm, una sorta di negoziatore fra le due razze, è il motore della storia: senza la loro reciproca fiducia e la crescente stima che li lega, non avverrebbe niente di tutto ciò che accade nel film. I punti in comune tra i due sono palesi: la paura per la fine della propria razza, il senso di protezione verso la famiglia e il desiderio che tra umani e scimmie possa esserci pace e collaborazione. Purtroppo, come afferma Cesare “l’essere umano non perdona” e questo enorme difetto dell’umanità porterà a una guerra sanguinosa. Tra tutti i personaggi del film, quello che più resta impresso e che più colpisce in quanto a meticolosa costruzione, è proprio Cesare: carismatico e forte, E Film un vero leader onesto e compassionevole, ma non per questo meno duro, o che non sia in grado di dispensare punizioni e ordini. Come opposto dell’ALpha c’è Koba, altro personaggio ben riuscito. In Koba prevale l’odio e il rancore e non c’è spazio per il perdono o la compassione; talmente forte il suo bisogno di vendetta, che è pronto a sacrificare tutta la sua razza, persino il suo leader, per portare a compimento il suo volere. In tal senso, Cesare e Koba ricordano molto altri due personaggi della fortunata saga degli X Men: rispettivamente Xavier e Magneto. Come i due mutanti, anche le due scimmie hanno iniziato a combattere insieme e si sono spalleggiati per lungo tempo, ma Tutti i film della stagione le diverse esperienze legate ai rapporti col genere umano, li conducono in due strade diverse: pace e risentimento. Il film affronta anche in maniera impeccabile i concetti di paura e odio che si contrappongono a quello di perdono: se accecati dal bisogno di vendetta si giunge solo alla morte, mentre se si cerca il dialogo si può collaborare e coesistere. E tutto questo da parte di entrambe le razze; perché come le scimmie hanno Koba, gli esseri umani hanno Carver e Dreyfus, in un gioco di equilibri tra reciproco razzismo e bisogno di trovare una via di pace. Altrimenti detto, nessuna razza è esente da alcun sentimento e in ogni razza vi sono buoni e cattivi. Altro aspetto da non sottovalutare è la decadenza del genere umano, intesa non solo come estinzione, ma soprattutto come discesa nell’amoralità. Nel film è estremamente evidente che l’uomo è, e sarà, la causa principale della propria fine: che sia un virus creato in laboratorio, i propri sentimenti, l’uso smodato delle risorse naturali e la relativa mancanza di rispetto verso la Terra: niente potrà salvarlo dall’autodistruzione. Tutto questo poggia, poi, su un poderoso sistema di effetti speciali che non disturba mai la visione del film, ma, anzi, esalta la magnificenza delle scimmie e la spaventosa bellezza di una Terra che è di nuovo preda della natura selvaggia. Utilizzando la stessa tecnica di Avatar, con in più degli evidenti miglioramenti nella risoluzione digitale, Cesare e Koba sembrano scimmie in carne e ossa, con tanto di espressioni umane. In tal senso il particolare degli occhi di Cesare che aprono e chiudono il film sono emblematici: prima tenaci per la caccia alle antilopi, poi pieni di paura e consapevolezza per l’inizio della guerra. Gli attori Gary Oldman (Dreyfus), Andy Serkis (Cesare), Jason Clarke (Malcolm) e Toby Kebbell (Koba) ci regalano tutti un’ottima prova attoriale andando così a completare un già ottimo lungometraggio. In conclusione, Apes Revolution – Il pianeta delle scimmie è uno dei migliori film dell’anno. Elena Mandolini MAZE RUNNER – IL LABIRINTO (The Maze Runner) Stati Uniti, 2014 Regia: Wes Ball Produzione: 20th Century Fox, Gotham Group Distribuzione: 20th Century Fox Italy Prima: (Roma 8-10-2014; Milano 8-10-2014) V.M.14 Soggetto: dal romanzo “Il labirinto” di James Dashner Sceneggiatura: Noah Oppenheim, Grant Pierce Myers, T.S. Nowlin Direttore della fotografia: Enrique Chediak Montaggio: Dan Zimmerman Musiche: John Paesano T homas si risveglia in un ascensore; con lui ci sono dei contenitori con cibo e quant’altro contrassegnati con la dicitura WCKD. Quando l’ascensore raggiunge la cima, la porta si apre sopra di lui e si ritrova davanti un gruppo di ragazzi della sua stessa età. Non ricorda niente, solo il suo nome di battesimo. Impaurito decide di fuggire, ma si ferma quando si accorge che è in Scenografia: Marc Fisichella Costumi: Christine Bieselin Clark Interpreti: Dylan O’Brien (Thomas), Kaya Scodelario (Teresa),Thomas Sangster (Newt), Will Poulter (Gally), Patricia Clarkson (Ava Paige), Aml Ameen (Alby), Ki Hong Lee (Minho), Blake Cooper (Chuck), Dexter Darden (Frypan), Chris Sheffield (Ben), Jacob Latimore (Jeff), Alexander Flores (Winston), Randall Cunningham (Clint), Dylan Gaspard (Glader) Durata: 113’ una piccola radura circondata da enormi mura. Il leader del gruppo, Alby e il suo consigliere Newt spiegano la situazione a Thomas. Una volta al mese l’ascensore arriva alla superficie con i rifornimenti e un nuovo ragazzo. Il loro gruppo vive nella cosiddetta radura, circondata da queste mura altissime. Nessuno di loro riesce a ricordare nulla del loro passato, o perché sono stati mandati lì; a ogni 10 ragazzo viene dato un lavoro diverso. Alcuni sono costruttori, alcuni si dedicano all’agricoltura e altri sono velocisti e hanno il compito più importante di tutti: devono trovare una via d’uscita mappando il labirinto che circonda la radura. Infatti, tutti i giorni una porta delle alte mura si apre, consentendo ai velocisti di mappare il labirinto che, ogni notte, cambia aspetto. Inoltre, i velocisti devono Film uscire dal labirinto prima che si richiuda, perché di notte escono i Dolenti, strani ragni robotici che uccidono i ragazzi o, peggio ancora, li infettano con strani pungiglioni, facendoli impazzire. Thomas assiste alla trasformazione in folle di un ragazzo, Ben, proprio il primo giorno che si trova alla radura. Alby e gli altri sono costretti a esiliare Ben all’interno del labirinto, condannandolo a morte certa. Alby è stato il primo ragazzo ad arrivare nella radura. Nessuno sa perché sono lì. Thomas inizia a entrare nel gruppo e comincia a far amicizia con Alby, Newt e il piccolo e paffuto Chuck; l’unico con cui non riesca a socializzare è il violento Gally che, fin da subito, vede in Thomas solo una minaccia per l’equilibrio del loro gruppo. Tutte le notti Thomas ha un incubo pieno di immagini fugaci, tra cui spiccano quelle di un laboratorio, una ragazza mora e una donna bionda che dice solo: “Wicked è buono.” Il giorno successivo, Alby assieme a Minho, capo dei velocisti, vanno nel labirinto, facendo il percorso di Ben e scoprire cosa succede: infatti non era mai capitato che un dolente attaccasse di giorno. La notte si avvicina e i ragazzi non sono ancora tornati. Tutti si riuniscono intorno all’ingresso del labirinto. Proprio mentre le porte stanno per chiudersi, si vede Minho, capo dei velocisti, che cerca di trascinare Alby, ferito gravemente, fuori dal labirinto. Thomas si precipita nel labirinto di aiutarli, ma la porta si chiude dietro di lui. Minho e Thomas nascondono Alby in un luogo sicuro e Thomas riesce persino a uccidere un dolente tra due mura del labirinto in movimento. Il giorno successivo Gally chiede una riunione per punire Thomas in quanto ha infranto le regole della radura. Minho e Newt sostengono, invece, di far diventare Thomas un velocista. Mentre è in corso una discussione in merito, l’ascensore si attiva nuovamente. All’interno sono presenti materiali di consumo e una giovane ragazza che fa il nome di Thomas e poi sviene. Newt nella sua mano trova un foglio di carta che dice: Lei sarà l’ultima di voi. Un gruppo di ragazzi, con Thomas e Minho al comando, tornano nel labirinto, per recuperare la carcassa del dolente: all’interno trovano uno strano dispositivo con un display elettronico col numero 7 e la scritta WCKD. I ragazzi si rendono conto che chi li rifornisce ogni mese e che manda i ragazzi nella radura è anche il creatore dei dolenti. Minho mostra a Thomas una mappa del labirinto: è già stato mappato tutto e non sono mai riusciti a trovare l’uscita. Inoltre, ci sono diverse sezioni esterne che si aprono ogni Tutti i film della stagione giorno e ogni sezione esterna è numerata: la sera prima, la sezione 7 era aperta. La ragazza, che si chiama Teresa, si sveglia e l’unica persona con cui vuole parlare è Thomas. Lei gli dice che si ricorda di Thomas e, proprio come lui, ricorda la donna bionda e la frase “Wicked è buono.”; inoltre Teresa ha trovato due siringhe nella sua tasca con la scritta WCKD. Thomas si lega ancora di più a Chuck, ma Alby ancora non si risveglia. La mattina dopo Thomas e Minho vanno nel labirinto e con loro portano il dispositivo preso dal dolente; proprio il dispositivo li guida, come fosse un moderno navigatore, in una nuova sezione che Minho non ha mai visto. Minho è anche preoccupato del fatto che tutte le sezioni esterne del labirinto sembrano essere aperte. Si arriva a una vasta area contrassegnata dalla sigla WCKD e che finisce in un vicolo cieco, ma il dispositivo vira dal rosso al verde e si apre un nuovo percorso. Questo sentiero conduce a quello che sembra una sorta di tunnel fognario. I bordi del tunnel hanno la stessa melma che secernono i dolenti. Improvvisamente, il labirinto si anima e le sezioni cominciano a chiudersi: i due tornano giusto in tempo all’interno della radura. Thomas decide di utilizzare una delle siringhe di Teresa su Alby, che si riprende: è sconvolto e dice che si ricorda tutto quanto e di come Thomas era il preferito degli scienziati che li hanno portati nella radura. Improvvisamente tutte le porte si aprono e i dolenti entrano nella radura uccidendo tanti ragazzi e distrugge il loro villaggio. Alby si sacrifica per salvare Thomas e, poco prima di morire, gli affida il gruppo di ragazzi e gli dice di portarli via di lì. Thomas, avendo capito che Alby ha ricordato tutto dopo la puntura del dolente e dopo il siero portato da Teresa, decide di farsi pungere e poi si somministra l’antidoto e così ricorda: il labirinto non è una prigione, è una prova; vede tutti gli altri ragazzi in tubi di incubazione. Molti di loro sono in preda al panico; vede anche se stesso nelle vesti di scienziato insieme a Teresa. Gally è furioso e si autoproclama nuovo capo del gruppo e decide di esiliare Thomas e Teresa nel labirinto, ma Thomas si difende dicendo che non potranno restare lì per sempre e che è meglio morire rischiando di trovare una via di fuga piuttosto che restare alla radura. Chuck, Minho e diversi ragazzi decidono di seguire Thomas e Teresa; pochi restano alla radura con Gally.Il gruppo arriva di fronte all’ingresso che avevano trovato precedentemente Minho e Thomas; i dolenti li attaccano e in molti muoiono, ma riescono ad aprire 11 la porta grazie alla combinazione trovata da Minho su suggerimento di Thomas. I ragazzi entrano e si ritrovano in corridoio che li conduce in un laboratorio, dove trovano militari e scienziati morti a seguito di una sparatoria. Thomas attiva un video in cui Ava Paige, la donna bionda dei sogni di Thomas, il capo degli scienziati, spiega ai ragazzi la verità: c’è stata una devastazione globale e successivamente si è diffusa una piaga che infetta il cervello umano facendolo impazzire (lo stesso effetto della puntura dei dolenti); lei fa parte del controverso gruppo WCKD che li hanno sottoposti a dei test e loro sono una nuova generazione da cui sperano di trovare una cura; infine dice che è contenta che hanno superato la prima prova e ricorda loro che Wicked è buono, poi si spara in testa. Si apre una porta che conduce all’esterno. Prima che possano uscire, Gally si presenta di fronte loro: è sconvolto e ha una pistola in mano. Sta per uccidere Thomas, ma Chuck si mette tra loro e viene mortalmente colpito. Thomas si dispera e Minho uccide Gally. Un gruppo di militari entra nel laboratorio e porta i ragazzi in salvo su di un elicottero: il mondo è completamente distrutto e sembra un immenso deserto da cui sbucano i resti di vecchi palazzi. Nel colpo di scena finale, ci viene mostrato che gli scienziati e i militari del video sono ancora vivi, compresa Eva Paige che si rivolge al suo team dicendo che è molto fiera di quanti siano sopravvissuti al labirinto, di quanto Thomas la stia stupendo e che finalmente può cominciare la fase due. aze Runner – Il labirinto rientra nel filone ya (young adult – giovani adulti) che sta appassionando anche il pubblico più grande; basti pensare al successo di Hunger Games e il riuscitissimo Divergent. Come appeal e suspense, il film di Wes Ball si accosta molto a Divergent, superando di gran lunga i film con Jennifer Lawrence. Questo claustrofobico labirinto, al dire il vero ancora più inquietante, rende questo gruppo di ragazzi isolati esattamente come la piccola popolazione di The Village di Shyamalan e li rende più adulti e obbligati a ricreare una loro società autonoma come nel Il Signore delle mosche, che non è esente da lotte di potere e invidie. L’inizio alla The Saw e questo senso di smarrimento e di ansia accrescono ancora di più quando si cominciano a comprendere le regole di questa Società e i meccanismi del Labirinto, che richiamano alla memoria il portentoso e ansiogeno The Cube, con mura che si M Film muovono e cambiano posizione proprio come nel film del 1997. Insomma tante le citazioni e i rimandi ad altre opere, ma non per questo il film perde di freschezza e, anzi, si resta incollati allo schermo fino al portentoso colpo di scena finale. Buona la Tutti i film della stagione colonna sonora che cresce fino a toccare il suo culmine negli ultimi minuti. Bravo il giovane Dylan O’Brien (Thomas) e Kaya Scodelario. Se Twilight aveva sdoganato i film tratti da libri urban fantasy per giovani e Hunger Games ha dato una sferzata notevole al genere distopico, allora con Divergent si cresce di tensione e livello, mentre Maze Runner ne è il giusto proseguo. Chissà cosa ci regalerà il prossimo. Elena Mandolini ANNABELLE (Annabelle) Stati Uniti, 2014 Regia: John R. Leonetti Produzione: Peter Safran, James Wan per Evergreen Media Group, New Line Cinema Distribuzione: Warner Bros. Entertainment Italia Prima: (Roma 2-10-2014; Milano 2-10-2014) V.M.: 14 Soggetto e Sceneggiatura: Gary Dauberman Direttore della fotografia: James Kniest Montaggio: Tom Elkins Musiche: Joseph Bishara Scenografia: Bob Ziembicki l film inizia con la stessa scena del film The Conjuring – L’evocazione, in cui due giovani donne e un uomo giovane stanno raccontano a Ed e Lorraine Warren la loro esperienza con la bambola che credono essere posseduta da uno spirito maligno: Annabelle. Un anno prima, nel 1970, John e Mia Gordon sono in attesa della loro prima figlia. In chiesa, la coppia parla con i loro vicini, gli Higgins, che sono in crisi da quando la loro figlia adolescente Annabelle è scappata di casa e si è unita a una banda di hippy. Intanto John regala a Mia una bambola vestita di bianco che ha cercato a lungo senza mai trovarla in nessun negozio: Mia decide di metterla con il resto delle sue bambole. Di notte, gli Higgins vengono uccisi brutalmente da Annabelle e dal suo compagno, che si rivelano essere due satanisti. Mia, sentendo le urla, sveglia il marito che corre a vedere cosa stia accadendo. Intanto Mia viene attaccata dal compagno di Annabelle che tiene in braccio la bambola di Mia. John arriva giusto in tempo per salvare la moglie, ma viene ferito dalla coppia omicida; fortunatamente la polizia arriva e spara all’uomo uccidendolo, mentre la donna si uccide in un’altra stanza. Prima di morire, Annabelle ha disegnato uno strano simbolo col suo sangue sul muro: una goccia del suo sangue cade sul volto della bambola e affonda nel suo occhio. A seguito dell’attacco, Mia sta bene, ma ha comunque subito danni alla placenta, per cui dovrà rimanere a letto per il resto della sua gravidanza. Mia chiede a John di buttare via la bambola. Dopo strani I Costumi: Janet Stirner Ingram Effetti: Arthur J. Codron Interpreti: Annabelle Wallis (Mia Form), Ward Horton (John Form), Alfre Woodard (Evelyn), Kerry O›Malley (Sharon Higgins), Brian Howe (Pete Higgins), Tony Amendola (Padre Perez), Eric Ladin (Detective Clarkin), Ivar Brogger (Dott. Burgher), Shiloh Nelson (Bambina), Geoff Wehner (Vicino), Sasha Sheldon (Infermiera), Robin Pearson Rose (Madre), Keira Daniels (Annabelle Higgins giovane), Gabriel Bateman (Bambino) Durata: 90’ incidenti che accadono in casa e dopo che improvvisamente l’abitazione prende fuoco a seguito di un fatto misterioso, Mia finisce in ospedale. John, che lavora presso l’ospedale, corre per trovare Mia. Lei è illesa e, per di più, ha dato alla luce una bambina sana. Decidono di chiamarla Lea. La famiglia si trasferisce in un nuovo appartamento poiché Mia ha paura di tornare a casa. Mia spacchetta le sue bambole e trova la bambola-Annabella in uno scatolone e decide di tenerla come simbolo del superamento del trauma. Come previsto, l’attività paranormale ricomincia affliggendo Mia e Lea. Mia decide allora di contattare il detective che si occupa del caso degli Higgins, il quale le dice che i due assassini facevano parte del culto chiamato “I discepoli dell’ariete” e che come simbolo hanno proprio quello che Annabelle aveva scritto col sangue prima di morire. Mia decide di andare in una libreria gestita da una donna di nome Evelyn, conosciuta appena trasferitasi, e che le da un libro intitolato “ll benvenuto del Diavolo”. Da questo, Mia capisce che la presenza che la tormenta vuole un’anima, quella di Lea. La coppia decide, allora, di parlarne con il loro sacerdote, Padre Perez che porta via la bambola - Annabelle con lui in chiesa. Il fantasma di Annabelle, insieme a una creatura demoniaca, seguono il prete. Perez entra in chiesa, ma viene balzato indietro da una forza potente che lo getta a terra. Egli è ferito gravemente e il fantasma gli strappa la bambola. John va a trovare Perez in ospedale, mentre Mia si incontra con Evelyn. Evelyn dice a Mia che aveva una 12 figlia di nome Ruby che aveva circa l’età di Mia quando è morta: Ruby è morto in un incidente d’auto causato da Evelyn. Lei era così sconvolta che ha tentato il suicidio tagliandosi le vene. Tuttavia, lei sostiene di aver sentito la voce di Ruby che le ha detto che non era il suo tempo, perché aveva un compito da assolvere. Perez avverte John che si trattava effettivamente dello spirito di Annabelle che li sta tormentando e che vuole un’anima, quella di Mia, facendo leva sulla figlia Lea: infatti un’anima deve essere donata spontaneamente, non può essere presa con la forza. John si precipita ad avvertire Mia. La presenza demoniaca ossessiona Mia e Evelyn. Spinge Evelyn fuori dell’appartamento e schernisce Mia. Il demone impossessatosi della bambola rapisce Lea e dice a Mia che vuole la sua anima in cambio di quella di Lea. Mia sta per gettarsi dalla finestra con in mano la bambola, ma John ed Evelyn la bloccano in tempo. Evelyn capisce che il compito di cui le ha parlato l’anima della figlia Ruby, era proprio aiutare Mia. Prende la bambola e si getta nel vuoto. John e Mia piangono Evelyn ma abbracciano la loro figlia. Sei mesi più tardi, Mia e John si sono trasferiti di nuovo e da allora non hanno più visto la bambola - Annabelle. Altrove, una donna (la madre di una delle ragazze del prequel), entra in un negozio alla ricerca di un regalo per sua figlia. Poi ha visto una bambola, un oggetto da collezione: è la bambola Annabelle. Il film si chiude su una frase: la bambola Annabelle risiede al sicuro nel piccolo museo di Ed e Lorraine Warren e che viene benedetta da Film un sacerdote due volte al mese. C’è anche una citazione da Lorraine Warren che dice che il male è reale e anche se siamo in grado di contenerlo, non potremo mai sbarazzarcene sul serio. in dall’antichità, i bambini hanno sempre coccolato le bambole, che sono state venerate dai popoli primitivi, e invocate come strumenti magici nel bene e nel male. Dall’incipit del film capiamo subito che Annabelle, spin-off (o prequel, che dir si voglia) di L’evocazione – The Conjuring, smussa, esattamente come la pellicola di cui si propone di raccontare le origini, quegli angoli del genere horror appartenenti alla sfera dell’intimità, tra case infestate, allucinazioni familiari, oggetti mistificati e S Tutti i film della stagione demoni alla ricerca di anime innocenti da sacrificare, servendosi di una lunghissima tradizione - si leggono, tra le righe e non, tanti piccoli richiami alla categoria, da Rosemary’s Baby a L’esorcista, passando per La bambola assassina fino ai più recenti lavori di James Wan - per ammaliare senza mezzi termini lo spettatore, generando lo spavento non per mezzo del suono o degli effetti speciali, ma grazie alla costruzione degli ambienti e ai movimenti di macchina. Nonostante la sceneggiatura di Gary Dauberman penalizzi più volte lo sviluppo del racconto, John R. Leonetti (che di L’evocazione aveva curato la splendida fotografia), esattamente come papà Wan (regista del film del 2013, che qui compare nelle vesti di produttore), si rivela bravino nel costruire la tensione e nel tenere incollato il pubblico alla sedia senza farli venire voglia di scappare, riuscendo a suscitare clamore – nonostante il finale sottotono – anche dopo lo scorrere dei titoli di coda. L’assenza di James Wan dietro la macchina da presa, comunque, si sente eccome. Non basta indugiare sull’espressione disturbante della bambola Annabelle - un finto sorriso dietro al quale si nasconde un’espressione malefica -; quando lo si fa, serve anche una sceneggiatura solida e inquietante. Che non c’è. Annabelle non è sconvolgente, ma è comunque una pellicola capace di trasformare una palese mancanza di originalità in una piacevole raccolta del meglio dell’horror degli ultimi trent’anni. Elena Mandolini COMPORTAMENTI MOLTO…CATTIVI! (Behaving Badly) Stati Uniti, 2014 Regia: Tim Garrick Produzione: Mad Chance, Starboard Entertainment Distribuzione: Adler Entertainment Prima: (Roma 4-9-2014; Milano 4-9-2014) Soggetto: dall’autobiografia “While I’m Dead... Feed the Dog” di Ric Browde Sceneggiatura: Tim Garrick, Scott Russell Direttore della fotografia: Mathew Rudenberg Montaggio: Matt Friedman Musiche: David Newman Scenografia: Gabor Norman Costumi: Francine Jamison-Tanchuck Interpreti: Selena Gomez (Nina Pennington), Nat Wolff (Rick Stevens), Heather Graham (Annette Stratton-Osborne), Mary-Louise Parker (Lucy Stevens/Saint Lola), Elisabeth R ick, goffo adolescente con una famiglia problematica, è innamorato di Nina, la più carina della scuola. Un giorno un suo compagno di classe lo sfida a conquistarla, se non ci riuscirà dovrà pagargli mille dollari. Il ragazzo, nel tentativo di riuscire nell’impresa, si caccia in guai sempre più grossi fino ad arrivare a immischiarsi con la mafia locale. Nella sua escalation di imprese infelici, però, coinvolge tutti inclusa la sua famiglia e Nina che si ritrovano inopinatamente in prigione. Sua madre sotto choc tenta il suicidio e finisce in ospedale. Rick, consapevole del disastro che ha combinato cerca in tutti i modi di riparare ai danni fatti. Ci riesce e conquista anche il cuore della bella Nina. Shue (Pamela Bender/Saint Poppy), Cary Elwes (Joseph Stevens), Dylan McDermott (Jimmy Leach), Jason Lee (Padre Krumins), Austin Stowell (Kevin Carpenter), Gary Busey (Howard D. Lansing), Jason Acuna (Brian Savage), Danielle Burgio (Tina Johnson), Dimiter D. Marinov (Mantas Bartuska), Greg Vrotsos (Darius), Jennifer R. Blake (Janice), KatherineClark Neff (Zoe), Christopher Ashe (Nipsy Russell), Jack Dimich (Vitolda), Irene Roseen (Suor Marie Therese Francine Dubois), Charles C. Stevenson Jr. (Sig. Apgar), Gil McKinney (Agente Joe Tackett), Scott Evans (Ronnie Watt), Mitch Hewer (Steven Stevens), Nate Hartley (Karlis Malinauskas), Rusty Joiner (Keith Bender), Patrick Warburton (Preside Basil Poole), Ashley Rickards (Kristen Stevens/Porno Star), Lachlan Buchanan (Billy Bender), Mercy Malick (Cherysh) Durata: 97’ omportamenti..molto cattivi, tratto dal romanzo autobiografico While I’m dead feed the dog di Ric Browde, è uno di quei film che si ricorda per molto tempo tale e tanta è la bruttezza. In patria non è uscito neanche al cinema e lo stesso Browde lo ha pubblicamente disconosciuto, ma noi in Italia siamo più forti del pregiudizio e invece di distribuire pellicole dal riconosciuto valore internazionale puntiamo su questi “gioiellini” trash inadatti perfino a un pubblico adolescenziale. E sì perché il tempo di American Pie è finito da un pezzo! Con internet e l’iperproduzione di stimoli, non basta una signora avvenente (o come si dice in gergo una milf) per scatenare la fantasia dei più giovani. Ci vuole ben altro e sicuramente C 13 non va ricercato nella trasgressione stile anni 80/90. Ma non è soltanto questo, non ci sono situazioni realmente divertenti o una scrittura briosa. Tutto è estremamente sciatto e prevedibile. L’intento di denuncia di un certo tipo di mentalità americana, la base da cui partiva il libro e che avrebbe dato un minimo di spessore al film, è completamente soffocato dalla volgarità più becera. Prostituzione, pedofilia, abuso di farmaci, tutti in un allegro calderone fra frizzi, lazzi e un happy end disneyano. Un po’ troppo anche per stomaci forti. L’unico punto forte del film è la presenza di alcuni attori di discreta bravura come Mary-Louise Parker, Elizabeth Shue, Cary Elwes e Heather Graham costretti dalle magre hollywoodiane ad accettare di comparire in una pellicola così scadente. Film Ma come si dice in questi casi “finché è onesto tutto va bene”. Situazione sicuramente diversa per l’idolo delle ragazzine Selena Gomez, Tutti i film della stagione scritturata da Tim Garrick per richiamare in sala i suoi numerosi fan e fare cassa. Purtroppo, i dati miseri del botteghino non danno ragione alla scelta regista. Evidentemente i fan non sono più quelli di una volta. E anche gli idoli, in tutta onestà. Francesca Piano LA BUCA Italia, Svizzera, 2014 Regia: Daniele Ciprì Produzione: Alessandra Acciai, Giorgio Magliulo, Roberto Lombardi, Villi Hermann per Malìa, con Rai Cinema, Imago Film, RSI Radiotelevisione Svizzera, SRG SSR Distribuzione: Lucky Red Prima: (Roma 25-9-2014; Milano 25-9-2014) Soggetto e Sceneggiatura: Alessandra Acciai, Daniele Ciprì, Massimo Gaudioso, Miriam Rizzo Direttore della fotografia: Daniele Ciprì Montaggio: Giogiò Franchini Musiche: Pino Donaggio, Zeno Gabaglio Scenografia: Marco Dentici Costumi: Grazia Colombini A rmando è un povero diavolo che ha scontato incolpevole una pena lunga trent’anni. Uscito di prigione cerca conforto prima nella madre, che in seguito ad un ictus non lo riconosce più e vive con un’improbabile extracomunitario che si spaccia per suo figlio, poi nella sorella, che lo considera una persona pericolosa e lo allontana. Sconsolato si accompagna con un cane, Internazionale, che diventa causa di un incontro con il misantropo Oscar. Classico avvocato fallito, l’uomo, abituato da tempo a circuire le persone, vede cinicamente nella tragica situazione di Armando l’occasione della vita. Raggirato con una messa in scena poco credibile e poi accoltolo a casa sua, Armando viene convinto da Oscar a intentare una causa milionaria contro la Stato per risarcirsi dell’ingiustizia subita, un omicidio mai commesso. Persuaso a riscattare finalmente gli anni perduti, Armando ricostruisce le dinamiche della rapina e dell’omicidio. Intanto conosce Carmen, la barista gentile che vive davanti casa di Oscar, che, tra un sorriso, un caffè e una buona parola allieta le loro giornate. Al centro di tutto, una buca, una delle tante di quelle che si trovano in ogni città, ma in questo caso provvidenziale. Infatti da tempo è stabilito che un falso disabile, uno dei tanti clienti di Oscar, in cerca di riscatto, ci possa finire “casualmente” dentro, a causa di un autobus di linea. In un primo tempo Armando, grazie anche alle parole di Carmen, si rende conto di essere usato da Oscar. In seguito, quando l’avvocato si propone invece di aiutarlo, Effetti: Reset Vfx Interpreti: Sergio Castellitto (Oscar), Rocco Papaleo (Armando),Valeria Bruni Tedeschi (Carmen), Jacopo Cullin (Nancho), Ivan Franek (Tito),Teco Celio (Il giudice), Sonia Gessner (Signorina Monterosa), Lucia Ocone, Giovanni Esposito, Fabio Camilli,Carlo De Ruggieri, Fabrizio Falco, Barbara Chiesa, Silvana Bosi, Emmanuel Dabone, Lucia Lisboa, Valentina Bellè, Michele Nani, Elisa Di Eusanio, Gennaro Diana, Gordana Miletic, Luigi Carista, Antonietta Bello, Simone Sabani, Nino Scardina, Giovanni Antonio Ramunni, Simona Manganaro, Silvana Fallisi, Amedeo Pagani, Mauro Spitalieri, Moisè Curia, Gabriele Gattini, Jacopo Troiani, Alan Marin Durata: 90’ inizia con lui a condurre le indagini volte a provare la propria innocenza e a trovare testimoni. Nonostante le amicizie non proprio brillanti, l’uomo non aveva mai avuto problemi, fino a quella sera, quando un casuale omicidio lo aveva messo con le spalle al muro. Oscar, dietro promessa di lauta ricompensa, riesce a convincere anche la famiglia di Armando a riaccettarlo tra loro. I due amici arrivano inutilmente persino in Svizzera alla ricerca della donna di cui era innamorato Armando, che la sera della rapina era con lui e che avrebbe potuto prendere le sue parti. Il giorno della sentenza, alla presenza di un giudice poco interessato, dopo le varie testimonianze, tutto sembra remare contro il povero Armando, nonostante alla difesa ci sia proprio Oscar. Ma inaspettatamente si presenta come testimone volontario un certo “Tito”, amico di Armando, unico e vero responsabile della rapina. L’uomo, riapparso dal nulla, confessa la verità e Armando viene giudicato innocente. Tuttavia non gli viene concesso alcun indennizzo. Oscar, deluso per quella che lui percepisce come una sconfitta, allontana in malo modo Armando. L’uomo sconsolato prende le sue cose e, mentre sta per andarsene, cade proprio in quella buca davanti casa di Oscar e viene investito dall’autobus. In realtà è tutta una messa in scena, ma questa volta l’autore è Armando e senza dubbio avrà diritto ad un rimborso. D aniele Ciprì torna dietro la macchina da presa a distanza di due anni da È stato il figlio, prima opera da 14 solista, a seguito del divorzio con Franco Maresco. Ed è un Ciprì che questa volta sperimenta, prendendosi tutti i rischi e pericoli che ne conseguono. Quello che viene fuori è una pellicola a cavallo tra il grottesco e la parodia, affine a scenari che vanno verso l’onirico. Così come trasognante è la fotografia, tendenzialmente traslucida, quasi non volesse di proposito mostrarci un’immagine netta della storia in sé. Non a caso il periodo storico rappresentato è altrettanto opaco, fino a farci immaginare che le vicende del film siano in fondo sospese nel tempo: tra gli anni ’40 e degli improbabili anni ’80, ma è solo un’impressione. Tra la commedia e il giallo, il cartoon e favola, quella che viene raccontata è un’umanità cialtrona, attraverso la storia di due perdenti. In fondo un plot molto attuale. Sebbene il canovaccio sia quello della commedia, è difficile nascondere una certa insofferenza per il tema musicale che fa da sfondo pressoché all’intero film. Un brano che troppo spesso spezza il ritmo e l’atmosfera, arrivando alla vignetta, su un piano sin troppo farsesco. Ma i personaggi, prima ancora che la storia, sono più che sufficienti a descrivere gli intenti di Ciprì, votati all’effetto di straniamento e alla leggerezza, innanzitutto. Oscar e Armando legati dal medesimo destino e descritti in modo caricaturale, si sono riconosciuti l’uno nell’altro, rovine nelle rovine, entrambi con la stoffa del perdente. Azzeccagarbugli reattivo Sergio Castellitto, ingenuo e smarrito Rocco Papaleo, i personaggi costruiscono un’esemplare Film parabola dello scacco, un’epopea del fallimento. Sono entrambi perdenti. Il primo, animato da un vitalismo istrionico, rimpiange l’avvocato che probabilmente non è mai stato e si presta a improbabili esibizioni in tribunale. Il secondo, dopo aver pagato con la sua libertà per una rapina mai compiuta, attende invano che qualche vecchio amico gli offra il lavoro che gli prometteva. La vicenda si struttura intessendo continui incontri e scontri tra i protagonisti, che entrambi “cadranno” diversamente nella buca, confermando una tragicomica sconfitta. Dietro i traffici di Oscar vige l’illegalità, ma anche quell’arte di arrangiarsi e accaparrare, tipica dell’italiano; pratica comune dei ricchi come dei diseredati. Vanno avanti “i figli di”, alla ricerca di compromessi e favori, fondati sull’egoismo e gli interessi personali. Tuttavia è nella relazione fra il povero Armando e l’avvocato Oscar, e ancora nella fame che soffre il primo con il suo cane che si fa metafora della Tutti i film della stagione fedeltà e nel disperato bisogno di soldi del secondo, così come nella descrizione di una crisi economica tra i cartoni della città-Cinecittà in cui la storia è ambientata, che troviamo la verità dei sentimenti. Così i personaggi di Ciprì finiscono con il cavarsela da soli, fuori dall’aula di tribunale e dentro un’ambulanza, facendo leva su alcuni meccanismi ormai consolidati del nostro paese, dove invece di combattere realmente per far valere i propri diritti ci si compiace del contentino. E la cosa più paradossale è che a difendere Armando sia proprio l’avvocato Sergio Castellitto, la cui straordinaria eccedenza ed energia vitale, la scaltrezza e l’orgoglio, avvolgono la causa, fino a confonderne i contorni, a dissolverla in un assurdo polverone, in cui nessuno capisce più niente. Il linguaggio utilizzato passa attraverso la citazione e la sua rielaborazione poetica. Per comprenderne il senso occorre schierarsi non dalla parte della parola, oggi sopravvalutata e ostentata, ma del corpo, tipico delle marionette e dei pupi siciliani, che attraverso lo scatenamento dei movimenti, rimette in primo piano l’attore, simbolo di un racconto privo di ogni sovrastruttura. Il risultato non può che essere sopra le righe, quasi un film “in vinile”, come lo definisce il regista, ai confini del credibile. Eppure gli stilizzati Papaleo e Castellitto funzionano. Anzi, diciamo di più, sapendo di andare controcorrente, probabilmente si incastonano perfettamente nel “mondo” che Ciprì ha voluto creare. A volte certe uscite e caratteristiche dei due protagonisti sembrano eccessive, e si potrebbe dire, specie nel caso di Castellitto, che si sia calcata troppo la mano. Ma è una cosa fin troppo ricercata e voluta. Peccato solo che l’inizio del film sveli già il lieto fine; tuttavia è una soluzione che può starci nell’economia della pellicola e che soprattutto offre allo spettatore un bagliore di speranza e di allegria. Veronica Barteri TUTTO MOLTO BELLO Italia, 2014 Interpreti: Paolo Ruffini (Giuseppe), Frank Matano (Antonio),Gianluca Fubelli (Eros), Nina Senicar (Eva), Ahmed Hafiene (Emiro), Chiara Francini (Anna), Angelo Pintus (Serafino), Paolo Calabresi (Marcello), Chiara Gensini (Katia), Pupo (Se stesso), Alessandra Schiavoni (Flaminia), Simone Colombari (Marco), Michael Righini (Poliziotto biondo), Daniel Tonelli (Poliziotto nero), Enrica Guidi (Ambra), Saverio Marconi (Calogero), Jacqueline Ferry (Dolores), Anis Gharbi (Omar), Aymen Mabrouk (Mustapha), Niccolò Senni (Pizzaiolo), Lallo Circosta (Wile Coyote), Salvatore Misticone (Asterix), Nicola Di Gioia (Darth Vader), Claudia Campolongo (Pippi Calzelunghe), Antonio Fiorillo (Obelix), Simonetta Cartia (Sailor Moon) Durata: 90’ Regia: Paolo Ruffini Produzione: Maurizio Totti, Alessandro Usai per Colorado Film in collaborazione con Medusa Film Distribuzione: Medusa Prima: (Roma 9-10-2014; Milano 9-10-2014) Soggetto: Giovanni Bognetti Sceneggiatura: Giovanni Bognetti, Marco Pettenello, Guido Chiesa, Paolo Ruffini Direttore della fotografia: Federico Masiero Montaggio: Claudio Di Mauro Musiche: Claudia Campolongo Scenografia: Eugenia F. di Napoli Costumi: Cristina Audisio G iuseppe e Antonio sono due uomini completamente diversi. Giuseppe, di origini toscane, lavora alla Agenzia delle Entrate di Roma e mette il senso del dovere prima di tutto; viene costantemente osteggiato da tutta la famiglia della compagna Anna per aver inflitto una salatissima multa al padre Marcello, proprietario di un negozio di scarpe. Ad aggravare ulteriormente la situazione, nell’occasione del controllo fiscale, Giuseppe gli ha pure messo incinta la figlia. Antonio 28 anni, scanzonato, socievole e generoso, sembra vivere in un pianeta parallelo in cui avere sempre fiducia del prossimo è la cosa più naturale e ovvia. Se Giuseppe non da mai del tu a persone appena conosciute, Antonio non fa altro che affibbiargli dei nomignoli. I due si incontrano in ospedale davanti alle culle dei neonati e la vita di Giuseppe viene completamente stravolta. In primis, Antonio lo porta in una pizzeria scadente e con una pulizia praticamente assente, dove conoscono Eros un pessimo cantautore che imita Pupo, con tanto di parrucchino. Giuseppe e Antonio si ritrovano ad accompagnare Eros dalla donna che ama e a cui vuole dedicare una serenata; purtroppo Serafino, compagno di lei e uomo dalla psiche instabile, comincia a inseguirli col fucile e i tre sono costretti a fuggire. Intanto il travaglio di Anna e incominciato e la ragazza comincia a dubitare che Giusep- 15 pe torni da lei, in quanto gli aveva detto che non voleva le stesse accanto per puro dovere. Nel mentre, il gruppo di ragazzi si ritrova in una bisca clandestina, che conosce Antonio; Eros incontra Pupo e Giuseppe e Antonio vengono avvicinati da Eva la bella traduttrice di un ricco emiro. Il gruppo, a fine serata, viene rapito dalle guardie dell’emiro e vengono portati in un’isola dove vengono realizzati combattimenti tra sosia, ovvero tra uomini vestiti da personaggi di film e cartoon. Dopo una notte tra combattimenti e litigi, Giuseppe scopre che Antonio non era in ospedale in attesa di diventare padre: qualche anno prima la compagna aveva perso il bambino e il trauma li ha portati a lasciarsi; gli dice Film anche che lo avrebbero chiamato Ciro. I due, grazie all’aiuto di Eva, invaghitasi di Antonio, riescono a scappare dall’isola e arrivano proprio dopo il parto di Anna. Questo strano viaggio ha fatto capire a Giuseppe che ama Anna, che vuole una famiglia e che deve vivere la vita in maniera più rilassata. Antonio ed Eva si mettono insieme. Anna e Giuseppe chiameranno il loro bambino Ciro. piace ammetterlo, soprattutto perché si tratta di un film italiano firmato da un giovane regista, da cui si vorrebbe un innalzamento del livello S Tutti i film della stagione del nostro cinema e un ritorno al grandi fasti. Mai siamo stati più lontani di così. Tutto molto bello del toscano Paolo Ruffini è un disastro totale. Già il suo primo lavoro, Fuga di cervelli, era a un livello basso, ma qui si tocca il fondo. La comicità è assente o disastrosa e disastrata. Spesso volgare e fuori luogo, supera addirittura, in peggio, la insulsa comicità dei cine panettoni: se i film dei Vanzina strappano qualche risata, qui non si sorride neanche. La sceneggiatura è povera di dialoghi coerenti e anche la regia lascia molto a desiderare; in tal senso è lampante la sequenza della pizzeria. Molte volte sembra di assistere a sketch di cabaret di bassa lega. Lo sviluppo e la crescita del personaggio di Giuseppe sono inverosimili e privi di fondamenta, come anche l’innamoramento tra Eva e Antonio: non basta far accarezzare Antonio da Eva per far nascere una storia d’amore, qui siamo a livelli di scrittura elementare. Sono lontani i modelli che Ruffini tenta palesemente di raggiungere; uno su tutti lo strepitoso Parto col folle con Robert Downey Jr. Meraviglia il fatto che un tale film abbia anche ricevuto i finanziamenti. Che tristezza. Elena Mandolini LA TRATTATIVA Italia, 2014 Regia: Sabina Guzzanti Produzione: Valerio De Paolis, Sabina Guzzanti per Secol Superbo, Sciocco Produzioni S.R.L., Cinema S.R.L. Distribuzione: Bim Prima: (Roma 2-10-2014; Milano 2-10-2014) Soggetto: Sabina Guzzanti Sceneggiatura: Sabina Guzzanti, Giorgio Mottola (collaborazione), Costanza Scaloni (collaborazione), Clarissa Cappellani (collaborazione) Direttore della fotografia: Daniele Ciprì Montaggio: Luca Benedetti, Matteo Spigariol Musiche: Nicola Piovani Scenografia: Fabrizio Lupo Costumi: Massimo Cantini Parrini S abina Guzzanti utilizza un gruppo d’attori per far loro interpretare i personaggi e le situazioni attraverso cui si realizzò quella che è denominata “La Trattativa”: quel complesso indistricabile di accordi, ricatti, concessioni, baratti e tradimenti con cui alti esponenti delle Istituzioni avvicinarono i capi della mafia per interrompere la spirale di uccisioni e attentati che stavano dilaniando l’Italia e che toccarono il culmine con l’assassinio del giudice Borsellino e dei suoi uomini nel 1992. È Gaspare Spatuzza, pluriomicida, più volte condannato, più volte testimone falso e reticente, ora pentito di mafia, a decidere di collaborare con lo Stato (siamo nel 2008) e rivelare i nodi e gli snodi di quella trattativa che coinvolse in quegli anni ‘90 esponenti ai massimi livelli della magistratura, dei carabinieri e dell’amministrazione stessa dello Stato. “La Trattativa”, illuminata e spaginata pezzo per pezzo da Spatuzza si muove attraverso personaggi fondamentali, situazioni Effetti: Chromatica Interpreti: Enzo Lombardo (Gaspare Sptuzza/giudice/ barbiere), Sabina Guzzanti (Narratrice/Prof.ssa di Teologia/ giornalista/Berlusconi), Sabino Civilleri (Enzo Scarantino/ Massimo Ciancimino giovane), Filippo Luna (Massimo Ciancimino adulto/magistrato), Franz Cantalupo (Vito Ciancimino/poliziotto/magistrato), Michele Franco (Giancarlo Caselli/massone/magistrato/Enzo Cartotto/agente servizi), Nicola Pannelli (Colonnello Riccio/magistrato), Claudio Castrogiovanni (Luigi Ilardo/calciatore del Bacigalupo), Sergio Pierattini (Colonnello Mori), Maurizio Bologna (Marcello dell’Utri/magistrato), Ninni Bruschetta (Prof. di Teologia/PM processo dell’Utri) Durata: 104’ note e meno note, punti fissi che permettono di capire o comunque di ipotizzare al meglio quanto accaduto. Da un lato gli episodi del terrore: le stragi di Capaci e l’ucccisione di Borsellino, le bombe di Roma, Firenze e Milano, l’uccisione di Salvo Lima, il fallito attentato allo stadio Olimpico di Roma che avrebbe dovuto colpire mille carabinieri; dall’altro i protagonisti: Ciancimino padre e figlio, Riina e Provenzano, il giudice Caselli e i colonnelli del ROS Mori e Subrani, i pentiti come Spatuzza e Mutolo, i grandi manovratori politici come l’ex Ministro dell’Interno Mancino e i Presidenti della Repubblica Scalfaro e Napolitano e, naturalmente, per finire e sopra a tutti l’entrata in scena di Berlusconi, l’assistenza di Mangano, il collegamento tra Dell’Utri e le cosche mafiose. Al centro di questi due macro argomenti la svolta nodale: la cattura di Riina, ormai abbandonato dalla sua stessa gente e la ritardata perquisizione di casa sua da parte degli agenti del ROS, frutto, sembra, 16 di direttive ben precise giunte dall’alto, il cui rinvio permise che l’abitazione del capomafia fosse ripulita (addirittura ridipinte le pareti) di ogni impronta, documento o traccia che potesse permettere altre indagini e arresti eccellenti; come se l’arresto di Riina fosse un osso gettato in pasto ai cani che per il momento poteva bastare.. Non manca nulla nella trattazione di questo racconto e, in fin dei conti, tutto o quasi ci è conosciuto attraverso la stampa e i servizi televisivi; è il meccanismo scelto da Sabina Guzzanti, questo continuo alternarsi di pezzi veri e spettacolarizzati, di personaggi veri e rappresentati a rendere così didatticamente chiaro questa montagna di informazioni che vanno a occupare perfettamente la casella loro assegnata. l film, proiettato fuori concorso a Venezia 2014, nel rappresentare l’enorme mole di lavoro di Sabina Guzzanti, peraltro analizzato e verificato in ogni sua parte per evitare qualsiasi opposizione di carattere giuridico/legale ha I Film il grande merito di essere stato realizzato in una forma a cui il pubblico, pur quello informato e interessato a operazioni simili, non è abituato. Si è partiti da una organizzazione di spettacolo: la Guzzanti ha scelto una base di finzione con attori professionisti con cui ricostruire l’accaduto attraverso la “recita”; l’autrice ha poi intervallato le parti recitate con materiale di repertorio che comprende interviste (anche recenti), filmati, pezzi di telegiornali, interventi di cronaca, dove i protagonisti sono veri giudici, veri mafiosi, uomini politici, carabinieri etc. Naturalmente tutto quanto non è stato utilizzato a caso, ma ha seguito un impianto narrativo ben nitido, dettato dalla Guzzanti che, convinta dell’avvenuta trattativa, ha cercato, in questo personalissimo modo di dimostrarlo. Questo è il punto che ha reso perplessi tanti, anche quelli in buona fede, non parliamo poi di quelli in mala fede, perchè non ha permesso un’identificazione immediata e precisa in cui inquadrare il lavoro visto. È un documentario? È un film? È uno spettacolo a teatro dove tutto è finto? Forse è più adatto al piccolo schermo che al grande? Noi invece partiamo da un presupposto diverso: quello che è avvenuto, perchè anche noi pensiamo che qualcosa sia avvenuto altrimenti non sarebbe stato possibile l’incredibile concatenazione di certi eventi, non può essere visto come un elemento rientrante nella normalità della gestione di uno Stato. Dire che lo Stato e la mafia hanno condotto per un certo periodo progetti paritari perchè spinti da interessi comuni non può essere riportata da una edizione del telegiornale o da un articolo di stampa. Il pensare che il Paese Tutti i film della stagione in cui viviamo oggi sia il risultato di quella comunanza di intenti e progetti tra uno Stato che si degrada a cosca criminale e un’organizzazione criminale che si veste delle istituzioni dello Stato non può essere raccontata con la scioltezza usata per altri argomenti. È qualcosa che supera l’umano, lo metabolizza, lo trasforma, lo trasfigura in un’altra dimensione. Quest’altra dimensione è stata individuata dall’autrice come quella dello spettacolo. Quindi qualcuno uccide e un mafioso pluriassassino sostiene un esame di teologia; dei giudici danno la vita per lo Stato, per noi e saltano in aria spazzati via dalla barbarie mentre imprenditori e riccastri fanno progetti; gli alti gradi dei carabinieri dimostrano perplessità sui contatti tra Istituzioni e mafia mentre i criminali pensano a come ripulirsi attraverso un nuovo partito politico; tra tutto e su tutto ancora esplosioni, ancora morti, ancora dolore.. Tutto ciò è sublime e lascia sgomenti: la recita che rincorre la morte e da questa è a sua volta rincorsa nel delineare, quadro dopo quadro, il periodo più triste, falso e infame della nostra Repubblica. Si piange e si ride quindi, come accade sempre nella vita e come è giusto che sia nella recita, cosa che la Guzzanti conosce e manovra benissimo fino al livello pazzesco raggiunto dall’intervsita all’ex ministro Mancino che afferma di non avere mai conosciuto Borsellino pur avendogli, solo, stretto la mano: è la verità che finge con se stessa, è un ilarità amara che esplode e tracima a rendere tutto ancora più umiliante, ancora più mostruoso, nella certezza che mai saremo in grado di sapere e capire. Fabrizio Moresco UN MILIONE DI MODI PER MORIRE NEL WEST (A Million Ways to Die in the West) Stati Uniti, 2014 Regia: Seth MacFarlane Produzione: Scott Stuber, Seth MacFarlane, Jason Clark per Media Rights Capital, Rgb Media Distribuzione: Universal Pictures Intenational Italy Prima: (Roma 16-10-2014; Milano 16-10-2014) Soggetto e Sceneggiatura: Wellesley Wild, Alec Sulkin, Seth MacFarlane Direttore della fotografia: Michael Barrett Montaggio: Jeff Freeman Musiche: Joel McNeely Scenografia: Stephen J. Lineweaver Costumi: Cindy Evans Effetti: Werner Hahnlein, Blair Clark, Julian Dimsey, Iloura, Tippett Studio Interpreti: Seth MacFarlane (Albert), Charlize Theron (Anna), Amanda Seyfried (Louise), Giovanni Ribisi (Edward), Neil Patrick Harris (Foy), Sarah Silverman (Ruth), Liam Neeson (Clinch), Evan Jones (Lewis), Dennis Haskins (Montgomery), Ralph Garman (Dan), Jay Patterson (Dott. Harper), Brett Rickaby (Charlie Blanche), Johnny Bautista (Carl), Amick Byram (Marcus Thornton), Aaron McPherson (Ben), Christopher Hagen (George Stark), Colton McPherson (Michael), Christopher Lloyd (Doc Brown), Ewan McGregor (Cowboy), Wes Studi (Cochise), Alex Borstein (Millie), John Aylward (Pastore Wilson), Gilbert Gottfried (Abraham Lincoln), Jean Effron (Elsie Stark) Durata: 116’ 17 Film rizona, 1882. Albert Stark è un umile allevatore di pecore a cui va stretta la provinciale vita di Old Stump, cittadina del West. Un giorno Albert viene lasciato dalla fidanzata Louise che lo rimpiazza col ricco e piacente Foy. Nel frattempo Anna, moglie suo malgrado del famigerato bandito Clinch, è costretta a nascondersi in paese sotto mentite spoglie. Una sera, durante una rissa, Albert salva fortunosamente la vita ad Anna e così i due diventano amici. Albert le racconta della sua disastrata vita d’amore e Anna gli promette di aiutarlo a riconquistare Louise. Qualche giorno dopo, alla fiera del paese, Albert e Foy discutono animatamente e così Albert decide di sfidarlo a duello, nonostante sia tutt’altro che abile nell’uso della pistola. Nei giorni a seguire, Anna aiuta Albert a prepararsi per la sfida: i due diventano sempre più intimi. Arrivati alla sera prima del duello, la coppia d’amici va al ballo di Old Stump e qui Anna versa un lassativo nel bicchiere di Foy per debilitarlo in vista dello scontro. Successivamente Anna e Albert fanno una romantica passeggiata, che coronano con un bacio. Siamo arrivati alla mattina del duello: Foy si presenta malridotto per via del medicinale, tuttavia, sul più bello, Albert abbandona il campo di battaglia, spiegando che non è più interes- A Tutti i film della stagione sato a Louise. Frattanto però Clinch e la sua banda sono arrivati in città. Il temibile bandito ha saputo della storia tra Albert e sua moglie e vuole dunque vendicarsi. Albert scopre così della vera identità di Anna e rimane molto deluso dalle menzogne della donna. Dopo essere fuggito da Old Stump per salvarsi, viene imprigionato da una tribù indigena, con la quale fa amicizia. Per via di una visione dovuta a una droga indiana, il ragazzo comprende di amare davvero Anna e di doverla salvare. Tornato al paese, Albert sfida Clinch a duello e grazie a uno stratagemma, riesce ad avere la meglio. Anna ed Albert possono finalmente vivere il loro amore. a seconda opera scritta, prodotta e girata da Seth MacFarlane (mente del famigerato cartoon I Griffin) dopo l’enorme successo dell’ irriverente orsacchiotto Ted (2012) non è altro che una cinica, demenziale parodia del vecchio West. MacFarlane, che in questo caso è anche protagonista della pellicola, gioca sugli stereotipi dei film western e del mito americano delle riserve di fine 1800, nelle quali la vita era scandita da risse nei saloon, ricercatori d’oro, temibili banditi, duelli per salvare splendide donzelle e tanto altro ancora. In Un milione di modi per morire L nel West tutti questi elementi vengono rovesciati, mostrando come quella vita fosse tutt’altro che piacevole. Bravi e a loro agio gli interpreti (lo stesso Seth MacFarlane come protagonista, la piacente Charlize Theron, la star della serie “How I Met Your Mother” Neil Patrick Harris, il cattivo un po’ imbranato Liam Neeson e tantissime altre guest star), la pellicola alterna gag volgari e forzate, tipiche di un certo umorismo americano, a battute ciniche e sottili, strizzando quindi l’occhio sia a un pubblico più semplice e di fascia giovanile, che agli adulti che vogliono farsi qualche risata politicamente scorretta. La comicità del film si muove su due livelli: il primo, quello micro, è composto principalmente da singole battute o scatch nonsense surreali, il secondo spazia invece in maniera più ampia sulla presa in giro costante e sarcastica degli archetipi dei film western. Le due ore della pellicola sembrano esagerate per un film, nel quale la trama ha un ruolo, minore rispetto alle singole scene comiche; tuttavia Un milione di modi per morire nel West è un film onesto, che mantiene quanto aveva promesso e che quindi non deluderà gli amanti del genere. Per tutti gli altri, meglio starne lontani. Giorgio Federico Mosco COLPI DI FORTUNA Italia, 2013 Regia: Neri Parenti Produzione: Aurelio e Luigi De Laurentiis per Filmauro Distribuzione: Filmauro Prima: (Roma 19-12-2013; Milano 19-12-2013) Soggetto e Sceneggiatura: Neri Parenti, Domenico Saverni, Alessandro Bencivenni, Volfango De Blasi Direttore della fotografia: Tani Canevari Montaggio: Claudio Di Mauro Musiche: Claudio Gregori, Attilio Di Giovanni Scenografia: Giuliano Pannuti Costumi: Tatiana Romanoff Interpreti: Christian De Sica (Gabriele Brunelli), Pasquale Petrolo/Lillo (Felice Mammola), Claudio Gregori/Greg M ario e Piero sono amici e colleghi che, dopo aver miracolosamente vinto la lotteria, smarriscono il biglietto. Piero, infatti, dopo aver scoperto che la donna che ama segretamente, Barbara, è fidanzata con un altro uomo, si è ubriacato e non ricorda nulla di quello che è accaduto nel corso della nottata precedente. Mario lo accompagna per aiutarlo a ripercorrere le sue (Walter Biffi), Luca Bizzarri (Mario), Paolo Kessisoglu (Piero), Francesco Mandelli (Bernardo Fossa), Fatima Trotta (Barbara), Barbara Folchitto (Moglie di Felice), Alessandro Bressanello (Notaio), Mariano Bruno (Tassista), Raffaella Carrà (Se stessa), Pasquale Cassalia (Sicurezza), Francesco Chinchella (Ricevitore lotto), Simone Colombari (Viaggiatore), Rosario Coppolino (Controllore), Caterina Crispino (Patrizia), Antonio D’Ursi (Tipaccio), Stefano Pietro Detassis (Fenozzi), Gianni Franco (Padre di Bernardo), Daniela Piperno (Madre di Bernardo), Mariarosaria Leone (Hostess), Salvatore Morgante (Direttore fabbrica) Durata: 97’ tracce e capire dove sia finita la giacca di Piero, nella quale si trova il fortunato biglietto. I due ritroveranno il biglietto e Piero scoprirà che è proprio Mario il fidanzato di Barbara. I due restano comunque amici e si godono insieme i soldi; Mario continua la sua storia con Barbara e Piero si innamora di un’altra ragazza. Gabriele è un ricco e famoso imprenditore tessile, in procinto di chiudere un grosso 18 affare con la Mongolia. Purtroppo per lui il traduttore dal mongolo Bernardo Fossa, si rivela uno iettatore, mentre Gabriele è terrorizzato dalla sfortuna ed è famoso per la sua proverbiale ricerca sulla fortuna con amuleti e gesti scaramantici. Nonostante le mille disavventure, sarà proprio grazie a Bernardo che Gabriele sfuggirà ad un affare che si sarebbe rivelato disastroso per la sua azienda. Infine Felice è Film un ex ballerino e padre di famiglia che scopre di avere un fratello minore, Walter, completamente pazzo e deve decidere se prendersene cura o abbandonarlo al suo destino. Dopo qualche giorno di difficile convivenza, Felice accetta di accudire il fratello, il quale lo ripaga con una fortuna in denaro, ricavata da pericolosi investimenti in borsa. n nuovo Natale, un nuovo cine panettone, un nuovo film di Neri Parenti. E l’aggettivo nuovo si deve leggere in chiave ironica. Perché Colpi di fortuna è molto banale e ripetitivo, ma, almeno, si discosta dalla marea di film che Christian De Sica ha girato assieme al suo ex alter ego e socio Massimo Boldi. Inutile dire che il film strappa qualche amara risata, ma non convince per niente il pubblico e, quello che purtroppo emerge in maniera abbastanza palese, è la pochezza di idee che circolano nel nostro cinema. Colpi di fortuna è, infatti, un lungometraggio banale, a volte addirittura noioso, che U Tutti i film della stagione riporta sul grande schermo alcuni stereotipi visti e rivisti al cinema e che forse riesce a salvarsi solo grazie all’interpretazione di Lillo e Greg che cercano, con la loro comicità, di far riflettere su tematiche importanti come gli handicap mentali e la forza della famiglia, in una storia più costruita e curata dal punto di vista della sceneggiatura. Un pregio davvero notevole è la quasi assenza di volgarità e la totale assenza di donne nude (entrambi elementi onnipresenti nei precedenti lungometraggi), che rendono il film davvero adatto alle famiglie. Colpi di fortuna si suddivide in tre episodi slegati tra loro per la trama, ma uniti da un filo ideologico: la buona sorte che arriva improvvisa. Il primo, il più fiacco di tutti, è interpretato da Paolo Kessisoglu e Luca Bizzarri e ricalca il successo Una notte da leoni; purtroppo l’intento di avvicinarsi al film americano non riesce, diventandone così una brutta copia. Persino i due attori, generalmente molto apprezzati da pubblico e critica, risentono della scarsa sceneggiatura regalandoci una performance ben lontana dalla loro solita bravura. Col secondo episodio, interpretato da Christian De Sica e Francesco Mandelli, si sale un pochino a livello recitativo grazie, proprio, alla buona interpretazione di Mandelli. Soffermandosi sui luoghi comuni della “sfiga” nostrana (gatti neri, ombrelli aperti in luoghi chiusi, non passare sotto la scala, etc) si avvicina maggiormente ai gusti del pubblico italiano, riuscendo a strappare qualche risata in più. L’ultimo episodio, il più riuscito, vede come protagonisti Pasquale Petrolo e Claudio Gregori; i due attori duettano perfettamente e la loro storia è sicuramente la più genuina e semplice. In conclusione, l’ultimo lavoro di Neri Parenti è un film leggero, che copia e prende spunto da quelli che sono stati i grandi successi americani, ma lo fa in una maniera scorretta e volgare che non fa altro che mostrare ai quattro venti la crisi che il mondo del cinema italiano vive ormai da troppo tempo. Elena Mandolini THOR: THE DARK WORLD (Thor: The Dark World) Stati Uniti, 2013 Regia: Alan Taylor Produzione: Marvel Studios Distribuzione: The Walt Disney Italia Prima: (Roma 20-11-2013; Milano 20-11-2013) Soggetto: dai personaggi dei fumetti creati da Jack Kirby, Stan Lee e Larry Lieber, Don Payne Sceneggiatura: Christopher Yost, Christopher Markus, Stephen McFeely Direttore della fotografia: Kramer Morgenthau Montaggio: Dan Lebental, Wyatt Smith Musiche: Brian Tyler Scenografia: Charles Wood B or, padre di Odino, dopo una lunga guerra, riesce a sconfiggere l’ esercito di elfi oscuri, guidati da Malekith e a nascondere l’Aether, un fluido dai poteri oscuri, in un luogo inaccessibile a chiunque. Passa moltissimo tempo e Thor, figlio di Odino, si ritrova a portare la pace nei nove mondi. Nonostante l’impresa riesca senza troppa difficoltà, il dio è tormentato dal suo amore per l’umana Jane. La donna, sulla Terra, vive le stesse emozioni, ma cerca di soffocarle attraverso il lavoro di astrofisica. Un giorno, insieme a due colleghi, trova un vortice spazio-temporale in un edificio e ne viene risucchiata. Thor corre subito in suo aiuto Costumi: Wendy Partridge Interpreti: Chris Hemsworth (Thor), Natalie Portman (Jane Foster), Tom Hiddleston (Loki), Stellan Skarsgård (Dott. Erik Selvig), Idris Elba (Heimdall), Christopher Eccleston (Malekith), Adewale Akinnuoye-Agbaje (Algrim/Kurse), Kat Dennings (Darcy Lewis), Ray Stevenson (Volstagg), Zachary Levi (Fandral), Tadanobu Asano (Hogun), Jaimie Alexander (Sif), Rene Russo (Regina Frigga), Anthony Hopkins (Odino), Jonathan Howard (Ian Boothby), Richard Whiten (Kemper), Julian Seager (Marauder),Clive Russell (Tyr) Durata: 113’ e dopo averla riportata sulla Terra scopre che Jane ha in sé il perfido e potente Aether. Insieme, allora, decidono di andare su Asgar per trovare la soluzione al problema. Odino, esaminata la ragazza, sentenzia che per lei non c’è nulla da fare. Nello stesso momento gli elfi oscuri si risvegliano e, guidati da Malekith, cercano di compiere la loro vendetta. La prima vittima è Frigga, madre di Thor. Il dio, allora, chiede aiuto al fratello nonché nemico, Loki per salvare il regno. I due, insieme a Jane, a cui gli elfi hanno estratto l’Aether per usarlo come arma, corrono sulla Terra e, dopo un’aspra battaglia, riescono a sconfiggere Malekith e il suo esercito. 19 Ad Asgar Odino convoca Thor e per il suo gesto eroico gli offre il trono. Il dio rifiuta preferendo combattere per mantenere la pace nei nove regni. In realtà, non era il vero Odino a parlare, ma Loki che prese le sue sembianze inizia a governare su Asgar. zione, risate e colpi di scena. Il dio del tuono torna a brandire il suo celebre martello in uno dei sequel più attesi dell’anno: Thor-The Dark World. Le speculazioni, gli spoiler e le congetture più fantasiose si sono sono sprecate in questi mesi, ma una cosa è certa: ne è valsa la pena attendere. Il nuovo Thor , sotto la regia di Alan Taylor, si candida a diventare uno dei A Film migliori prodotti cinematografici usciti dal cilindro della Marvel negli ultimi anni. Gli elementi caratteristici del fumetto ci sono tutti e nella trasposizione si fondono perfettamente con in linguaggio più dinamico del cinema. Il regista, complice una sceneggiatura ad hoc, sposta buona parte dell’ambientazione ad Asgar, regalando allo spettatore immagini surreali di un mondo fantastico dove la lotta fra il bene e il male raggiunge vette spettacolari. La pellicola, come già anticipato, è ricca di colpi di scena, ma anche momenti comici che si alternano con la giusta tempistica evitando “momenti morti” o improvvisi cali di attenzione. La sceneggiatura, pur Tutti i film della stagione con qualche difettuccio, è solida e passa agevolmente dalla commedia all’azione pura concedendo a ogni personaggio il giusto spessore. Il protagonista ovviamente è Thor, interpretato da Chris Hemsworth, ma con dei comprimari di tutto rispetto: Odino, Anthony Hopkins, Jane, Natalie Portman e Loki, uno strepitoso Tom Hiddleston che, con i suoi duetti insieme al fratello biondo, offre senza dubbio alcune delle scene più riuscite del film. Thor: The Dark World, in fin dei conti, è quello che spesso si definisce “cinema d’intrattenimento”, e svolge il suo compito in maniera impeccabile. Per evitare fraintendimenti con il pubblico, pur rischiando di essere ripetitivi e noiosi, bisogna sotto- lineare che siamo di fronte ad un film di “genere”, quindi con delle caratteristiche particolari non adatte ad una platea eterogenea. Certo c’è un inizio per tutto e, anche se non si è patiti di Marvel e fumetti, ci si potrebbe appassionare alle vicende del dio del tuono e dei suoi compagni o magari alla sua tenera love story con l’umana Jane, a cui Taylor dà ampio spazio. Agli “esperti in materia”, invece, non resta che augurare buona visione con l’invito a rimanere seduti anche durante i titoli di coda... la sorpresa, infatti, è dietro l’angolo! Ma ogni buon “geek” questo dovrebbe già saperlo. Francesca Piano PARTY GIRL (Party Girl) Francia, 2014 Regia: Marie Amachoukeli, Claire Burger, Samuel Theis Produzione: Marie Masmonteil & Denis Carot, Elzévir Films Distribuzione: Bim Prima: (Roma 25-9-2014; Milano 25-9-2014) Soggetto: Samuel Theis Sceneggiatura: Marie Amachoukeli, Claire Burger, Samuel Theis Direttore della fotografia: Julien Poupard Montaggio: Frédéric Baillehaiche Musiche: Nicolas Weil, Sylvain Ohrel, Alexandre Lier Scenografia: Nicolas Migot Costumi: Laurence Forque Lockhart Interpreti: Angélique Litzenburger (Angélique), Joseph A ngélique ha sessant’anni e per vivere intrattiene da sempre i clienti di un night club. Nel frattempo ha anche fatto quattro figli, la più piccola dei quali è stata data in affido a un’altra famiglia; è persino diventata nonna da parte della figlia Séverine. Con l’età che avanza, la donna si guarda attorno e vede che le ragazze hanno numerosi clienti, mentre lei, praticamente, ora non lavora più. Sconfortata, decide di andare a trovare Michel, un suo habitué, che ultimamente non è più tornato al night. Michel le dichiara il suo amore e le chiede di sposarlo: accetta. Angélique sembra dunque apprestarsi a cominciare una nuova vita, in una vera casa, accanto a un uomo che le vuole bene, ma la sua vecchia vita e il suo orgoglio di donna femme fatale non accennano a spegnersi; così, davanti agli occhi del fidanzato continua a fare la civetta con ragazzi di molto più giovani di lei e continua a comportarsi come una ragazzina viziata. La notte si nega all’uomo con la Bour (Michel), Mario Theis (Mario), Samuel Theis (Samuel), Séverine Litzenburger (Séverine), Cynthia Litzenburger (Cynthia), Chantal Dechuet (Madame Dechuet), Alyssia Litzenburger (Alyssia), Nathanaël Lizenburger (Nathanaël), Meresia Lizenburger (Meresia), Sébastien Roussel (Sébastien), Vincenza Vespa (Enza), Jenny Bussi (Jenny), Zaina Benhabouche (Zaina), Tatiana Deschamps (Tatiana), Victoria Deschamps (Vittoria), Stéphanie Rolando (Stéphanie), Erica Breitenbach (Erica), Mathilde Robaeys (Mathilde), Linda Fraihi (Linda), El-Amine Djerriwo (Nounours), Concetto Gangi (Concetto), Michel Henrich (Michel), Arezki Nachi (Nachi), Roland Schobert (Roland), Vincent Stelleta (Vincent) Durata: 95’ promessa che aspetta solo la prima notte di nozze per consacrare il loro amore. Dopo un litigio con Michel, dovuto all’eccessivo uso di superalcolici della donna, Angélique ritorna al night, ma litiga anche con le sue ex colleghe, che la cacciano dal locale. A pochi giorni dal matrimonio, la donna si confida con Samuel, il figlio più intelligente dei quattro, e gli dice che ha dei dubbi sul matrimonio, in quanto non è innamorata di Michel; Sam le consiglia di non annullare le nozze, in quanto finalmente potrebbe condurre una vita tranquilla accanto a un brav’uomo. Il giorno del matrimonio va bene e Angélique è circondata dall’affetto dei figli, dei nipoti e degli amici. La notte si nega nuovamente e confessa a Michel che non è innamorata di lui; l’uomo si infuria e lei decide di tornare alla sua vecchia vita di Party Girl. P arty Girl è un film firmato dai registi Marie Amachoukeli, Claire Burger e Samuel Theis, vinci- 20 tore della Camera d’Or all’ultimo Festival di Cannes. Ispirato alla storia vera della madre di uno dei tre autori, Samuel Theis, che tra l’altro interpreta anche se stesso, l’opera ritrae è una donna vulnerabile e contraddittoria, molto infantile, egoista e solo a tratti capace di esternare blandi sentimenti verso altre persone. Una donna, provata da una vita ai margini, che sa essere anche scostante e brusca. Nonostante i suoi difetti, Angélique è amata dalle sue amiche e colleghe, dai suoi quattro figli, che tanto hanno sofferto per questa madre – bambina, a cui spesso sono loro a fare da genitori. La ama, teneramente e incondizionatamente, Michel, che le offre, per la prima volta, la possibilità di una vita stabile, serena, pacificata. Ma tutto questo non sembra appagare Angélique. La macchina da presa mobile la segue e la studia per tutta la durata del film, tra numerosi primi, primissimi piani e dettagli. Un film che racconta un viaggio privo di crescita interiore, in cui la protagonista Film non compie non nessun passo in avanti e, anzi, si ritrova esattamente al punto di partenza. Theis, nel dipingere sua madre Angélique, interprete di se stessa, gioca tra realtà e finzione, aggiungendo del romanzato alla storia di base. Il risultato è un semplice omaggio alla propria madre, un modo di raccontarne la figura senza mai scavare in profondità e senza giun- Tutti i film della stagione gere a un culmine emotivo. Senza mai porre giudizio, i registi ci mostrano questa donna bambina che, in molte sequenze, è davvero molto fastidiosa. Seppur affrontando tematiche interessanti quali il rifiuto della vecchiaia, la perdita della bellezza e la mancanza di valori morali, l’opera non riesce a intaccare neanche un argomento a dovere, trasformandosi, come già scritto, in un mero ritratto di una madre realizzato dal proprio figlio. Il film, in oltre, è fin troppo lento e ci si ritrova a guardare l’orologio in attesa che finisca. Onestamente, da un film che si era fatto notare a Cannes, ci si sarebbe aspettati molto di più. Elena Mandolini ROMPICAPO A NEW YORK (Casse-tête chinois) Francia, 2013 Regia: Cédric Klapisch Produzione: Ce qui me meut, Studiocanal, France 2 Cinéma, in coproduzione con Panache Productions & Gaëtan David, La Cinématographique, Rtbf, Belgacom, in associazione con Cn2 Productions Distribuzione: Academy Two Prima: (Roma 12-6-2014; Milano 12-6-2014) Soggetto e Sceneggiatura: Cédric Klapisch Direttore della fotografia: Natasha Braier Montaggio: Anne-Sophie Bion Musiche: Loïc Dury, Christophe Minck Scenografia: Roshelle Berliner, Marie Cheminal Costumi: Anne Schotte X avier Rousseau è uno scrittore quarantenne, vive a Parigi, è sposato e padre di due figli avuti dall’americana Wendy. L’uomo deve gestire una vera e propria crisi, perché la moglie gli confessa all’improvviso di volerlo lasciare per un ricco fidanzato americano. La donna si trasferisce quindi nel cuore di Manhattan. Deciso a crescere i suoi figli e a occuparsi della loro educazione, Xavier lascia Parigi e approda a New York dove deve ricominciare da zero. Nella Grande Mela viene accolto da Isabelle, l’amica lesbica con cui aveva condiviso il progetto Erasmus e a cui di recente ha donato il seme per un figlio. Isabelle vive con la compagna Ju in un loft a Brooklyn, dove Xavier si appoggia per qualche tempo. Desideroso di avere una sua casa dove poter ospitare anche i suoi bambini, grazie a Ju, Xavier trova un appartamentino a Chinatown. Riprende la sua vita quotidiana, scrive il suo libro, di tanto in tanto porta i suoi figli al parco dove conosce un altro padre divorziato Ray. Grazie a quest’ultimo, Xavier trova un lavoro come fattorino. Ma un giorno gli capita una brutta avventura su un taxi: il suo tassista cinese viene aggredito e ferito e Xavier lo salva portandolo all’ospedale. I parenti del tassista gli sono molto grati e si sentono in debito con lui. Xavier in Effetti: Cédric Fayolle Interpreti: Romain Duris (Xavier Rousseau), Audrey Tautou (Martine), Cécile de France (Isabelle), Kelly Reilly (Wendy), Sandrine Holt (Ju), Margaux Mansart (Mia Rousseau), Pablo Mugnier-Jacob (Tom Rousseau), Flore Bonaventura (Isabelle de Groote, la babysitter), Benoît Jacquot (Padre di Xavier), Amin Djakliou (Lucas), Clara Abbasi (Jade), Li Li Jun (Nancy), Sharrieff Pugh (Ray), Jason Kravits (Avvocato di Xavier), Byron Jennings (Avvocato di Wendy), Peter Hermann (John), Martine Demaret (Madre di Xavier), Dominique Besnehard (Editore di Xavier), Zinedine Soualem (Sig. Boubakeur), Kyan Khojandi (Antoine Garceau), Jose Soto (Miguel) Durata: 118’ realtà ha bisogno di ottenere la cittadinanza americana e in effetti una moglie cinese naturalizzata americana potrebbe fare al caso suo. Nel frattempo, riceve la chiamata di Martine, la sua ex fidanzata all’epoca dell’università. Martine è appena arrivata a New York per un incontro d’affari. Quella stessa sera, Xavier ospita Martine a casa sua e i due finiscono a letto insieme. Intanto Xavier trova un accordo con Wendy per vedere i suoi bambini. L’ex moglie è in procinto di sposarsi con il suo compagno americano, John. Anche Xavier convola a nozze con Nancy, la ragazza cinese parente del tassista cui ha salvato la vita. Ma l’ufficio immigrazione convoca i due neosposi per effettuare dei controlli sull’autenticità del matrimonio. Dopo poco Isabelle partorisce e vuole che Xavier riconosca la bambina. Subito dopo l’uomo ha un altro incontro con il funzionario dell’immigrazione che gli domanda proprio se ha un altro figlio. Dopo qualche tempo, Isabelle, desiderosa di uscire la sera e ricominciare a vivere, trova una babysitter belga per la sua bambina. Non passano molti giorni che Isabelle intreccia una relazione con la ragazza che si innamora follemente di Isabelle. Avendo saputo della relazione, Xavier si arrabbia con Isabelle. A complicare le cose, Martine torna a New York con i suoi figli per 21 le vacanze di Pasqua. Xavier fa di nuovo l’amore con lei. Martine vorrebbe tornare a stare insieme am lui. Un pomeriggio le cose si complicano quando tutte le donne di Xavier si ritrovano nel suo piccolo appartamento, dove sopraggiunge anche l’ispettore dell’ufficio immigrazione per verificare l’autenticità del matrimonio dell’uomo con Nancy. Pochi giorni dopo, Xavier si ritrova con le sue tre vecchie amiche dei tempi dell’università, Martine, Isabelle e Wendy, su una panchina nella metropolitana di New York. Wendy gli dice che lui ha bisogno di una donna che sia una combinazione di loro tre. Poco dopo, a casa, i suoi figli gli dicono che deve fermare Martine e impedirgli di ripartire. Qualche tempo dopo, Xavier ha finito il suo romanzo e lo manda al suo agente che contesta il finale stroncando come “un terribile happy end”. Ma Xavier è pronto a fornirgli una precisa spiegazione sugli happy end. Nell’ultima scena, Xavier è a spasso per le strade di New York sottobraccio a Martine che gli domanda a cosa pensa. L’uomo risponde sereno: “alla vita”. X avier Rousseau e le sue donne capitolo terzo. Dopo aver condiviso da studente Erasmus Film L’appartamento spagnolo nel lontano 2002 e aver giocato con le Bambole russe nel 2005 a San Pietroburgo, sempre sotto la direzione di Cédric Klapisch questa volta il nostro anti-eroe stropicciato e spettinato si ritrova quarantenne nella Grande Mela a seguire la sua ex compagna (con cui ha due figli) che ha trovato un nuovo fidanzato americano. Ma proprio nella metropoli statunitense le cose si complicano terribilmente con l’arrivo di ex fidanzate dalla Francia, nuovi figli biologici, matrimoni bianchi fatti solo per ottenere la cittadinanza statunitense, appartamenti da cercare, romanzi da scrivere. E chi più ne ha più ne metta. Non c’è che dire, il nostro Xavier (alias Romain Duris, attore-feticcio di Klapisch) sembra destinato a continuare a essere, dodici anni dopo, l’eterno ‘perdente’ del primo film quando era ancora uno studente a Barcellona. Dopo un divorzio iniziale, il nostro eroe si ritrova a risolvere un vero “rompicapo” sentimentale preso dalle solite tre donne della sua vita: l’ex moglie americana, il primo amore francese e la vecchia amica lesbica che vuole a tutti Tutti i film della stagione costi il suo seme per diventare madre. Il nostro scrittore francese ormai maturo sembrerebbe insomma condannato a una perenne instabilità: cerca di mettere radici e non ci riesce, cerca stabilità affettiva ed economica e non ci riesce (e nel frattempo scrive, cancella e riscrive un suo interminabile romanzo autobiografico). Xavier e le sue tre donne, si potrebbe ribattezzare così la saga sentimentale diretta da Klapisch e incentrata su un eterno ragazzo alle prese con lo smarrimento dovuto al profondo cambiamento della famiglia in seno alla società (famiglie allargate, anomale, monogenitore, ‘di fatto’ e via discorrendo). Con un procedimento simile a quello usato da Richard Linklater che ha seguito i suoi due protagonisti, Ethan Hawke e Julie Delpy, lungo l’arco temporale di diciotto anni in cui si sono innamorati, inseguiti, sposati, confrontati, parlando incessantemente Prima dell’alba, poi Prima del tramonto, infine Prima di mezzanotte, anche Klapisch segue i suoi attori tra Europa e Stati Uniti negli anni, prima giovani uni- versitari, poi trentenni precari, infine quarantenni in crisi sentimental-esistenziale. Stesso procedimento, attori che crescono e invecchiano con i loro personaggi, con un perfetta corrispondenza della scansione temporale sul set e nella vita reale. Una vita complicata per il protagonista, come la città in cui si ritrova ad abitare: caotica, immensa, frammentata, dispersa tra la lunghezza delle sue Avenue, i grattacieli, le gru, i cantieri. E così tra Chinatown, Brooklyn e Central Park, si aprono le tante scatole cinesi del titolo originale (Cassetete chinois) in una New York sempre più tentacolare, multiforme e multietnica. Ma una cosa appare chiara giunti al terzo film di un’ideale trilogia: nonostante il passare degli anni, Klapisch e il suo attore restano “giovani” e disincantati dentro, continuando a regalare uno sguardo fresco e deliziosamente ironico su quel grande ed eterno rompicapo che è la vita, a Barcellona come a New York, a venti come a quarant’anni. Elena Bartoni LE DUE VIE DEL DESTINO – THE RAILWAY MAN (The Railway Man) Australia, Gran Bretagna, 2013 Regia: Jonathan Teplitzky Produzione: Archer Street Productions, Latitude Media, Lionsgate, Pictures in Paradise Distribuzione: Koch Media Prima: (Roma 11-9-2014; Milano 11-9-2014) Soggetto: dal romanzo autobiografico omonimo di Eric Lomax Sceneggiatura: Frank Cottrell Boyce, Andy Paterson Direttore della fotografia: Garry Phillips Montaggio: Martin Connor Musiche: David Hirschfelder nghilterra anni ’80. Scampato alla seconda guerra mondiale, Erik Lomax soffre il trauma psicologico delle sue drammatiche esperienze ed è perseguitato dall’ immagine del suo torturatore: il giovane ufficiale giapponese Takashi Nagase. Come altri ex soldati, Lomax soffre di stress post traumatico, ma, a differenza di altri, si è isolato dal mondo e vive solo per la sua ossessione per i treni e gli orari ferroviari. Un giorno, proprio in treno, conosce l’energica Patti, l’unica che sia riuscita a risvegliarlo dal suo torpore. In poco tempo, i due si innamorano e si sposano, senza che Patti abbia mai visto segni di squilibrio da parte di Lomax. I primi problemi, però, sorgono I Scenografia: Steven Jones-Evans Costumi: Lizzy Gardiner Interpreti: Colin Firth (Eric Lomax), Nicole Kidman (Patti Lomax), Jeremy Irvine (Eric Lomax da giovane), Stellan Skarsgård (Finlay), Hiroyuki Sanada (Nagase), Sam Reid (Finlay da giovane), Tanroh Ishida (Nagase da giovane), Tom Hobbs (Thorlby), James Fraser (Duncan), Marta Dusseldorp (Memsahib), Ewen Leslie (Thompson), Akos Armont (Jackson), Tom Stokes (Withens), Keiichi Enomoto (Sakamoto) Durata: 116’ proprio la prima notte di nozze, in cui gli incubi di Eric riemergono e il ricordo dell’ufficiale giapponese lo trascina di nuovo nel passato. Patti lo trova urlante sul pavimento della camera da letto ed Eric si chiude in se stesso, scaricando la sua furia silenziosa sulla moglie e rendendole la vita impossibile. Patti cerca allora di scoprire la causa di tutto questo e lottando contro il codice del silenzio che unisce gli ex prigionieri di guerra, riesce a convincere l’ex commilitone Finlay a rivelarle quanto accaduto. Durante la seconda guerra mondiale, Lomax era un ufficiale britannico addetto ai segnali nella città di Singapore. Dopo che Churchill ha dichiarato la resa della città –stato ai 22 giapponesi, Lomax e gli altri soldati britannici vengono fatti prigionieri e costretti a lavorare come schiavi per la creazione della linea ferroviaria che collegherà Bangkok a Rangoon e che verrà chiamata Ferrovia della morte, per le condizioni di lavoro climatiche e perché vi sono periti metà di coloro che vi hanno lavorato. Durante la sua permanenza nel campo, Lomax è testimone delle sofferenze a cui gli uomini sono sottoposti ed escogita, quindi, di ricreare una radio con tutto il materiale che riescono a rimediare, per poter chiedere soccorso. Viene scoperto e portato nella temuta Kempeitai dove viene torturato ripetutamente, soprattutto per mano di Nagase. Infine, Finaly le rivela Film che l’ufficiale giapponese è ancora vivo e che lui stesso sa dove trovarlo. Patti è tormentata dalla scoperta appena fatta: deve dirlo a suo marito? Patti decide di rivelargli che è venuta a conoscenza del suo segreto; solo in seguito al suicidio di Finley gli dice Nagase è ancora vivo. Lomax decide di raggiungere il suo ex carceriere, che ora lavora come guida turistica proprio a Kempeitai. I due hanno un duro confronto psicologico e Lomax vorrebbe vendicarsi e ucciderlo, tant’è che lo rinchiude in una gabbia di bambù. Lomax scopre così che l’uomo che ha di fronte è profondamente diverso dal ragazzo che era un tempo: Nagase è un uomo afflitto dal dolore e dai peccati del passato. Lomax alla fine decide di lasciarlo andare. Tornato a casa da Patti, l’uomo ha finalmente trovato l’equilibrio che cercava. Inaspettatamente, un giorno arriva una lettera di Nagase, in cui gli rivela che dal giorno del loro incontro ha un peso sul cuore che non riesce a togliersi. Lomax decide di tornare da Nagase, ma porta Patti con sé. Nagase chiede il perdono di Lomax e l’uomo riesce a perdonarlo sinceramente. I due, da allora, sono diventati grandi amici fino al giorno della loro morte. l regista Jonathan Teplitzky porta su grande schermo l’autobiografia di Erik Lomax, The railway man, in italiano tradotto col titolo Le due vie del destino. Il film che si basa su una storia vera, che si incentra sui tormenti interiori del protagonista, sul suo inconscio e sui ricordi della prigionia. La struttura della sceneggiatura è basata sull’alternarsi tra il presente e i flashback del passato di Lomax; nel presente vi è il mutismo e il dirompente amore per Patti; nel passato scene di guerra e dolore. Essendo una storia basata esclusivamente sulle emozioni e sul gioco di sguardi e di comprensione tra i protagonisti, vien da sé che per parlare di questo film bisogna partire dalla prova attoriale del cast. Il pregio migliore è la forte interpretazione di Colin Firth (Lomax). Tormentato e malinconico, trasmette le sue sensazioni attraverso gli occhi, la postura e i repentini movimenti del corpo, agli scatti di ira, alternati al mutismo e alla staticità: una prova che odora di Oscar. Il personaggio di Lomax è l’unico ad essere realmente creato ad hoc, l’unico ad avere spessore e che riesce a creare empatia col pubblico. Infatti, Patti è praticamente l’ombra di un personaggio, neanche una coprotagonista, eppure da quello che si evince dalla storia, è stato proprio l’amore tra i due a spingere Lomax a trovare una risposta e la relativa pace. I Tutti i film della stagione Seppur la Kidman sia qui in stato di grazia, e si evince soprattutto tra i muti dialoghi tra Patti e Lomax sempre carichi di tensione emotiva, il personaggi di Patti è talmente marginale, che anche senza di lei Lomax avrebbe compiuto lo stesso percorso. Lo stesso dicasi per Finlay, talmente accennato il suo personaggio, che al momento del suo suicidio viene a chiedersi quale è stata la finale spinta emotiva che lo porta a tale gesto? Altra pecca davvero notevole è quest’alone di indifferenza e freddezza che, paradossalmente, impregna il film. Teplitzky non regala vere emozioni, non porta lo spettatore verso un pathos crescente, non si sbilancia e non tocca le corde emotive di chi guarda il film; il che per una storia simile è una enorme falla. L’unico dolore che si prova è nelle sequenze delle torture, ma quello scaturisce dall’empatia che nasce nel guardare un essere umano soffrire, non per la bravura del regista o per la bellezza dello script. Teplitzky compie lo stesso percorso con la regia. Molto classica, senza nessuna novità: panoramiche e particolari dei volti dei protagonisti e niente più. Chiude il cerchio una redenzione troppo repentina e un finale affrettato: il regista carica l’attesa dell’incontro tra i due e della risoluzione per quasi tutto il film, per poi risolverla con dieci minuti. Troppo poco e troppo poco pathos. Elena Mandolini …E FUORI NEVICA Italia 2014 Regia: Vincenzo Salemme Produzione: Luigi Musini, Valeria Esposito per Cinemaundici, Chi è di scena Distribuzione: Warner Bros. Pictures Italia Prima: (Roma 16-10-2014; Milano 16-10-2014) Soggetto: Vincenzo Salemme, Enzo Iacchetti (idea) Sceneggiatura: Vincenzo Salemme, Antonio Guerriero (collaborazione) Direttore della fotografia: Fabio Olmi Montaggio: Cristian Lombardi Musiche: Paolo Belli Scenografia: Elio Maiello Costumi: Mariano Tufano Interpreti: Vincenzo Salemme (Enzo), Carlo Buccirosso (Stefano), Nando Paone (Cico), Maurizio Casagrande (Avvocato Saponetta), Giorgio Panariello (Giacomo Furia), Paola Quattrini (Madre di Giacomo Furia), Margareth Madè (Bella alla finestra) Durata: 94’ 23 Film D opo la morte della madre, tre fratelli si ritrovano, costretti da una postilla testamentaria che lascia loro in eredità la casa, purché mantengano l’unità familiare. Il che vuol dire tornare a vivere insieme sotto lo stesso tetto. Dei tre, il primogenito Enzo è un cantante da crociera con ambizioni discografiche, simpatico e senza talento, incapace di assumersi responsabilità, con l’unica passione per le scommesse e le corse dei cavalli. Sulla nave gli arriva la notizia che sua mamma è morta ed è atteso a casa per la lettura del testamento. Enzo manca da Napoli da quasi trent’anni. È andato via poco dopo la morte del padre, lasciando sola la mamma con gli altri due figli nella casa di famiglia, unico bene di valore e unica ragione che lo induce a tornare in quella casa dove è cresciuto insieme ai fratelli. Stefano, è un agente di cambio che ha perso da poco il lavoro, sempre in stato d’ansia. Negli ultimi due anni ha dovuto affrontare la malattia che gli ha portato via la mamma e accudire il terzo e ancora più “particolare” fratello, Cico. È innamorato di Nora, ma non riesce a vivere la storia, perché le può parlare solo attraverso il telefono, tramite la mamma della ragazza, che gli impedisce di frequentare sua figlia. Cico da quando è morta la madre invece sembra vivere in una realtà tutta sua: è diventato schizofrenico e interpreta, di volta in volta, un personaggio diverso. Il terzetto dunque si ritrova, costretto, a convivere assieme, ognuno con le sue abitudini e ossessioni. Cico, che si alimenta solo di purè ed è bisognoso di continue attenzioni, Enzo che è ricercato da Furia, padrone di un chiosco ambulante al Circo Massimo a cui deve dei soldi e Stefano che vive nell’attesa della sua storia d’amore negata. La quotidianità non si rivela affatto semplice e tutto ruota intorno alle situazioni innescate da Cico. E così l’ascensore diventa una funicolare, il cortile di casa un appostamento di Cheyenne, la cucina dell’appartamento prima una stazione dei carabinieri e poi una pizzeria, dove un improbabile pizzaiolo egiziano litiga con una pizza capricciosa. Stefano asseconda con pazienza e per abitudine le sceneggiate di Cico che finisce per coinvolgere anche un titubante Enzo nei suoi scherzi, trascinandolo in un mondo di fantasia, dove tutto è possibile. Con loro c’è anche l’avvocato Saponetta, che intanto gestisce la pratica della vendita della casa, a cui sarebbe interessato il fruttivendolo sotto il palazzo dei fratelli. Infatti Enzo convince Stefano che l’unica soluzione per risolvere i loro problemi sia vendere la casa e mettere Cico in qualche centro psichiatrico. Cico, che in realtà capisce il piano, decide di eliminare i due fratelli con una dose massiccia di sonnifero, stratagemma che aveva già messo in atto per far morire in pace la madre ammalata. Per fortuna Furia Tutti i film della stagione e la moglie, che nel frattempo grazie a Cico hanno vinto ai cavalli una grossa somma di denaro, trovano i due prima che sia troppo tardi. I tre fratelli, di nuovo insieme, festeggiano con una lussuosa crociera. ra il 1995 quando debuttò in palcoscenico la prima di ...E fuori nevica!, commedia in due atti scritta, diretta e interpretata da Vincenzo Salemme. Sebbene il commediografo napoletano avesse già una discreta carriera alle spalle, impreziosita dall’aver fatto parte della compagnia teatrale del grande Eduardo, è sicuramente il successo di questa commedia a dargli quella notorietà che gli permette anche di farsi strada nel mondo del cinema. Tuttavia, adattare due atti in un film di poco più di un’ora e mezza richiede necessariamente di espandere il materiale, aggiungendo personaggi e situazioni assenti nella versione teatrale. Eppure sono proprio queste novità a stonare e ad aggiungere carne al fuoco, che male si armonizza con la commedia di partenza. Se infatti la scena iniziale sulla nave ha almeno il pregio di chiarire da subito il carattere di Enzo, tutti gli scambi di battute con la vicina di casa non vedente sono superflui e danno la fastidiosa sensazione di essere un debito forzato per introdurre una figura femminile nella storia. Allo stesso modo, lo spazio concesso al personaggio di Furia è un di più, inserito per poter aggiungere il nome di Panariello alla lista degli interpreti. Toni e attori sono rodati: equivoci, giochi linguistici e gag sono più o meno centrati, ma il senso del tutto annega nel vuoto circostante e nel dubbio che nonostante l’anima popolare del film, questo sia paradossalmente un prodotto da cassetta. Al tutto, si aggiunge l’irrinunciabile happy ending posticcio, che non porta da nessuna parte e tramuta in fastidio la sensazione di vaga tenerezza, di un ridere per tenere indietro le lacrime. Memori della lezione di Edoardo e del Nata- E le in casa Cupiello, l’allegra irresponsabilità dei protagonisti maschera una triste realtà, in cui dei fratelli possono vivere insieme solo se costretti; un madre malata finisce per essere vittima di una pietosa eutanasia, un malato mentale è accettato, ma comunque visto come un problema di cui liberarsi. Ma Salemme non è Eduardo e nemmeno intende paragonarsi al maestro, per cui i problemi citati restano solo sullo sfondo e affiorano per brevissimi istanti. Quasi a voler rimarcare che è lo spirito a essere diverso: laddove Eduardo lasciava che l’allegria si stemperasse per potersi chiudere anche in tragedia, Salemme vuole trasformare ogni delusione in una salvifica risata. Ancora di più questo concetto appare chiaro nella pellicola che cambia radicalmente il finale dell’opera teatrale, aggiungendo l’inatteso lieto fine. Una scelta di natura puramente commerciale, perché è difficile vedere un film comico chiudersi con una nota amara. Salemme dirige l’orchestra dei suoi compagni di strada, che da sempre gli fanno da spalla. Dal grande Carlo Buccirosso, nei panni del fratello Stefano, al bravissimo Nando Paone, la vera e propria macchietta napoletana, sulle orme di Totò, a cui si aggiungono Maurizio Casagrande, antico collaboratore di Salemme che qui fa un avvocato strepitoso, e un inaspettato Giorgio Panariello che si spoglia dei panni del toscano e si trasforma magicamente in un quasi perfetto burino romano, scommettitore di cavalli. Il regista da sopra muove le sue marionette, ma senza particolare originalità. Peccato perché lo spettacolo da cui prende spunto il film, pur essendo di venti anni fa, non è datato, perché tocca temi universali e fondamentali, come, ad esempio, l’eutanasia. Invece la commedia cinematografica, da sempre fondata su identici dispositivi, non riesce a rinnovarsi e rischia in qualche modo di esaurirsi. Veronica Barteri LA ZUPPA DEL DEMONIO Italia 2014 Regia: Davide Ferrario Produzione: Davide Ferrario, Francesca Bocca, Ladis Zanini per Rossofuoco con Rai Cinema Distribuzione: Microcinema Prima: (Roma 11-9-2014; Milano 11-9-2014) Soggetto: Sergio Toffetti Sceneggiatura: Davide Ferrario, Giorgio Mastrorocco Direttore della fotografia: Ezio Gamba Montaggio: Cristina Sardo Musiche: Fabio Barovero Interpreti: Gianni Bisacca (narratore), Walter Leonardi (narratore) Durata: 80’ 24 Film I l progresso ha accompagnato il ventesimo secolo come idea positiva e fil rouge della nostra società. A lungo si è ritenuto che l’industrializzazione e l’avanzamento tecnologico avrebbero portato a un sostanziale e irreversibile mutamento della società. Utilizzando i materiali messi a disposizione dall’Archivio Nazionale del Cinema d’Impresa del Centro Sperimentale di Cinematografia d’Ivrea, Davide Ferrario mostra come questa idea si sia concretizzata attraverso i decenni. Si parte dall’uscita dalle fabbriche nei primi anni del Novecento, filmata dai fratelli Lumiere, per arrivare alle ruspe che abbattono gli uliveti per fare spazio a quell’Ilva che a Taranto ha portato lavoro e morte. Lo stesso titolo del documentario, La Zuppa del Demonio, non è altro che la metafora coniata da Dino Buzzati, narrando la creazione negli altiforni del nuovo metallo che avrebbe cambiato l’Italia: il dio Acciaio. Tutto gira intorno a uno sviluppo senza limiti, al progresso, quello che per Marinetti “ha sempre ragione anche quando ha torto”. Lo storyline è rappresentato dalla parabola dello sviluppo, dall’inizio del secolo fino al 1970. L’area culturale sulla quale ci concentriamo è ovviamente quella italiana, ma talvolta si allargano i confini, per dare il senso della condivisione mondiale dell’utopia industriale. Dalle grandi opere degli anni dieci alla corsa all’elettrificazione per lo sviluppo della grande industria, il fascismo e la produzione bellica della Fiat, la ricostruzione nel dopoguerra e lo sviluppo di nuove industrie negli anni Cinquanta, la città nella fabbrica e i modelli piemontesi e della Olivetti, la ricerca di nuove fonti di energia in Italia e all’estero degli anni Sessanta, fino al pionierismo nel campo dell’informatica e del nucleare. Un’idea, quella di un “futuro migliore”, che oggi sembra drammaticamente lontana. È da qui che si parte per un’apocalisse al contrario determinata a migliorare il futuro: costruzione di dighe, casermoni dormitori, macchinari giganteschi, fabbricati sconfinati, donne nei Caroselli, ma anche trivelle petrolifere a profanare le campagne, sguardi stanchi, ma fiduciosi, di operai tra inaugurazioni del Duce e bicchieri di vino. E il ritrovato stupore della prima centrale nucleare europea: quella di Latina. er raccontare questa vera e propria epopea il regista ha evitato commenti di storici, interviste ad esperti. Si è servito solo dei bellis- P Tutti i film della stagione simi materiali dell’Archivio Nazionale di Ivrea, dove sono raccolti cento anni di documentari industriali di tutte le più importanti aziende italiane. Nel percorso accompagnano le immagini le citazioni di uomini di cultura. Così tra Marinetti e Gadda, Primo Levi e Majakovskij, Meneghello e Parise, Olmi e Bocca, Rea e Calvino ci sfila davanti quasi un secolo di storia con le sue luci ed ombre. Tra tutte ne va ricordata una che ci stringe il cuore. È di Pier Paolo Pasolini: “Nei primi anni Sessanta, a causa dell’inquinamento dell’aria e, soprattutto in campagna, a causa dell’inquinamento dell’acqua, sono cominciate a scomparire le lucciole”. Ferrario non prova nessuna nostalgia per quel passato. È ben consapevole che quell’utopia vede proprio in questi nostri tempi un triste fallimento. Sa che lo spettatore odierno inorridisce quando vede davanti le immagini che mostrano le ruspe fare piazza pulita degli olivi centenari per costruire il tubificio di Taranto: eppure per lungo tempo l’idea che la tecnica, il progresso, l’industrializzazione avrebbero reso il mondo migliore ha accompagnato intere generazioni. Di destra e di sinistra. Perché il progresso era un bene in sé, a prescindere dal colore. Infatti, la corsa allo spazio attirava sia i russi che gli americani. Fino a metà anni ’70 lo “sviluppo” è stato un dogma indiscutibile: poi è arrivata la prima crisi petrolifera, e contemporaneamente hanno preso piede le preoccupazioni ambientaliste. Ci sono ritratti di volti operai che sono straordinari nella loro semplice dignità. Perché si credeva ancora nelle battaglie sindacali e il lavoro in quanto tale, l’opera finita, apparteneva davvero a tutti. L’Italia del progresso, dello sguardo rivolto al futuro, della speranza; il paese che portava nelle case gli elettrodome- stici e nelle strade le automobili. È così che Ferrario presenta il nostro stato nella sezione ufficiale fuori concorso alla 71esima Mostra del Cinema di Venezia: un viaggio nostalgico e bellissimo in un’Italia che non c’è più e che nella bellezza delle immagini e nella profondità delle parole che le accompagnano ha la sua forza. La scrupolosa ricerca attinge a video dal 1910 in poi, raccolti in dozzine tra aziende, enti pubblici e produzioni come Olivetti, Fiat, Italgas, Birra Peroni, ENEA e Filmaster. La cosa interessante è che il regista lascia che siano le immagini a parlare senza politicizzare o entrare nel sociologico, ma anzi dando spazio alla libera riflessione dello spettatore. Nella Zuppa di Ferrario i vecchi formati si snodano tra colore e bianco e nero, rincorrendosi in una breve, ma ricca antologia filmica e concreta. Piena di memoria, testimonianza, monito, fierezza, rimpianto e soddisfazione. Un documentario come strumento conoscitivo, d’intrattenimento e riflessione insieme, senso di appartenenza. Come la storia di una diga e del suo capocantiere, che a fine lavori, si congeda dalla mastodontica opera e dai suoi operai con una sorta di commiato. Un giorno chi osserverà quest’immensa diga non si chiederà nemmeno chi l’ha costruita, non sapendo dunque quanto sudore, sangue e dedizione ciascuno ci ha impegnato. In finale La zuppa del demonio è più rilevante per le riflessioni e i quesiti che pone, anziché per quelli a cui risponde. Resta comunque un documento prezioso e ben fatto che, accompagnato da un’analisi onesta e competente della nostra storia da cinquant’anni a questa parte, può senz’altro contribuire nella ricostruzione di un sogno, che era tale e che oggi forse non lo è più. SI ALZA IL VENTO (Kaze tachinu) Giappone,2013 Regia: Hayao Miyazaki Produzione: Studio Ghibli, Kddi Corporation Distribuzione: Lucky Red Prima: (Roma 13-9-2014; Milano 13-9-2014) Soggetto: dal romanzo di Tatsuo Hori Sceneggiatura: Hayao Miyazaki Montaggio: Takeshi Seyama Musiche: Joe Hisaishi Durata: 126’ 25 Veronica Barteri Film iappone 1918. Jiro desidera da sempre diventare pilota di aerei, la sua miopia purtroppo non glielo permette. Una notte, in sogno, gli compare Giovanni Caproni, progettista d’aerei, che gli confessa che crearli è più divertente che guidarli. Il ragazzo segue il consiglio e decide di diventare ingegnere aeronautico. Si iscrive all’università e dopo anni di studio viene assunto come progettista alla Mitsubishi. Nonostante la buona volontà, la tenacia e la trasferta in Germania per apprendere nuove tecniche, il progetto di Jiro per un aereo fallisce. Sconsolato, allora, si reca in un luogo di villeggiatura per ritemprarsi un po’. Qui incontra Nahoko, una ragazza che aveva conosciuto anni prima su un treno, e con lei inizia una relazione. La donna, però, ha la tubercolosi e si rifiuta di sposarlo fino a quando non sarà completamente guarita. Per Jiro le cose si complicano ulteriormente quando la polizia, a causa di una sua amicizia con un dissidente tedesco, lo scheda. Un dirigente della sua azienda, allora, lo nasconde in casa sua, ma per ospitare anche Nahoko gli chiede di sposarla. I due acconsentono e nonostante la salute precaria gli innamorati passano molti momenti felici. Un giorno, però, Nahoko sentendosi G Tutti i film della stagione prossima alla morte scappa al sanatorio lasciando al marito alcune lettere. Lui sta collaudando un nuovo aereo e non sa che mentre festeggia il suo successo sua moglie lo sta abbandonando per sempre. Scoppia la Seconda Guerra Mondiale, gli aerei di Jiro vengono usati dai kamikaze e lui in un sogno parlando con Caproni si rammarica di questo, sempre nel sogno compare anche sua moglie Nahoko che lo esorta a vivere. li addii sono sempre particolari. Dover andare ad un incontro e sapere che è l’ultimo lo rende in qualche modo doloroso, ma allo stesso tempo speciale. Questo accade anche al cinema. Per questo vedere Si alza il vento, ultimo e definitivo lungometraggio di Hayao Miyazaki è un’esperienza emotivamente toccante. Non c’era bisogno di saperlo in anticipo, già dopo pochi minuti di pellicola si intuisce che questo è il tenero saluto del cineasta ai suoi ammiratori, un saluto che condensa in sé anni di sogni, di progetti e, perché no, di amore. Non è un caso, infatti, che la storia narrata si quella dell’ingegnere aeronautico Jiro Hirikoshi, progettista degli aerei usati dai giapponesi durante la Seconda Guerra Mondiale, perché il “volo” in Miyazaki è un topos imprescindibile se non un’ossessione che qui viene declinata in tutte le sue G sfumature. Dal volo reale fino a quello onirico, in una metafora che, si potrebbe azzardare, evoca il percorso stesso della creazione di un lungometraggio animato. Senza dimenticare i sentimenti. Se durante tutto il primo tempo l’attenzione è focalizzata sul sogno, sulla progettazione nel secondo vira sul dramma che ha l’apoteosi in una storia d’amore delicata e struggente. Non sono i protagonisti, come spesso accade nella tradizione nipponica, a ricercare una sorta di voluptas dolendi, ma il destino, nella sua banalità, a rendere le loro vite inesorabilmente tragiche e infelici. Lo stesso Jiro comprende che ciò che lui aveva creato per la felicità si è trasformato in una terribile macchina di morte, così come il progetto di vita che aveva disegnato insieme a Nahoko si è rivelato un dolore senza fine. Ma Miyazaki da inguaribile romantico trova la soluzione per non cedere al pessimismo, attraverso il sogno che diventa il luogo dell’incontro, della realizzazione e soprattutto dell’immortalità. Dove gli addii non sono mai definitivi e un abbraccio può sembrare quasi reale tanto da diventare la panacea nei momenti di veglia, quando inaspettatamente, come diceva Paul Valéry, “si alza il vento e bisogna tentare di vivere” Francesca Piano ANIME NERE Italia, Francia, 2014 Regia: Francesco Munzi Produzione: Luigi Musini, Olivia Musini, Fabio Conversi per Cinemaundici e Babe Films con Rai Cinema, in collaborazione con On My Own Distribuzione: Good Films Prima: (Roma 18-9-2014; Milano 18-9-2014) Soggetto: dal romanzoomonimo di Gioacchino Ciriaco, Francesco Munzi, Fabrizio Ruggirello Sceneggiatura: Francesco Munzi Fabrizio Ruggirello, Maurizio Brauci, Gioacchino Ciriaco (collaborazione) Direttore della fotografia: Vladan Radovic Montaggio: Cristiano Travaglioli T re fratelli calabresi, Luciano, Rocco, Luigi. Luciano, il maggiore, rimasto a vivere nella Locride profonda di Africo, intestardito a tenere vive le tradizioni dei padri si barcamena, pensando così di essere immune da ogni pericolo, tra la nuova e spietata criminalità legata alla Musiche: Giuliano Taviani Scenografia: Luca Servino Costumi: Marina Roberti Interpreti: Marco Leonardi (Luigi), Peppino Mazzotta (Rocco), Fabrizio Ferracane (Luciano), Barbora Bobulova (Valeria), Anna Ferruzzo (Antonia), Giuseppe Fumo (Leo), Pasquale Romeo (Ercole), Stefano Priolo (Nicola), Vito Facciolla (Pasquale), Cosimo Spagnolo (Cosimo), Aurora Quattrocchi (Rosa), Manuela Ventura (Giorgia), Domenico Centamore (Rosario), Sebastiano Filocamo (Antonio Tallura) Durata: 103’ droga e il sano vivere di un’età dell’oro lontana millenni. Rocco è un imprenditore trapiantato da tempo a Milano, sposato con Valeria; sembrerebbe essere lontano da azioni pericolose, in realtà prospera grazie ai soldi riciclati da Luigi, il fratello minore, trafficante internazionale di droga, anello 26 importante della strada dello spaccio tra l’Olanda e il sud d’Italia. A richiamare i due fratelli “milanesi” giù nella Locride è una bravata, un’azione inutilmente provocatoria che in quei luoghi acquista una valenza terribile e che porta presto la situazione al disastro: Leo, figlio di Luciano, è una testa calda Film in fermento e non dimentica che il nonno, padre dei tre, è stato ucciso anni prima dai sicari del clan che spadroneggia nella zona; desidera, quanto meno, fare un’azione dimostrativa a significare che la sua famiglia ricorda e non teme nessuno. Una notte, Leo sparacchia qualche raffica di mitra contro il bar appartenente al clan dominante, distruggendo le vetrate e procurando al locale numerosi danni. Il boss convoca Luciano e gli chiede spiegazioni, sottolineando il fatto, è qui il nodo del contendere, di non avere avuto mai risposta dai due fratelli al nord alla sua richesta di partecipare al lucroso traffico di coca. È tempo per Rocco e Luigi di ritornare a casa insieme a Leo che per qualche giorno si era rifugiato da loro e affrontare così la situazione che si rivela subito difficile: Luciano si rifiuta di pensare a qualsiasi tipo di guerriglia locale per non seguitare a tenere viva la faida che si trascina da anni; contemporaneamente il clan dei Tellura, apparentemente amico, prende tempo e non si schiera in attesa di vedere come vanno a finire le cose per salire sul carro del vincitore. In tale contesto, è ovvio che il sangue cominci presto a scorrere. Luigi è abbattuto da un killer dentro la sua macchina; Leo, che aveva individuato l’abitazione del boss, è tradito da un amico e steso nei locali di una scuola abbandonata da cui stava preparando la vendetta. Rocco, tra il dolore dei funerali e le riunioni con i suoi per decidere il da farsi non fa in tempo ad agire; è ucciso infatti proprio da Luciano che, per interrompere definitivamente la scia di sangue decide di eliminare il problema alla radice, convinto che con quest’ultimo morto il desiderio di vendetta sia esaurito per sempre e i superstiti della sua famiglia possano vivere finalmente in pace. Tutti i film della stagione arroccarsi in uno status tragico di cui ancora si nutre parte della popolazione del nostro meridione. Francesco Munzi porta questa tragedia nel cuore stesso della Calabria, quella Locride nera fatta di vecchio e di nuovo, di primitività e benessere che si alimentano l’uno dell’altra sia nella formazione psicologica di animi e comportamenti sia nell’ambientazione davvero unica, a tratti incomprensibile. Intanto le case. Alcune tristemente vecchie, vecchi casali con ambienti sorti in chissà quale epoca dove si realizza l’antica vicinanza tra uomo e capre; oppure sono nuove ma non finite, frutto di una esplosiva ma incompiuta dilatazione edilizia: parti di muro ancora non intonacato si alternano a salotti completamente arredati, mentre sempre è inquadrata una fila di mattoni nudi o un’intercapedine da completare o dipingere. In questa dimensione incompiuta si snoda la complessità di un mondo misterioso tinto di nero e di sangue: per procurare offese e reiterare sgarbi si rubano capretti subito arrostiti; ancora Luigi sgozza di persona l’animale che dovrebbe sancire l’unità ritrovata di famiglie e amicizie. Le automobili sono rigorosamente nere, scivolano silenziose nella notte a portare visi incupiti, espressioni intagliate nell’ebano; nessuno ride in questa storia e il sorriso, quando avviene, pare l’anticamera macabra di un delitto, accompagna il gesto di una mano che si immerge nel sangue perchè questo è ciò che accomuna gli appartenenti a questo universo rigido e misterioso. l film, tratto dal romanzo omonimo di Gioacchino Criaco, ha rivelato, fino dalla complessità della sua preparazione e lavorazione (anni per la sceneggiatura continuamente riscritta, la ricerca di luoghi, attori professionisti e facce locali avvenuta attraverso la continua tensione emotiva di una lunga attività di casting) la forza di un progetto totalizzante: mostrare non tanto una storia di crimine ma il contesto etnologico, antropologico e storico in cui questa vicenda trova la sua giustificazione; il dolore ancestrale, la contiguità con la morte e il sangue di origine biblica che ha perso ogni motivazione reale per I 27 E poi, naturalmente gli interpreti: sublimi i professionisti (quanto superbo capitale umano ha a disposizione il nostro cinema...!), straordinarie le facce dei cosidddetti non attori a rappresentare profili immobili nei secoli, visi di donne estenuate nel soffrire, espressioni caravaggesche fuoriuscite da tele del seicento. Che tipo di film abbiamo visto quindi? Non un’opera di denuncia dell’occupazione criminale di un territorio del nostro Paese, né qualcosa che assomigli a Gomorra né e dobbiamo ringraziare fortemente gli autori per questo, un lavoro epigono infarcito di stereotipi televisivi. Abbiamo visto un mondo diverso, arcaico, un’enclave nell’evoluzione sociale di un Paese che si fa forte della suprema bellezza di genti e paesaggi per esprimere qualcosa di intensamente simbolico, unico, disinteressato all’esterno, capace di portare a compimento la propria tragedia solo nell’appartenere a se stesso. Può esserci la possibilità di un avvicinamento con tutto ciò? La speranza che una fenditura si apra in questa cupa e spietata chiusura sull’assoluto? Sembrerebbe di no, pare dirci questo bellissimo film. La stessa soluzione finale scelta dal fratello maggiore ci lascia senza fiato, spiazzante nel suo carico di dolore, nella forza, nella determinazione di una scelta così insopportabile, devastante, senza ritorno; ennesima introiezione che non apre nulla all’esterno ma divora (e ne è divorata) il proprio dolore, la propria antichissima unicità. Fabrizio Moresco Film Tutti i film della stagione CHEF – LA RICETTA PERFETTA (Chef) Stati Uniti, 2014 Regia: Jon Favreau Produzione: Jon Favreau, Sergei Bespalov per Aldamisa Entertainment Distribuzione: Warner Bros. Italia Prima: (Roma 30-7-2014; Milano 30-7-2014) Soggetto e Sceneggiatura: Jon Favreau Direttore della fotografia: Kramer Morgenthau Montaggio: Robert Leighton Musiche: Mathieu Schreyer Scenografia: Denise Pizzini C arl è un famoso chef che ama la buona cucina e vorrebbe far apprezzare l’utilizzo di ingredienti semplici e genuini. La ex moglie Inez, con cui ha conservato un buon rapporto, lo spinge ad aprirsi un locale itinerante tutto suo e che gli consenta di esprimere il suo estro culinario; a causa del suo lavoro in un ristorante gestito dall’odioso proprietario Riva, Carl trascura il giovane figlio, che invece vorrebbe passare del tempo con lui e imparare a diventare uno Chef stellato come il padre. Un giorno Carl viene stroncato da una recensione da parte di un famoso critico, proprio a causa della mentalità ristretta di Riva che gli vieta di portare in tavola piatti gustosi da lui inventati il giorno prima, in favore di classici della cucina americana. Inesperto di social network, Carl pasticcia con Twitter e lancia una sfida allo stesso critico, ma all’arrivo al ristorante Carl si scontra con l’ottuso proprietario, che gli ordina di servire lo stesso menù che il food blogger aveva già stroncato, mandando su tutte le furie Carl che decide di licenziarsi. Durante la serata il critico continuerà a commentare l’operato dello chef, essendo all’oscuro che lo stesso non fosse in cucina. Carl, lette le critiche mosse al suo staff, arriva infervorato al tavolo aggredendo verbalmente il critico, ma suo malgrado la sfuriata finisce sul web mettendo fine alla sua credibilità e alla sua carriera. Grazie alle insistenze di Inez, Carl apre un chiosco di panini cubani; in sui aiuto arriva anche il suo fidato souce Chef, Martin, che insieme al figlio lo accompagnano in un viaggio itinerante per le città principali americane. Nel viaggio di ritorno da Miami riscopre la passione Costumi: Laura Jean Shannon Effetti: Mark R. Byers, Bryan Godwin, Shade VFX Interpreti: Jon Favreau (Carl Casper), Sofía Vergara (Inez), John Leguizamo (Martin), Scarlett Johansson (Molly), Dustin Hoffman (Riva), Oliver Platt (Ramsey Michel), Bobby Cannavale (Tony), Amy Sedaris (Jen), Emjay Anthony (Percy), Robert Downey Jr. (Marvin), Will Schutze (Sig. Bonetangles), Gloria Sandoval (Flora), Roy Choi (Se stesso), Gary Clark Jr. (Se stesso), Aaron Franklin (Se stesso), Benjamin Jacob (Se stesso) Durata: 114’ per il suo lavoro e recupera il rapporto con suo figlio, che diventa il suo Pr on line e, proprio grazie agli aggiornamenti costanti del ragazzo sui social, Carl ritorna a essere uno Chef apprezzato. Il critico che prima lo aveva stroncato, ora lo esalta e gli propone di aprire insieme un ristorante in cui Carl avrà sempre carta bianca sul menù e sulla gestione dello staff. Sono passati diversi mesi e il ristorante in questione va a gonfie vele e Carl si risposa con Inez. utore dei primi due capitoli di Iron man, il regista attore e sceneggiatore Jon Favreau si sposta nell’ambito della commedia, un genere che lui ben conosce come attore (ha persino recitato nella fortunata e longeva sit – com Friends). Con Chef – La ricetta perfetta, oltre a recitare, passa anche dietro la macchina da presa in qualità di produttore, sceneggiatore e regista. Il prodotto finale è un film senza infamia e senza lode, un lungometraggio adatto al periodo estivo e che regala una storia scaccia – pensieri e dalla risata semplice. La prima parte è accattivante, promettente e racconta il mondo degli Chef visto da un nuovo punto di vista: la pressione giornaliera e la voglia di sperimentare nuovi sapori. Purtroppo, dopo circa mezz’ora di film, quella che sembra una nuova commedia, si accartoccia su se stessa e diventa una storia il cui finale si comprende da subito e che non lascia spazio a colpi di scena. Favreau mescola la buona tavola a un tema che ultimamente è molto caro al cinema d’oltreoceano: il rapporto padre e figlio. Un argomento delicato con cui il regista riesce a giocare in maniera A 28 nuova ma, come è accaduto per il ritmo altalenante del film, anche questo perde di enfasi e finisce per diventare l’ennesima storia senza sorprese. Peccato per il finale troppo affrettato, che da quasi la sensazione che il regista non sapesse come giungere al culmine della storia e lascia lo spettatore con un senso di incompiuto. Nonostante questi difetti, il film non annoia e le pecche vengono edulcorate grazie all’amore per la cucina, una passione che Favreau sul serio coltiva nel privato. Le sequenze più belle sono, infatti, quelle dedicate a gustose pietanze e deliziosi manicaretti che vengono cucinati su grande schermo e che stuzzicano l’appetito dello spettatore. Talmente forte il desiderio di raccontare la cucina con la c maiuscola, che Favreau si è fatto aiutare da uno Chef per impararne l’arte; cosa evidente fin dalla sequenza di apertura, in cui l’attore si cimenta in un veloce gioco di taglio di odori vari e verdure, con tanto di giusta postura delle mani. Dal punto di vista dello stile registico non vi sono sorprese. L’unico elemento degno di nota sono le animazioni di Twitter: il piccolo uccellino blu, simbolo del social, prende vita e vola via ad ogni twitt. Ottima la colonna sonora, condita da successi cubani che ben si adattano all’atmosfera festaiola del film. Il cast include attori di primo calibro: Scarlett Johansson, qui sottotono e monotona, Dustin Hoffman, perfetto nella sua piccola parte, e un fantastico Robert Downey Jr. Ovviamente anche Jon Favreau si dimostra un buon attore, forse anche meglio di sue prove precedenti in altre commedie. Elena Mandolini Film Tutti i film della stagione FRATELLI UNICI Italia, 2014 Scenografia: Marta Maffucci Costumi: Alessandro Lai Interpreti: Raoul Bova (Pietro), Luca Argentero (Francesco), Carolina Crescentini (Giulia), Miriam Leone (Sofia), Sergio Assisi (Gustavo), Eleonora Gaggero (Stella), Massimo De Lorenzo (Primario medico), Michela Andreozzi (Giudice tutelare), Augusto Zucchi (Regista),Vanni Bramati (Piantone) Durata: 89’ Regia: Alessio Maria Federici Produzione: Matilde e Luca Bernabei per Lux Vide con Rai Cinema Distribuzione: 01 Distribution Prima: (Roma 2-10-2014; Milano 2-10-2014) Soggetto e Sceneggiatura: Luca Miniero, Elena Bucaccio Direttore della fotografia: Fabrizio Lucci Montaggio: Alessio Doglione Musiche: Paolo Buonvino P ietro e Francesco sono fratelli, ma avrebbero voluto entrambi essere figli unici. Pietro è un chirurgo affermato con un matrimonio finito alle spalle, molto egoista e incattivito dalla vita; Francesco è un eterno ragazzino che non si è mai legato a nessuna donna. Per colpa di un incidente, Pietro perde la memoria e ora è come se fosse un bambino. L’ex moglie Giulia non vuole occuparsi di lui perché sta per risposarsi con Gustavo e Francesco è così costretto a prenderselo a casa con se e a curarlo, facendo forse per la prima volta la parte del fratello maggiore. L’unica che vorrebbe davvero prendersi cura di Pietro è la giovane figlia Stella, che da sempre avverte la mancanza della figura paterna. La convivenza tra i due fratelli, che per tanto tempo si sono quasi ignorati, si rivela subito difficile e raggiunge punte tragicomiche proprio sotto gli occhi della vicina di casa di Francesco, Sofia, bella ma soprattutto molto infastidita dalla superficialità con cui Francesco cerca di aiutare il fratello. Per lei “l’amore è quel sentimento che non ti fa sentire il tempo che passa anche quando passa”, mentre per Francesco l’amore semplicemente non esiste. Sofia e Francesco cominciano così ad aiutare Pietro e, proprio grazie a lui, cominciano a capire quanto si piacciano. Un giorno Pietro, uscendo di casa, incrocia lo sguardo di una ragazza e subito il suo cuore comincia a battere forte: la ragazza in questione è proprio Giulia. Pietro e Francesco iniziano ad avvicinarsi sul serio e Francesco confida al fratello che prima era un bastardo che pensava solo al lavoro e trascurava tutta la famiglia; inoltre gli rivela, sotto consiglio medico, anche la verità su Giulia e Stella. Pietro comincia a corteggiare con semplicità Giulia, la quale comincia ad avere dei dubbi sul suo matrimonio con Gustavo. Francesco, intanto, passa una notte con Sofia, la quale desidera costruite un rapporto serio con lui, mentre per Francesco è solo una notte d’amore: Sofia se ne va. Desideroso di scoprire chi siano le donne della sua vita, Pietro convince Francesco ad aiutarlo e, così, si ritrovano a spiarle di nascosto, proprio la notte di Natale. I due vengono scoperti e passano la serata con Giulia, Stella, Gustavo e la famiglia di quest’ultimo. Nel corso della cena, in cui Giulia capisce di amare ancora il suo ex marito, Pietro ricorda tutta la sua vita, compreso il motivo reale per cui lui e Giulia si stanno separando: Giulia e Francesco si sono concessi una notte di passione. Passa qualche giorno e Pietro non riesce a perdonare né il fratello, né Giulia. Stella chiede aiuto a Pietro e Francesco per fermare le nozze della madre, che avverranno dopo capodanno. Dopo tanti tentativi fallimentari, Stella si arrende. Proprio la notte dell’ultimo dell’anno, Pietro e Francesco finalmente fanno la pace e Giulia trova il coraggio di chiedere il perdono dell’ex marito, dicendogli che lei si è concessa a Francesco solo per ferirlo, perché lui non c’era mai e lei si sentiva trascurata. Pietro, pur amandola, non riesce ancora a perdonarla. Passano altri giorni e Francesco decide di crescere e chiede a Sofia di diventare la sua ragazza e Sofia accetta. Pietro, il giorno delle nozze di Giulia, arriva sotto casa sua e la rapisce chiedendole di tornare insieme: Giulia accetta. I due fratelli si ritrovano insieme alle loro donne: finalmente sono uniti e sono una famiglia felice. lessio Maria Federici torna a parlare di memoria. Dopo il discreto Stai lontana da me, copiato dal successo americano 50 volte il primo bacio, torna nei cinema con Fratelli unici, praticamente identico alla deliziosa commedia romantica A proposito di Henry con Harrison Ford. Poche sono le differenze col film americano e, quelle poche, fanno affondare inevitabilmente l’opera del regista italiano. Ben poco avrebbe potuto fare il regista A 29 romano con una sceneggiatura di basso livello, scritta a quattro mani da Luca Miniero e Elena Bucaccio. Purtroppo lo script è costellato da scene melense (vedi le due riconciliazioni dei due fratelli con le donne amate) e da così tante banalità; ancor prima che i personaggi parlino, già sappiamo cosa diranno. Gli schemi del cinema di Miniero hanno un iter sempre identico a se stesso e i personaggi sono semplici stereotipi che seguono un paradigma classico nel comportamento: va bene che, secondo studiosi del cinema le anime dei personaggi sono sempre le stesse, ma questo non significa che bisogna seguirne alla lettera i loro comportamenti; ogni tanto è bello sorprendere e variare. Il film regala qualche momento divertente, ma davvero poca cosa in confronto a quella che dovrebbe essere un’opera per grande schermo, e che invece assomiglia a una fiction tv. Le interpretazioni di Luca Argentero e Raoul Bova sono poco credibili. Il primo soprattutto risulta troppo caricato nell’interpretazione, il che è una sorpresa, visto che Argentero è un discreto attore; nessuna novità per Bova, che raramente dimostra di essere un bravo attore. Molto brava e naturale è Carolina Crescentini, che purtroppo risente della mediocre sceneggiatura e non riesce a emergere come le compete; non male neanche la ex Miss Italia, Miriam Leone, che si dimostra un’attrice in crescita e molto carismatica. Fratelli Unici è una commediola buonista, che fa perno sui legami familiari e sull’amore che, come vuole farci capire il regista, sono radicati dentro di noi, sono elementi innati nel nostro io, a prescindere dalla memoria. Un’idea interessante, ma purtroppo raccontata così banalmente. Un film davvero trascurabile. Speriamo che Alessio Maria Federici crei qualcosa di originale e smetta di copiare, anzi di fare brutte copie, di successi americani. Elena Mandolini Film Tutti i film della stagione HERCULES – IL GUERRIERO (Hercules) Stati Uniti, 2014 Regia: Brett Ratner Produzione: Beau Flynn, Barry Levine, Brett Ratner, per Flynn Picture Company in associazione con Radical Studios Distribuzione: Universal Pictures International Italia Prima: (Roma 13-8-2014; Milano 13-8-2014) Soggetto: dai fumetti di Steve Moore Sceneggiatura: Ryan Condal, Evan Spiliotopoulos Direttore della fotografia: Dante Spinotti Montaggio: Mark Helfrich, Julia Wong Musiche: Fernando Velázquez Scenografia: Jean-Vincent Puzos Costumi: Jany Temime F iglio di Zeus e una mortale, semidio malvisto da Era, Hercules è il più grande guerriero dell’Attica. Ha compiuto dodici fatiche prodigiose ed è un vero mito, le cui storie passano di bocca in bocca; cantato dagli aedi e omaggiato dal popolo. Eppure la realtà è ben diversa. Nonostante sia un colosso umano, dalla forza superiore alla media, dall’intelligenza superiore e dall’invidiabile coraggio in battaglia, Hercules è tormentato dal massacro della propria famiglia. Costretto a fare di necessità virtù, il guerriero si guadagna il pane come mercenario insieme a un gruppo di fedelissimi, di cui fanno parte sei anime affini, con in comune l’amore per la lotta e il denaro, tra cui il nipote Iolaus, il simpatico ladro Autolico, l’uomo bestia Tideo, l’indovino Amphiaraus, la fedele amazzone Atalanta e lo stratega Autolycus. Quando il re della Tracia, Cotys, richiede il suo intervento per scongiurare l’imminente invasione dei nemici, il semidio e i suoi si lanciano nell’ambiziosa impresa di trasformare dei contadini in implacabili soldati. Questa impresa però lo costringe a fare i conti con le sfide che hanno modificato inesorabilmente il corso della sua esistenza, ovvero l’uccisione della sua famiglia avvenuta in circostanze non molto chiare, la visione continua di un cane a tre teste e la conclusione dell’ultima delle sue fatiche. Dopo un primo scontro in cui muore circa metà esercito del re, Hercules prepara i soldati tramite un duro allenamento, fino al momento in cui sono pronti per combattere. Tuttavia l’eroe comincia a mettere in discussione i motivi del re, nel momento in cui l’esercito si batte contro uomini innocenti, donne e bambini. Nel profondo dell’animo di Hercules qualcosa si muove, Effetti: John Bruno Interpreti: Dwayne Johnson (Hercules), Ian McShane (Amphiaraus), Rufus Sewell (Autolycus), Joseph Fiennes (Eurystheus), Peter Mullan (Sitacles), John Hurt (Cotys), Aksel Hennie (Tydeus), Ingrid Bolsø Berdal (Atalanta), Reece Ritchie (Iolaus), Tobias Santelmann (Rhesus), Rebecca Ferguson (Ergenia), Isaac Andrews (Arius), Irina Shayk (Megara), Joe Anderson (Phineus), Barbara Palvin (Antimache), Stephen Peacocke (Stephanos), Caroline Boulton (Vixen), Christopher Fairbank (Gryza), John Cross (Tenente Markos), Robert Whitelock (Nicolaus), Nicholas Moss (Demetrius) Durata: 120’ l’uomo capisce di essere stato vittima di una congiura da parte di un re con manie di grandezza e sete di potere, che ha l’obiettivo di distruggere la Grecia. Così rinuncia alla sua ricompensa in denaro e si trova a dover affrontare proprio quell’esercito che lui stesso aveva formato. I suoi compagni lo seguono, mettendo a repentaglio le loro stesse vite. Grazie al suo coraggio e alla sua forza sovrumana, Hercules riesce a sconfiggere Cotys, a riportare i soldati dalla sua parte e a salvare il legittimo erede al trono di Tracia. Realizzata quest’ultima “fatica” l’eroe viene trasformato in mito. l mito di Ercole al cinema ha avuto il suo momento d’oro grazie ai “peplum” degli anni ’60, per poi ritornare in alcune pellicole negli anni ’80. Tuttavia nonostante l’altisonante genealogia mitologica, Hercules non è mai riuscito a imporsi realmente nell’immaginario cinematografico. Eppure in questo periodo contemporaneamente c’è un altro Hercules in circolazione. È quello di La leggenda ha inizio, diretto da Renny Harlin e interpretato dall’ex vampiro di Twilight Kellan Lutz, che immagino possa solo regalare punti a questo fumettoso action epico, diretto invece con mano sicura Brett Ratner e interpretato con notevole impegno da Dwayne Johnson. Appropriata la scelta di usare un corpo come quello di Johnson, fisico al limite delle potenzialità umane per grandezza e potenza muscolare, reale nel suo titanismo, ma anche verosimilmente semideistico, l’unico attore in grado di mantenere vivo nel pubblico il dubbio costante che questo personaggio sia un uomo normale o no. Il film è anzitutto un adattamento dal fumetto Hercules: “The Thracian Wars”, la serie di Steve Moore, I 30 che gli sceneggiatori Ryan J. Condal e Evan Spiliotopoulos hanno tatticamente riscritto per un pubblico di famiglie. La pellicola conserva lo spirito originario della graphic novel ma, allo stesso tempo, è un omaggio al mito, anche se le fatiche che vediamo sullo schermo non sono raccontate nella maniera classica. La parte più interessante del personaggio è infatti l’accettazione del proprio fato. Quello che per il nostro Hercules è un destino differente: è un uomo normale che ha ripudiato il fatto di essere il figlio di un dio greco. Il rassegnarsi al destino e a quello per cui ci si sente chiamati. All’inizio l’eroe non si cura affatto della sua missione, poi, invece, sarà costretto a farci i conti. Perché, sebbene, tra uccisione della serpentina Idra di Lerna, combattimento con il cinghiale di Erimanto e annientamento del leone di Nemea, le famose fatiche siano immediatamente presenti nel prologo del film, l’aspetto interessante è individuabile nella scelta di rileggere in chiave realistica le avventure che hanno provveduto ad alimentare la mitologia dell’uomo dalla forza sovrannaturale, tanto da metterne in discussione la sua leggendaria fama e da mostrarlo, in fin dei conti, come un comune mortale. Un uomo perseguitato dallo sterminio della sua famiglia e che, comunque, troviamo impegnato ad affrontare pericolose battaglie tempestate di muri di scudi, frecce infuocate e, ovviamente, abbondanza di scontri corpo a corpo. In Hercules - Il guerriero il sovrannaturale si disvela attraverso i racconti, in quanto non viene propriamente mostrato, ma solo suggerito. Nel mondo di Hercules il prodigio non è chiaro se esista o meno, gli dei, le creature mitiche, le maledizioni e anche gli interventi sovrannaturali sono Film nei racconti degli aedi, ma non si vedono nella realtà; per crederci serve fede e forse una buona dose d’immaginazione. Centauri che si rivelano uomini a cavallo, Cerbero che si rivela essere tre lupi separati; ogni mito viene svelato per essere una costruzione basata su una realtà poco metafisica e molto concreta, sempre finalizzato a mietere paura, o esaltare gli animi delle truppe. Hercules promuove se stesso come figura mitica per avere un vantaggio in battaglia e fomentare i propri uomini; lo fa per creare una figura mitica che ispiri, spaventi e sia Tutti i film della stagione un simbolo. E questo non è il solo punto di contatto con quello che il cinema dei supereroi cerca di dire su queste figure. Ad un certo punto viene anche detto che gli uomini violenti attirano violenza. Così il passato del protagonista, composto da imprese tanto difficili quanto terrene, di bocca in bocca sono cresciute, diventando sforzi sovrumani contro bestie mostruose che nessuno ha effettivamente visto, e da un trauma che Hercules ricorda in maniera confusa e che lo costringe a vagare per l’Attica. Nonostante le intenzioni siano le migliori, la sceneggiatura fa acqua da tutte le parti, i dialoghi sono davvero miseri e banali e non c’è alcun approfondimento che riguardi i personaggi. La storia si avvita e riduce alla fine su tre grandi battaglie che permettono al direttore della fotografia, Dante Spinotti, di incendiare accampamenti e legioni e sollevare polvere. Campi medi e riprese a bruciapelo ci portano dritti sul campo di guerra, tra effetti speciali che sembrano andare a risparmio. Buono il cast da John Hurt a Rebecca Ferguson e Joseph Fiennes nel ruolo di re Euristeo. Veronica Barteri IL TERZO TEMPO Italia, 2012 Musiche: Ronin Scenografia: Laura Boni Costumi: Irene Amantini Interpreti: Stefania Rocca (Teresa), Stefano Cassetti (Vincenzo), Lorenzo Richelmy (Samuel), Edoardo Pesce (Roberto), Margherita Laterza (Flavia), Franco Ravera (Giudice di sorveglianza), Pier Giorgio Bellocchio (Allenatore Marcocci), Germano Gentile (Ringo),Valerio Lo Sasso (Capitano), Gianluca Vicari (Chicco), Ludovico Di Martino (Dado), Giacomo Mattia (Gollum) Durata: 96’ Regia: Enrico Maria Artale Produzione: Aurelio De Laurentiis e Luigi De Laurentiis per Filmauro, Centro Sperimentale di Cinematografia Production Distribuzione: Filmauro Prima: (Roma 21-11-2013; Milano 21-11-2013) Soggetto: Enrico Maria Artale, Luca Giordano, Alessandro Guida Sceneggiatura: Enrico Maria Artale, Francesco Cenni, Luca Giordano Direttore della fotografia: Francesco Di Giacomo Montaggio: Paolo Landolfi S amuel è un ragazzo cresciuto in un contesto familiare difficile, che entra ed esce dal riformatorio. Il magistrato di sorveglianza, finito l’ennesimo periodo di reclusione, lo affida all’assistente sociale Vincenzo e comincia a farlo lavorare in un’azienda agricola. Vincenzo è un ex giocatore di rugby che, dopo la morte della moglie, non è più riuscito a riprendersi e che attualmente allena la Frosinone Rugby con scarso successo. Samuel riesce ad adattarsi con difficoltà al nuovo lavoro e alla nuova vita, ma Flavia, figlia di Vincenzo, lo aiuta a integrarsi. Vincenzo, per caso, scopre che il ragazzo ha grandi potenzialità come rugbista e lo convince ad allenarsi con la sua squadra che, inizialmente, non lo accetta. I primi allenamenti si rivelano un fallimento e Samuel ha difficoltà a comprendere lo spirito di squadra del rugby e gioca sempre da solo per fare mete in solitaria. Il legame tra Samuel e Vincenzo non migliora e il rapporto che il ragazzo ha con Flavia peggiora definitivamente le cose. Improvvisamente, Samuel comincia ad appassionarsi al rugby e al senso della squadra e, persino i suoi compagni, lo accettano nel gruppo e festeggiano insieme un’importante vittoria. Il riscatto attraverso lo sport di Samuel, convince Vincenzo a perdonare tutte le malefatte al ragazzo e accettarlo definitivamente nella sua vita, in quella di Flavia e nella squadra che vince l’ultima, importante, partita. Il magistrato, che ha assistito alla partita, sorride compiaciuto: hanno salvato un ragazzo dalla prigione. n buon esordio quello di Enrico Maria Artale. Seppur ingenuo in alcune sequenze e in alcuni passaggi della sceneggiatura, Il terzo tempo è un film gradevole. Peccato per il cambiamento di Samuel dall’emarginazione all’integrazione nella squadra: avviene troppo repentinamente e con passaggi non molto consequenziali. Il personaggio di Samuel, seppur non innovativo, si discosta dai soliti stereotipi come anche quelli di Vincenzo e di Flavia. Infatti, è facile comprendere fin da subito quali saranno i ruoli dei vari personaggi nel film, ma grazie alla buona sceneggiatura, la storia non annoia, ma anzi mantiene alta la curiosità. Ovviamente l’opera di Artale affronta il tema U 31 della salvezza attraverso uno sport, che riesce a far cambiare la vita anche al più pessimista degli uomini. Il regista, poi, ha scelto una disciplina ad hoc: il rugby. Per sua natura, questo sport crea un senso di appartenenza a un gruppo, crea coesione, fiducia in se stessi e negli altri, elementi che sono sempre mancati nella vita di Samuel, portandolo così su una brutta china. Il film, in questo senso, ricalca molte pellicole americane come Rocky, Lassù qualcuno mi ama oppure Cinderella man. Un tentativo davvero ammirevole che si discosta dalle solite storie per adolescenti e che viene veicolata da una buona regia e una buona padronanza del mezzo. Le sequenze dedicate allo sport sono state realizzate abilmente e Artale le costruisce con stili differenti, in base ai diversi stati d’animo del protagonista: con telecamera libera e primi piani nelle partite iniziali in cui si sente isolato, alla bellissima sequenza rallenti della partita finale in cui ci sono panoramiche dei passaggi fra i giocatori. Bravi gli attori Lorenzo Richelmy (Samuel) e Stefano Cassetti (Vincenzo). Elena Mandolini Film Tutti i film della stagione LA MOSSA DEL PINGUINO Italia, 2014 Regia: Claudio Amendola Produzione: Guido De Angelis, Nicola De Angelis, Marco De Angelis per Dap Italy – De Angelis Group Distribuzione: Videa Prima: (Roma 6-3-2014; Milano 6-3-2014) Soggetto: Michele Alberico, Giulio Di Martino, Andrea Natella Sceneggiatura: Claudio Amendola, Edoardo Leo, Michele Alberico, Giulio Di Martino Direttore della fotografia: Antonio Grambone Montaggio: Alessio Doglione Musiche: Giorgio H. Federici a storia di Bruno inizia dalla fine nel suo carretto di grattachecca a Roma, quando incontra un famoso ed esperto giocatore di curling. Bruno comincia a raccontare così a un suo collega la sua vicenda. Nel 2005, Bruno, con l’aiuto del suo fidato amico di sempre Salvatore, trova la casa dove finalmente potrà trasferirsi con la sua famiglia. Purtroppo però incappa in una truffa e perde tutto il denaro che aveva consegnato come acconto. Così il padre di famiglia per riparare il danno, insieme a Salvatore, si mette a fare le pulizie notturne in un museo ma guadagna poco; gli viene l’idea per riguadagnare tutto il denaro perso: diventare giocatore di curling e partecipare ai campionati europei. Ma per poter partecipare occorre una squadra e Bruno prova a metterne su una, all’insaputa della moglie Eva e del figlio Yuri. Così i due amici mettono ovunque annunci per trovare i due giocatori mancanti, ma a rispondere all’appello sono inizialmente solamente anziani. Con fatica oltre al suo amico Salvatore riuscirà a convincere a partecipare uno scontroso ex vigile, esperto giocatore di bocce, Ottavio e Neno, un provetto giocatore di biliardo. I due non si possono quasi guardare in faccia e così gli allenamenti, già difficoltosi per la natura dello sport, diventano davvero durissimi. Salvatore inoltre ha una situazione difficile in casa: vive solo con il padre malato che varie volte ha provato a scappare di casa. Mentre incombe lo sfratto per la sua famiglia, Bruno decide di acquistare l’attrezzatura per il curling con i soldi che erano destinati all’acconto della casa nuova. Eva si accorge del suo piano segreto e lo caccia via di casa. Bruno quindi, dopo essere stato licenziato dal museo, cerca un altro lavoro e abbandona la squadra. Dopo varie difficoltà riesce a riprendere in mano la sua vita, a tornare dalla sua famiglia e dai suoi compagni di squadra ricominciando così a credere nei suoi sogni. L Scenografia: Roberto De Angelis Costumi: Antonella Cannarozzi Interpreti: Edoardo Leo (Bruno), Ricky Memphis (Salvatore), Ennio Fantastichini (Ottavio), Antonello Fassari (Neno), Francesca Inaudi (Eva), Sergio Fiorentini (Padre di Salvatore), Elisa Di Eusanio (Ale), Damiano De Laurentiis (Yuri), Emanuele Propizio (Fabio), Barbara Scoppa (Lisa), Rita Savagnone (Direttrice museo), Stefano Fresi (Omone), Antonello Morroni (Sostituto di Bruno), Alessia Amendola (Isolde Receptionist) Durata: 94’ a mossa del pinguino, opera prima di Claudio Amendola, scritta insieme ad Edoardo Leo (che interpreta il ruolo di Bruno), Michele Alberico e Giulio Di Martino (con soggetto di Andrea Natella) è prodotta dai De Angelis. Con questo film, il noto attore intendeva inserirsi nel filone della commedia all’italiana; vediamo, ad esempio, l’omaggio e la lontana rimembranza della celeberrima scena della lettera dettata con Totò e Peppino in Totò, Peppino e la malafemmina del 1956. È un film, quello dell’attore, che rappresenta con precisione e realismo uno spaccato di vita romano, soprattutto per quel che riguarda la scenografia e i costumi. Altro film a cui La mossa del pinguino fa omaggio è l’opera di Cattaneo del 1997 Full Monty, per i piani strampalati in cui si imbattono i due protagonisti, come anche in Cool Runnings - Quattro sottozero di Jon Turteltaub e Machan di Uberto Pasolini. Molto efficaci Ricky Memphis ed Edoardo Leo nei loro ruoli, come anche Ennio Fantastichini e Antonello Fassari. Sembra, poi, per via della scelta del cast, che Amendola abbia voluto ricreare un po’ l’atmosfera dei Cesa- L roni. La sua semplice regia, infatti, sembra seguire nelle inquadrature e nei dialoghi una scelta più televisiva che cinematografica. Su tutti però, a mio parere, spicca come sempre la bravura di Sergio Fiorentini e anche del piccolo ma saggio Damiano De Laurentiis, nei panni di Yuri. Molto interessante la rappresentazione del rapporto padre – figlio, sia nel caso di Bruno con Yuri ma anche del legame tra Salvatore e il papà. Così anche è simpatico seguire il cambiamento di rapporto tra Ottavio e Neno, dove, usando la terminologia sportiva, come due palle da biliardo passano dallo sbocciare all’accostare. Come ogni commedia leggera che si rispetti, anche in La mossa del pinguino la risposta sta nella semplicità e nell’ intelligenza di un bambino, quello che, guardando un documentario naturalistico sui pinguini rimane stupito da una loro tecnica; quella stessa tecnica che suggerirà al padre per vincere, scivolando sul ghiaccio, la partita di curling e quella con se stesso per diventare un uomo migliore. Giulia Angelucci IL CASTELLO MAGICO (The House of Magic) Belgio, 2013 Regia: Ben Stassen, Jeremy Degruson Produzione: Ben Stassen e Caroline Van Iseghem per Nwave Pictures, Studio Canal International, Anton Capital Entertainment Distribuzione: Notorius Pictures Prima: (Roma 1-1-2014; Milano 1-1-2014) Soggetto: Ben Stassen Sceneggiatura: James Flynn, Domenic Paris, Ben Stassen Musiche: Ramin Djawadi Durata: 90’ 32 Film T uono è un gattino color rame che viene abbandonato per strada. Diventa un randagio e va in cerca di qualcuno che lo accolga. Dopo incontri di vario tipo tra cui un simpatico chihuahua, Tuono arriva nel castello temuto da tutti gli abitanti del circondario; si dice che sia infestato. Il gattino coraggioso fa di testa sua e, una volta entrato, si rende conto che gli oggetti e gli animali al suo interno sono tutti esseri animati. Il gattino all’inizio trova grandi difficoltà nell’essere accettato dai leader di questa squadra animata, ovvero il coniglio Jack e la topolina Maggie. Non c’è verso di far andare loro a genio il nuovo arrivato, mentre il padrone di casa, l’anziano Lawrence, lo accoglie con immensa amorevolezza e lo chiama Tuono per la sua allergia ai temporali. Durante il giorno Lawrence esercita con i bambini in ospedale il mestiere di una vita: quello di mago illusionista. La vera minaccia per il tenero micetto, per Lawrence e il suo castello magico è il nipote Daniel. Questi infatti vorrebbe cacciare lo zio dalla villa rinchiudendolo in una casa di riposo e vendendo l’immobile. Un giorno, di ritorno dall’ospedale, a causa di un dispetto che Jack e Maggie fanno a Tuono, Lawrence rimane vittima di un incidente in bici e viene ricoverato in ospedale. Così Daniel trova l’occasione perfetta per mettere in vendita la casa. Tante sono le persone che vengono a visitare il castello, ma vengono disturbate dai dispetti degli animali o degli oggetti di Lawrence. Tuono trova infatti tanti piani diversi per difendere l’edificio; basta la sua presenza a far sternutire Da- Tutti i film della stagione niel, allergico ai gatti. A un tratto, il malefico nipote, stanco di non riuscire nel suo intento, ricorre ai metodi forti decidendo di raderla al suolo con un ariete meccanico con sfera d’acciaio. Inizia la demolizione, Tuono aiuta gli altri a mettersi al riparo e salva la vita a Maggie, che da quel momento in poi diventa riconoscente. Riesce a entrare nel macchinario venendo così a contatto con Daniel che ferma il macchinario ormai stremato dall’allergia. Intanto Lawrence che non aveva ricevuto notizie dal nipote e accortosi di un depliant lasciatogli da Daniel su una casa di riposo; così preoccupato si fa trasportare di nascosto in ambulanza dai bambini dell’ospedale riuscendo ad arrivare in tempo per salvare l’abitazione. Così il castello con il suo padrone riprende vita, Daniel continua a fare l’agente immobiliare e ricominciano gli spettacoli di magia in una famiglia più unita e allargata con Tuono e il simpaticissimo chihuahua. l castello magico è un film sugli animali, sull’amicizia ma soprattutto sulla famiglia. Tema portante è quello dell’accoglienza del nuovo e dell’altro. Una pellicola quindi, quella targata Jeremy Dereguson e Ben Stassen, che parla di amore per il prossimo. Dopo Le avventure di Sammy, i registi sembrano far omaggio ai grandi classici dell’animazione come Toy Story (l’idea degli oggetti animati), Casper (l’ostacolo di un personaggio che vuole lucrare su una realtà fantastica) e tanti altri. La soli- I darietà è un valore prezioso come anche la generosità; così agli spettatori emerge lampante la differenza tra l’atteggiamento nei confronti di Tuono dell’anziano Lawrence e di Jack e Maggie. Pensiamo poi alla figura positiva di Tuono che, pur avendo difficoltà nell’ entrare a far parte di quella realtà, è comunque disponibile per l’altro. Non c’è rancore, nè vendetta, provata dal gattino, come neanche in Lawrence che, dopo tutti i torti subiti dal nipote, non lo punisce in maniera severa. Per questo risulta originale anche il finale della storia, da scoprire fino all’ultima scena. Lawrence poi, oltre ad essere amante della sua casa, dei suoi oggetti e dei suoi animali, sfrutta il tempo della pensione per un servizio socialmente e umanamente utile: quello di intrattenere i bambini che sono ricoverati in ospedale. Altri punti a favore di questa pellicola sono le musiche adoperate, molto belle, tra cui grandi classici a cura di Ramin Djawadi. I disegni sono veramente eccezionali e da sottolineare anche la bravura dei doppiatori: da Giorgio Lopez a Roberto Stocchi, da Riccardo Suarez a Carlo Valli. Raccontano i registi che Il castello magico si basa su un film d’attrazione realizzato una decina di anni fa. Si trattava di un film 4D che durava circa 10-15 minuti intitolato Haunted House. L’animazione belga europea convince quindi per il ritmo delle sue scene di azione e per le inquadrature originali in soggettiva. Una colorata e delicata favola per grandi e piccini. Giulia Angelucci FRANCES HA (Frances Ha) Stati Uniti, 2012 Regia: Noah Baumbach Produzione: Noah Baumbach, Scott Rudin, Lila Yacoub, Rodrigo Teixeira per Rt Features, Pine District Pictures Distribuzione: Whale Pictures Prima: (Roma 11-9-2014; Milano 11-9-2014) Soggetto e Sceneggiatura: Noah Baumbach, Greta Gerwig Direttore della fotografia: Sam Levy Montaggio: Jennifer Lame Musiche: George Drakoullias Scenografia: Dam Lisenco F rances è una ragazza di ventisette anni che vive a New York con la sua migliore amica Sophie. Con lei non condivide soltanto la casa, ma anche le sue più intime confessioni, i segreti e i sogni. La protagonista è infatti tirocinante Costumi: Tesa Maffucci Interpreti: Greta Gerwig (Frances Halladay), Mickey Sumner (Sophie Levee), Charlotte D’Amboise (Colleen), Adam Driver (Lev Shapiro), Hannah Dunne (Ragazza), Michael Esper (Dan), Grace Gummer (Rachel), Patrick Heusinger (Patch), Josh Hamilton (Andy), Cindy Katz (Donna del Congresso), Maya Kazan (Caroline), Justine Lupe (Nessa), Britta Phillips (Nadia), Juliet Rylance (Janelle), Dean Wareham (Spencer), Michael Zegan (Benji), Gordon Gerwig (Sig. Haliday), Christine Gerwig (Sig.ra Haliday), Serena Longley (Abby) Durata: 86’ presso un’accademia di danza e spera di poter ottenere un ruolo fisso nella compagnia di ballo. Sophie d’altro canto sogna di poter lavorare nell’editoria. Le due ragazze vivono in simbiosi, come fossero due innamorate, due anime gemelle. Un giorno 33 Dan, fidanzato di Frances, le propone di andare a vivere insieme, ma lei rifiuta pur di non abbandonare Sophie. Qualche giorno dopo tuttavia è Sophie stessa ad annunciare all’amica d’aver trovato una nuova casa in una zona migliore nella quale andrà a vivere Film Tutti i film della stagione Frances ha ritrovato la felicità e la stabilità economica e può finalmente trasferirsi nella sua nuova casa. irato in una New York in bianco e nero, la pellicola racconta, a volte in maniera intima, altre distaccata, la crescita e l’evoluzione di una ragazza coraggiosa, forte e genuina, ma anche goffa, imbranata e inevitabilmente sfortunata. Scritto e diretto da Noah Baumbach (che tra le altre cose ha collaborato con Wes Anderson alle sceneggiature di Le avventure acquatiche di Steve Zissou e Fantastic Mr. Fox) il film trova la sua forza nella caratterizzazione dei personaggi, uno su tutti, ovviamente, quello di Frances, interpretata in maniera eccellente da Greta Gerwig. Le continue delusioni, sofferenze e complicazioni cui la protagonista è costretta, la portano lentamente, passo dopo passo, caduta dopo caduta, a liberarsi delle illusioni e a prendere finalmente coscienza di se, delle proprie forze, ma anche dei propri limiti. La Frances che lasciamo alla fine della pellicola è serena, centrata in se stessa, indipendente e libera di poter essere sola e felice. Ironico nei dialoghi e con un buon ritmo narrativo, “Frances Ha” non annoia quasi mai e riesce, anche grazie all’uso del bianco e nero, a creare un’atmosfera poetica intorno ai personaggi, in particolare ai quattro principali (Frances – Sophie, Lev – Benji), giovani aspiranti artisti, sfacciati, profondi, cinici e fragili. Baumbach riesce dunque a impacchettare un film piacevole, che, attraverso le vicende della protagonista, ci racconta gli ostacoli della vita in una cornice atemporale e romantica e che ci esorta a sognare senza illuderci, a credere in noi stessi senza mentirci, ma anche a non prenderci troppo sul serio. G con un’altra ragazza. Frances rimane delusa. Una sera Frances esce con un ragazzo, Lev, amico in comune con Sophie. Dopo la cena i due vanno a casa di Lev e quest’ultimo informa Frances che una delle stanze dell’abitazione si libererà presto. In seguito, fa il suo ingresso Benji, coinquilino di Lev. La ragazza coglie la palla al balzo e decide di affittare la stanza ed andare a vivere con i due. Lev e Benji sono due artisti, non dissimili da Frances e Sophie: il primo, espansivo e sicuro di se, ama le moto e le donne, il secondo, più profondo e riflessivo, scrive sketch comici e sceneggiature. È proprio con Benji che Frances instaura un rapporto di profonda amicizia. Qualche tempo dopo la ragazza viene convocata dalla direttrice dell’accademia di danza, che le comunica che non farà parte dello spettacolo di Natale. Frances, amareggiata, è costretta a lasciare la casa dei ragazzi poichè non può più permettersi di pagare l’affitto. Arrivate le feste, la protagonista visita i suoi genitori nella casa di famiglia a Sacramento: qui vive momenti di gioia e di serenità. Frattanto, tornata a New York, Frances viene a sapere che Sophie si è fidanzata con un ragazzo e che a breve i due si trasferiranno in Giappone per motivi lavorativi. Sempre più sola e incupita, la ragazza cerca di evadere dalla sua grigia realtà volando a Parigi per un fine settimana, ma senza successo. Ritornata nella “grande mela”, Frances viene convocata una seconda volta dalla direttrice che inaspettatamente le offre non un posto nella compagnia di danza, bensì in uno degli uffici dell’accademia. Lei, colpita nell’orgoglio, rifiuta. Successivamente ritroviamo la protagonista nel suo vecchio liceo, dove si occupa di varie mansioni per sbarcare il lunario. Un giorno, senza preavviso, Sophie fa il suo arrivo con Pach, futuro marito, per un’asta di beneficenza organizzata dall’istituto. Sophie alza il gomito e litiga con Pach. Nella notte trova conforto dalla sua vecchia amica Frances, che la ospita nel dormitorio e la consola: le due si sono finalmente ritrovate. Qualche tempo dopo, la ragazza decide di accettare il posto offertole nell’ufficio dell’accademia. Parallelamente svolge il ruolo di coreografa organizzando uno spettacolo di successo. Giorgio Federico Mosco TRANSCENDENCE (Transcendence) Stati Uniti, 2014 Regia: Wally Pfister Produzione: Straight Up Films, Syncopy, in associazione con DMG Entertainment Distribuzione: 01 Distribution Prima: (Roma 17-4-2014; Milano 17-4-2014) Soggetto e Sceneggiatura: Jack Paglen Direttore della fotografia: Jess Hall Montaggio: David Rosenbloom Musiche: Mychael Danna Scenografia: Chris Seagers Costumi: George L. Little Effetti: Nathan McGuinness, Double Negative Interpreti: Johnny Depp (Will Caster), Paul Bettany (Max Waters), Rebecca Hall (Evelyn Caster), Kate Mara (Bree), Cillian Murphy (Anderson), Clifton Collins Jr. (Martin), Morgan Freeman (Joseph), Falk Hentschel (Bob), Cory Hardrict (Joel Edmond), Fernando F. Chien (Heng), Luce Rains (Rodger), Akshay Patel (James), Johnny Bautista (Scott), James Burnett (Jim), Sam Quinn (Drake), Xander Berkeley (Dott. Thomas Casey), Steven Liu (Chiu) Durata: 119’ 34 Film I l dottor Will Caster è tra i più acclamati scienziati del mondo, prossimo alla messa a punto di una macchina senziente in cui si trovino integrate e combinate conoscenze ed emozioni umane con le capacità di calcolo e “pensiero” di una rete di calcolatori, Caster viene attaccato da un gruppo di terroristi che osteggiano la realizzazione dei suoi progetti: dopo aver avvelenato buona parte dei ricercatori coinvolti, colpiscono direttamente anche Caster, che solo una volta portato in ospedale scopre – nonostante essersi salvato dall’attentato – di esser destinato anche lui alla morte. Dopo qualche incertezza, presto la di lui consorte Evelyn decide, mossa dall’ossessione della sopravvivenza del marito, di tentare la via più estrema e, coinvolto l’amico e collega Max Waters, lavora al “caricamento” della coscienza di Will Caster dentro un computer, sfruttando proprio i risultati del progetto incompiuto Transcendence. Prima che i terroristi riescano a fermarla, poche ore dopo la morte “organica” del consorte, Evelyn Caster riesce a mettere in rete la coscienza dell’uomo. Inizia così una breve latitanza guidata dall’alter ego digitale di Will che –una volta avuto accesso alla rete globale – è diventato praticamente onnipotente e onniveggente. In poche rapide mosse i due coniugi costruiscono una base laboratorio sperduta nel deserto della più remota provincia statunitense. Mentre i progressi della coscienza digitale dello scienziato producono risultati sempre più stupefacenti sulla via di un vagheggiato risanamento radicale del pianeta – la ricostruzioni dei tessuti organici dal nulla, il controllo delle menti, e perfino il controllo sulla vita e sulla morte - Evelyn inizia a vivere con sempre maggior timore e inquietudine l’invasiva presenza del marito digitalizzato, iniziando a dubitare che si tratti in realtà solo di una simulazione della coscienza dello scienziato usata dal software come “forma” dentro la quale crescere e agire. Quando compaiono i primi gesti di violenza, Evelyn si convince a contattare l’amico Max – ormai allontanatosi e divenuto ostile ai progetti della coppia – in cerca di aiuto. Waters si allea a sua volta con i terroristi e ordisce un piano che prevede l’annientamento dell’ormai tentacolare Caster digitale attraverso l’uso di un virus che possa annientarlo, contemporaneamente distruggendo la rete mondiale dentro la quale ormai la coscienza informatizzata dello scienziato si è capillarmente diffusa fino ad averne il controllo assoluto. Il piano sembra destinato al fallimento quando ormai Caster – ricostruitosi nel frattempo anche un corpo nuovo – ha vanificato la guerriglia degli oppositori dalla quale nel frattempo Evelyn – depositaria del virus fatale e ultima potenziale minaccia – è stata gravemente ferita. Eppure Will, spiazzando i suoi vecchi amici che ora lo combattono, Tutti i film della stagione rivela di conoscere il piano di annientamento e di essere disposto al sacrificio. Appena dopo aver dismotrato all’amata Evelyn, ormai in fin di vita, la sua vera umanità, Will procede alla propria distruzione. In una coda successiva all’epilogo, mentre il mondo ormai è piombato in una generale regressione pretecnologica, una rapida inquadratura allude alla possibile sopravvivenza dei due protagonisti. niziamo con qualche considerazione statistica. Primo: Johnny Depp è ormai ufficialmente un attore bisognoso di successi, visto che nessuno nella serie degli ultimi titoli interpretati gli ha concesso consenso di pubblico né di critica. Secondo: nella stagione cinematografica 2013-2014 Transcendence è almeno il secondo film – dopo Capitan America- The Winter Soldier – a mettere in scena il cervello (e la personalità tutta) di un uomo travasata in un computer con il manifesto ed esplicito scopo di superare la fragilità del corpo umano e l’angusta cronologia della vita dell’uomo. Il lento e graduale dissolversi del confine tra organico e inorganico non è neppure più argomento da racconto di fantascienza: biologia e cibernetica s’incontrano sempre più spesso e sempre più incredibili e concreti sono i risultati di questi incroci; e mentre le macchine evolvono seguendo sempre più da vicino il modello della vita organica, l’essere umano cerca la propria redenzione e il proprio superamento inseguendo traguardi che solo l’ausilio del non-umano può consentire di (sperare di) raggiungere. La sceneggiatura è originale, l’idea non viene da un’opera letteraria o da un fumetto, ma dalla penna di Jack Paglen. Del film si è scritto male e al botteghino – ennesimo insuccesso per Johonny Depp ormai in una lunga serie negativa di film in- I felici e sfortunati – le cose non sono andate meglio. Eppure Transcendence è uno dei pochi film nelle ultime stagioni che sembra tentare il recupero di una fantascienza giocata meno sul piano dell’azione e più su quello dell’intreccio, una fantascienza che, più che spaventare o stupire, punta a inquietare e che preferisce usare l’effetto speciale (ormai sempre più spesso solo “effetto visivo”) per alimentare il racconto invece che per sostenere lo spettacolo. La storia d’amore tra i due protagonisti fa da base d’innesto per i veri temi del film, un po’ argomenti – all’incrocio tra frontiere della medicina e delle nuove tecnologie -prossimi a diventare di stringente attualità e un po’ dilemmi un tempo dominio esclusivo della narrativa di genere e nell’ipotesi più nobile della filosofia, oggi sempre più interni al percorso delle discipline scientifiche in senso proprio. In sintesi: fino a quando esisteranno confini certi tra organico e inorganico, umano e non umano? E poi: quali sarebbero le scelte di un individuo dalle capacità materiali potenzialmente illimitate? E infine: secondo quale etica e quale visione ideale sarebbero compiute queste scelte? Il film avanza per fasi alterne, costruendo una storia a suo modo efficiente che però sembra qua e là perdere l’orientamento e la misura arenandosi quando la scrittura fatica di più a starle dietro nell’esplorazione dei suoi risvolti meno immediati. Eppure la traccia sentimentale serve inaspettatamente bene a dare forza e concretezza, a definire e quasi circostanziare l’iperbole fantascientifica che attraversa atmosfere attinte da diversi sottogeneri della fantascienza cinematografica classica e che, dopo un prefinale caotico e disorganizzato, si esaurisce in un più calibrato epilogo emotivo. Silvio Grasselli SE CHIUDO GLI OCCHI NON SONO PIÙ QUI Italia 2013 Regia: Vittorio Moroni Produzione: Vittorio Moroni per Son con Rai Cinema Distribuzione: Maremosso in collaborazione con Lo Scrittoio Prima: (Roma 18-9-2014; Milano 18-9-2014) Soggetto: Vittorio Moroni Sceneggiatura: Vittorio Moroni, Marco Piccarreda Direttore della fotografia: Massimo Schiavon, Andrea Caccia Montaggio: Marco Piccarreda Musiche: Mario Mariani Scenografia: Fabrizio D’Arpino Costumi: Grazia Colombini Interpreti: Giorgio Colangeli (Ettore), Beppe Fiorello (Ennio), Mark Benedict Bersalona Manaloto (Kiko), Hazel Morillo (Marilou), Anita Kravos (Prof.ssa Giuliani), Elena Arvigo (Prof.ssa Granatelli), Ivan Franek (Feliks), Stefano Scherini (Prof. Macrì), Ignazio Oliva (Jacopo),Vladimir Doda (Spiro), Igor Sancin (Vesko) Durata: 100’ 35 Film N ord Italia. Kiko ha 16 anni. Suo padre, italiano, è morto tre anni prima sulla moto, investito da un anonimo pirata della strada che lo ha lasciato morire senza chiamare l’ambulanza. Sua madre Marilou è filippina. Vivono con Ennio, il nuovo compagno della mamma, un caporale che sfrutta immigrati clandestini di varie etnie. Ogni giorno, dopo la scuola, Kiko è costretto a lavorare nei cantieri edili di Ennio e, così facendo, il suo rendimento scolastico è pessimo, cosa che Kiko non sopporta, perché ha una gran voglia di sapere e conoscere. Sente di vivere nel pianeta sbagliato. C’è un solo posto dove è possibile sognare: un vecchio bus abbandonato in una discarica che Kiko ha trasformato nel suo rifugio e dove ci sono tutte le foto del padre e tutti gli oggetti più curiosi che colleziona, prendendoli in giro per la sua cittadina. Kiko parla al padre come se fosse ancora vivo, lo idolatra, lo ha elevato a uomo perfetto a cui confidare ogni segreto. Un giorno, un vecchio amico del padre, Ettore, irrompe nella sua vita proprio nel momento di più estremo bisogno: viene colto in flagrante mentre stava rubando un portatile. Ettore lo salva e si offre di diventare il suo maestro. Kiko migliora visibilmente a scuola e dimostra di essere molto intelligente e avere un’ottima capacità di ragionamento; riesce persino a ribellarsi a Ennio, che per tutta risposta lo picchia; nel cercare di difenderlo, Marilou, incinta del compagno, viene colpita da Ennio che si sente gravemente in colpa. Kiko lo denuncia alla polizia e Ennio viene arrestato e gli immigrati clandestini rispediti nel loro paese d’origine. Marilou lo affronta e lo sgrida, dicendo che ha fatto un grosso Tutti i film della stagione errore. Kiko si rifugia a casa di Ennio e il suo rendimento scolastico cresce ancora, ma a questo punto Ettore si sente in dovere di rivelargli la verità: tre anni prima gli è stato diagnosticato un cancro terminale ai polmoni; sconvolto dalla notizia si è messo alla guida e, involontariamente, ha investito il padre; non avendo il coraggio di fermarsi, decise che in futuro avrebbe trovato un altro modo per aiutare Kiko e Marilou. Kiko reagisce malissimo e torna a casa di sua madre, costretta a lavorare di notte come donna delle pulizie, in quanto Ennio è sotto processo ed è caduto in depressione. Kiko abbandona la scuola per aiutare Marilou. Arriva una lettera di Ettore, in cui gli dice che gli lascia tutti i suoi averi in eredità e che ormai deve entrare in ospedale per la finale terapia del dolore. Quando ormai è troppo tardi, Kiko capisce che gli manca e gli manca quello che gli stava insegnando; giunto in ospedale, scopre che è Ennio è deceduto da poco. ittorio Moroni ha vinto per ben due volte il Premio Solinas per Il sentiero del gatto e Una rivoluzione e vanta una nomination ai David di Donatello e ai Nastri d’argento per Tu devi essere il lupo. Dopo ben quattro anni di lavoro, torna alla regia con Se chiudo gli occhi non sono più qui, film con cui affronta troppi temi contemporanei, senza scavarne alcuno fino profondità. Fulcro della storia è Kiko, adolescente italo-filippino che ancora non è riuscito a elaborare il lutto per la morte del padre, deceduto a seguito di un grave incidente con la moto. Attraverso i suoi occhi, falsati da un universo in bilico tra la realtà e i suoi piccoli deliri, vediamo il mondo che lo V circonda: dai semplici problemi dell’adolescenza, la condizione e lo sfruttamento di operai clandestini, omosessualità, scontri generazionali e, persino, bullismo a scuola. Davvero troppa carne sul fuoco e l’intento di Moroni di raccontare la trasformazione da bruco a farfalla di un giovane ragazzo, si perde sotto il peso dei troppi temi menzionati. In molte scene, i passaggi sono frettolosi, le tematiche affrontate con tanta leggerezza, che il tutto doveva essere meglio scritto e levigato. Sicuramente il personaggio di Kiko ha il suo appeal; le sue motivazioni personali e la sua psiche sono ben costruite, tant’è che si patteggia per lui, ma quest’alone di incompiutezza, alla fine, tocca anche lui, perciò il coinvolgimento con Kiko resta, comunque, parziale. Il regista utilizza la camera a spalla per meglio seguire Kiko nelle sue giornate, per meglio raccontare le sue emozioni attraverso l’uso quasi eccessivo di primi piani e restando sempre vicino al suo corpo e i suoi movimenti, diventando quasi una protesi del protagonista, un intima compagna. Un punto a sfavore decisamente notevole è un alone di buonismo e perbenismo generale: troppe frasi retoriche, troppe perle di saggezza declinate in momenti inverosimili e che risultano, quindi, falsate. Anche la voce fuori campo di Kiko, che si pone importanti domande esistenziali con l’aggiunta di metafore tra stelle e galassie, diventa fastidiosa e poco collima con la figura di semplice adolescente che appare nel resto del film. Se chiudo gli occhi non sono più qui è un film ambizioso, troppo ambizioso, che si perde nel labirinto degli svariati temi affrontati. Elena Mandolini VINODENTRO Italia, Germania, 2012 Regia: Ferdinando Vicentini Orgnani Produzione: Sandro Frezza, Ferdinando Vicentini Orgnani, Evelina Manna per Alba Produzioni Srl, Moodyproduction Distribuzione: Nomad Film Prima: (Roma 11-9-2014; Milano 11-9-2014) Soggetto: liberamente ispirato al romanzo “Vino dentro” di Fabio Marcotto Sceneggiatura: Heidrun Schleef, Ferdinando Vicentini Orngnani Direttore della fotografia: Dante Spinotti Montaggio: Alessandro Heffler, Claudio Cutry (Supervisore) Musiche: Paolo Fresu Scenografia: Massimo Santomarco Costumi: Alessandro Lai Interpreti: Vincenzo Amato (Giovanni Cuttin), Giovanna Mezzogiorno (Adele), Lambert Wilson (Professore), Pietro Sermonti (Commissario), Daniela Virgilio (Margherita), Erika Blanc (Mamma commissario), Gioele Dix (Direttore Bibenda), Stefano Cassetti (Luca), Veronica Gentili (Miriam Poggiolini), Paolo Giovannucci (Lorenzo Lorenzi), Gianmaria Martini (Matteo), Franco Trevisi (Marco), Giovanni Visentin (Vescovo), Vincenzo Zampa (Panuzzo), Annalena Lombardi, Nora Tschirner, Rade Serbedzija Durata: 100’ 36 Film I l direttore di banca e sommelier di grande fama Giovanni Cuttin, viene arrestato una mattina dal Commissario Sanfelice, con l’accusa dell’omicidio della moglie Adele. Attraverso l’interrogatorio, si conosce il passato di Giovanni e come sia arrivato al successo. Solo tre anni prima era un semplice impiegato di banca, astemio, felicemente sposato. Un giorno, conosce un misterioso individuo, che si fa chiamare il Professore, e i suoi strambi assistenti Marco, Matteo e Luca. I quattro gli fanno assaggiare il prestigioso Marzemino e da quel momento la vita di Giovanni cambia: si appassiona ai vini, consegue con successo l’attestato da Sommelier presso l’Ais, diventa tra i massimi esponenti della rivista Bibenda, un esperto richiesto in prestigiosi eventi grazie al suo olfatto sopraffino e autore del libro Vinodentro. Oltre a tutto questo, arriva anche inaspettata la promozione a direttore di banca. Purtroppo il suo matrimonio comincia a vacillare e si rompe definitivamente quando Adele scopre le sue scappatelle e la quantità enorme di soldi che Giovanni spende per comprare prestigiosi vini. Adele comincia la sua guerra personale: tiene sottochiave le amate e prestigiose bottiglie di Giovanni, le degusta con amici e ricatta il marito chiedendogli soldi in cambio della loro restituzione. Giovanni arriva all’esasperazione e questo suo stress viene notato dal Professore e dai suoi assistenti che, tra Tutti i film della stagione l’altro, gli chiedono anche un prestito sostanzioso. La situazione precipita, quando Giovanni conosce una misteriosa donna, di cui non conosce il nome, con cui passa la notte proprio quando la moglie viene assassinata. Improvvisamente, Sanfelice riceve l’agognata promozione, nonché il desiderato trasferimento a Roma: un segnale tra le righe che gli intima di smettere di indagare. Il Professore, grazie alla sua influenza e potere, riesce a far chiudere le indagini e Giovanni diventa il quarto assistente del Professore: l’Evangelista del vino che mancava. erdinando Vicentini Orgnani è un documentarista, regista del film Ilaria Alpi – Il più crudele dei giorni e sceneggiatore e produttore della Guzzanti. Con Vinodentro, porta su grande schermo il romanzo omonimo di Fabio Marcotto. Un film particolare nel suo essere, che non riesce a scuotere gli animi e a rimanere impresso nella mente, neanche a poche ore dopo la proiezione. Nello script troviamo il thriller con l’indagine della polizia con prove inoppugnabili e testimonianze, la commedia surreale e il noir. L’inizio è discontinuo e si fatica a entrare nella storia, sensazione che prosegue nel corso del film a causa della struttura a flashback: temporalmente disordinati e mal gestiti. La cornice del film è il mondo del vino e gli amanti dell’enologia troveranno tanto materiale F a loro caro, soprattutto i sommelier e aspiranti tali. Tutto ciò che circonda Giovanni esiste realmente: la rivista Bibenda, l’Associazione Italiana Sommelier e tutti i vini citati. Non a caso la passione del regista è proprio l’enologia e questo interesse spicca nei momenti in cui Giovanni degusta i vini e ne decanta note, sapori e odori. Ferdinando Vicentini Orgnani si diverte, in oltre, a unire, riferimenti alla religione cristiana, letteratura, melodrammi musicali sia attraverso citazioni esplicite che più squisitamente da intenditori e un omaggio a Kubrick e al suo film Eyes Wide Shut. Interessante la fotografia di Dante Spinotti che esalta le bellezze del Trentino e le musiche di Paolo Fresu. Nonostante qualche intuizione interessante, come la suggestiva sequenza del sogno di Sanfelice, guarda caso quella che omaggia Kubrick, il film non riesce a scavare in profondità. Tra banalità e scene cliché, c’è anche la setta segreta dal potere immenso che fa molto Massoneria, ma che non è ben descritta e strutturata. Il risultato è che non si riesce ad appassionarci alla storia di Giovanni; il film scorre facilmente, ma senza entusiasmi. Sicuramente le interpretazioni altalenanti di Giovanna Mezzogiorno (Adele) e Vincenzo Amato (Giovanni) non aiutano, ma per fortuna c’è il bravo Pietro Sermonti (Sanfelice). Un film semplice. Forse troppo. Elena Mandolini I DUE VOLTI DI GENNAIO (The Two Faces of January) Gran Bretagna, Stati Uniti, Francia, 2013 Regia: Hossein Amini Produzione: Working Title Films, Timnick Films, Studiocanal Distribuzione: Videa Prima: (Roma 9-10-2014; Milano 9-10-2014) Soggetto: dal romanzo omonimo di Patricia Highsmith Sceneggiatura: Hossein Amini Direttore della fotografia: Marcel Zyskind Montaggio: Nicolas Chaudeurge, Jon Harris Musiche: Alberto Iglesias Scenografia: Michael Carlin tene, 1962. Chester e Colette, un’elegante coppia di turisti americani, visitano le antiche rovine del Partenone. Qui incontrano per caso il giovane Rydal, anch’egli americano, che di mestiere fa la guida. La coppia, incuriosita, invita Rydal a cena. Dopo la piacevole serata, il ragazzo si accorge che Colette ha lasciato un bracciale in A Costumi: Steven Noble Interpreti: Viggo Mortensen (Chester MacFarland), Kirsten Dunst (Colette MacFarland), Oscar Isaac (Rydal Keener), Daisy Bevan (Lauren), David Warshofsky (Paul Vittorio), Aleifer Prometheus (Musicista),Yigit Özsener (Yahya), Omiros Poulakis (Nikos), Karayianni Margaux (Studente del College), Nikos Manrakis (Giovane greco sulla barca), Ozan Tas (Albergatore), Socrates Alafouzos (Poliziotto alla dogana), Evgenia Dimitropoulou (Agente compagnia aerea), James Sobol Kelly (Agente FBI) Durata: 96’ macchina e così torna nell’albergo dove i due risiedono, per restituirlo alla sua proprietaria. Parallelamente, però, un detective privato irrompe nella stanza degli sposini e minaccia Chester con una pistola: scopriamo che Chester si occupa di investimenti e ha truffato svariati clienti della malavita newyorkese. Messo alle strette, Chester attacca l’uomo e lo ferisce a morte. 37 Proprio mentre sta spostando il corpo del detective, incappa in Rydal, arrivato in albergo. A questo punto, Chester, spiegata la situazione, chiede aiuto al ragazzo per scappare dall’hotel. La prima idea è quella di fuggire dalla Grecia, tuttavia la coppia non può lasciare il paese, poiché l’albergo ha i passaporti in custodia. Attraverso un contatto, Rydal riesce a far preparare dei Film nuovi documenti con delle false identità, che gli saranno però consegnati solo tra qualche giorno a Creta. I tre partono dunque la mattina successiva. Durante il viaggio, il rapporto tra Colette e Rydal è sempre più intimo, facendo scaturire in Chester una forte gelosia. Nel frattempo, i tre fuggitivi scoprono, attraverso i giornali e la radio, d’essere ricercati per l’uccisione del detective americano. Mosso dall’ennesimo impeto di gelosia, Chester ferisce Rydal e litiga violentemente con la moglie. Durante la discussione, Colette cade da una rampa di scale e muore sul colpo. La mattina successiva, Chester incontra il contatto, che gli consegna i nuovi passaporti, e fugge, inseguito però da Rydal, che, scoperto il corpo esanime di Colette, si è messo sulle tracce dell’assassino. Chester gli offre dei soldi, ma il ragazzo rifiuta, volendo vendicare la povera donna. Dieci giorni dopo, ci troviamo a Istanbul. Rydal contatta Chester fingendo d’aver deciso di accettare i soldi e dando- Tutti i film della stagione gli un appuntamento per la consegna. In realtà il ragazzo ha un microfono addosso e vuole far confessare Chester per poter essere scagionato dalle accuse di omicidio. Durante l’incontro, tuttavia, Chester scopre il piano di Rydal e fugge. Nel corso dell’inseguimento con la polizia, gli agenti fanno fuoco sull’uomo, che cade a terra. Prima di morire, egli fa avvicinare Rydal e confessa al microfono i suoi reati, scagionando così il giovane da ogni accusa. Una volta rilasciato, Rydal fa visita alla tomba di Chester, sotto la quale seppellisce il braccialetto di Colette, riunendo, almeno simbolicamente, i due innamorati. hriller raffinato e piacevole, I due volti di gennaio gioca in maniera sottile sulle apparenze, su ciò che sembra, ma ovviamente non è. Quello che nella parte iniziale del film sembra essere un uomo forte, elegante, pulito, si mostra invece, errore dopo errore, bicchiere dopo bicchiere, un essere insicuro, T fragile, vittima delle proprio debolezze. Il Chester dai capelli in ordine, dall’abito ben tagliato e dall’intrigante sigaretta all’angolo della bocca, evapora quanto più emerge la verità, che mostra invece le nevrosi e i sotterfugi di un truffatore plagiato dalla vita, tanto vittima del destino e dei propri sbagli, da uccidere involontariamente il suo unico amore. Dall’altra parte, Rydal si presenta come uno di cui è difficile fidarsi: le piccole truffe combinate ai turisti, i modi falsamente gentili, la traballante storia del padre appena scomparso, sembrano tutti elementi che nascondono le bugie di un poco di buono. Eppure, scena dopo scena, il giovane si conquista la nostra fiducia, dimostrandosi pronto ad aiutare la coppia in difficoltà e mettendosi sempre più in contrapposizione col mostro ormai dominante in Chester. È su questa dialettica che Hossein Amini, già sceneggiatore di Le ali dell’amore e Drive, sceglie di far evolvere la sua opera prima dietro la macchina da presa. Supportato da una regia precisa in ogni dettaglio e da un’ottima fotografia (splendidi i luoghi del film, da Atene a Creta fino alle strette strade del mercato di Istanbul), questo thriller con pennellate noir, funziona egregiamente, esaltando le eccellenti prove dei due indiscussi protagonisti Viggo Mortensen e Oscar Isaac, perfettamente a loro agio nei ruoli di Chester e Rydal, affiancati da una credibile Kirsten Dunst. I tre, accompagnati dalle splendide musiche di Alberto Iglesias, collaboratore storico di Almodovar, fuggono, non soltanto dalle bugie di Chester, ma forse anche dalle proprie vite, soltanto apparentemente felici e soddisfacenti. I due volti di gennaio dunque si propone come un’opera solida, equilibrata, ben confezionata da un convincente Amini che ci auguriamo di vedere più spesso dietro la macchina da presa. Federico Giorgio Mosco LA NOSTRA TERRA Italia, 2014 Regia: Giulio Manfredonia Produzione: Lionello Cerri per Lumière & Co. Con Rai Cinema Distribuzione: Visionaria e Videa in collaborazione con Gruppo Unipol Prima: (Roma 18-9-2014; Milano 18-9-2014) Soggetto: Fabio Bonifaci, Giulio Manfredonia Sceneggiatura: Fabio Bonifaci, Giulio Manfredonia, Peppe Ruggiero (collaborazione) Direttore della fotografia: Marcello Montarsi Montaggio: Cecilia Zanuso, Roberto Martucci Musiche: Mauro Pagani Scenografia: Stefano Pica Costumi: Angela Capuano Interpreti: Stefano Accorsi (Filippo), Sergio Rubini (Cosimo), Maria Rosaria Russo (Rossana), Iaia Forte(Azzurra), Nicola Rignanese (Veleno), Massimo Cagnina (Piero), Giovanni Calcagno (Tore), Giovanni Esposito (Frullo), Silvio Laviano (Salvo), Michel Leroy (Wuambua), Bebo Storti (Dario), Paolo De Vita (Maresciallo), Debora Caprioglio (Jessica), Tommaso Ragno (Nicola Sansone) Durata: 100’ 38 Film icola Sansone è un mafioso e proprietario di un podere nel Sud Italia che gli viene confiscato dalla Stato nel momento dell’arresto. Rossana è una bella e determinata dirigente di una cooperativa agricola antimafia, a cui viene assegnato il podere di Sansone. Purtroppo lei e i suoi amici non riescono, a causa di diversi boicottaggi, ad avviare l’attività. Per questo motivo, viene mandato in loro aiuto Filippo, un uomo ansiogeno che da anni lavora in un ufficio del Nord, e quindi impreparato ad affrontare la questione “sul campo”. Numerosi sono gli ostacoli che Filippo incontra e spesso deve resistere all’impulso di mollare tutto: lo trattengono il senso di sfida e le strane dinamiche di questa cooperativa di insolite persone, cui inizia ad affezionarsi, in particolar modo a Cosimo, l’ex fattore del boss e Rossana, con cui inevitabilmente nasce una storia d’amore. Sansone viene, improvvisamente, mandato agli arresti domiciliari nella villa che si trova proprio in cima al podere della cooperativa. Contemporaneamente Filippo e gli altri capiscono che c’è una talpa tra di loro. Quando Filippo scopre che Rossana da ragazza ha avuto una relazione con Sansone, pensa che sia lei la talpa: i due litigano, ma poi i comuni ideali li fanno tornare insieme. La talpa è Cosimo che boicotta anche i raccolti, dando fuoco alle viti di vino. Quando Sansone, pur di mandarli via, chiede a Cosimo N Tutti i film della stagione di gettare nel terreno pesticidi e residui tossici per renderla incoltivabile, l’amore per la terra ha il sopravvento e Cosimo lo denuncia. Filippo e gli altri non riescono a odiare Cosimo, che passa alla storia come “il pentito”. Le vicende della cooperativa diventano famose e in tanti giungono per aiutarli: l’attività prende il via e i raccolti fruttano. ipote di Luigi Comencini, Giulio Manfredonia si è fatto notare grazie a Se fossi in te, È già ieri, Qualunquemente, Si può fare. Soprattutto in quest’ultimo film il regista ha amalgamato commedia, attualità e riflessione con una certa dose di equilibrio. Purtroppo La nostra terra, con una storia che si basa sulle cooperative agricole antimafia, si fonda su stereotipi e su idee decisamente sbagliate. La storia è quella di un attivista della lotta contro la mafia che dal Nord scende in Puglia per aiutare una cooperativa a gestire e coltivare le terre tolte al potente boss locale. Il quale in un modo o nell’altro cerca di far sentire la propria influenza, dal carcere, o ai domiciliari. Scritto da Manfredonia a quattro mani con Fabio Bonifacci, La nostra terra si avvicina al vecchio stile di commediola italiana di altri tempi, molto popolare, troppo stereotipato e molto attenuato nei toni. In tal senso, sono emblematiche la scena ridicola dell’accendino a forma di pistola e quella N in cui Accorsi lancia i pomodori contro il mafioso: dovrebbe far ridere, invece è solo fastidioso per la mancata attinenza con la realtà, vedere per credere). Ad aggravare questi scivoloni c’è anche l’evidente intento di Manfredonia di voler realizzare una commedia impegnata, fatto che proprio non sussiste. Per molti aspetti, ricorda molto le nostrane fiction edulcorate con blandi tempi comici che strappano qualche debole risata e troppi (davvero troppi) personaggi stereotipati e macchiette che vivono di battute cliché e, alla lunga, diventano fastidiosi. La sceneggiatura non offre nessun colpo di scena e, anzi, è alquanto banale, compreso il finale sdolcinato in cui persino il capace Accorsi non sembra crederci, dando vita a una prova attoriale di basso livello. Tra l’altro, le mille difficoltà psicologiche del protagonista, la sua ansia e le sue manie sul controllo e i diversi tic, ci vengono solo mostrati all’inizio e poi scompaiono senza lasciare traccia: un errore davvero troppo grave da parte di un regista che scrive e lavora da anni. Si salva solo Sergio Rubini, sempre bravo, sempre credibile. Per il resto il film è davvero una storia semplice per bambini che, fra l’altro, non apprenderebbero nulla nel vederlo, né sulla mafia né tantomeno su cosa significhi. Un vero scivolone per Giulio Manfredonia. Speriamo si rialzi. Elena Mandolini UNA NOTTE IN GIALLO (Walk of Shame) Stati Uniti, 2014 Regia: Steven Brill Produzione: Sidney Kimmel Entertainment, Filmdistrict, Lakeshore Entertainment Distribuzione: Koch Media Prima: (Roma 24-7-2014; Milano 24-7-2014) Soggetto e Sceneggiatura: Steven Brill Direttore della fotografia: Jonathan Brown Montaggio: Patrick J. Don Vito Musiche: John Debney Scenografia: Perry Andelin Blake Costumi: Lindsay Mckay L os Angeles. Meghan Myles è una giornalista e conduttrice del notiziario delle 17 dell’emittente KZLA6. Per coronare un suo sogno e per la sua carriera, Meghan decide di fare un colloquio all’importante emittente CNB. La sera stessa del colloquio viene lasciata dal fidanzato Kyle e le viene comunicato che è stata scelta un’altra giornalista Effetti: Furious FX Interpreti: Elizabeth Banks (Meghan Miles), James Marsden (Gordon), Gillian Jacobs (Rose), Sarah Wright (Denise), Tig Notaro, Ethan Suplee (Agente Dave), Bill Burr (Agente Walter), Larry Gilliard Jr. (Scrilla), Alphonso McAuley (Pookie), Da’Vone McDonald (Hulk),Oliver Hudson (Kyle),Carol Mansell (Charon), Willie Garson (Dan Karlin), Erin Segal (Gwen), Chris Conner (Tommy), Liz Carey (Jordan), Brandon Scott (Josh), Kevin Nealon (Chopper Steve), P.J. Byrne (Moshe), John Farley (John), Amanda Young (Julie) Durata: 95’ per quel posto tanto sperato. Così le sue amiche decidono di farla svagare un po’ facendola uscire e portandola in un locale dopo averle fatto indossare un tipo giallo appariscente. Le ragazze si sbronzano e Meghan conosce il barista Gordon, il quale si offre volontario per riportarla a casa. I due passano la notte insieme. Meghan si risveglia così confusa nel cuore della notte, 39 non ricordando niente della sera precedente in una casa sconosciuta, completamente sottosopra; ascoltando poi i suoi messaggi in segreteria le viene inaspettatamente comunicato che l’indomani i produttori della CNB, dopo aver scoperto scheletri nell’armadio della sua concorrente, verranno alla KZLA6 per incontrarla e offrirle il posto alla loro emittente. Meghan, nel più com- Film pleto caos, si affretta a uscire dall’appartamento e a scappare dal gatto di Gordon, uscendo solo con le chiavi della macchina. Una volta lasciata l’abitazione, scopre che la sua auto è stata portata via dal carro attrezzi; così si ritrova a vagare a piedi senza denaro per tutta la notte per raggiungere la redazione. La giornalista passerà una nottata da incubo tra un tassista maniaco, dei poliziotti che la scambiano per una prostituta, un covo di spacciatori di crac; viene addirittura cacciata da un autobus perché senza denaro per poter pagare il biglietto. Nel frattempo, anche una delle sue amiche ha passato la notte con un tipo conosciuto la sera prima al locale e in redazione chiamano all’impazzata Meghan senza riuscire a contattarla. Lei intanto si imbatte prima in una chiesa mormonica, in un centro estetico, dove ritrova il tassista da cui è scappata qualche ora prima, una barbona e tanti altri “incidenti di percorso”. Quando, finalmente arriva al deposito auto, al quale non riesce inizialmente ad accedere per via della custode poco permissiva, riesce a intrufolarsi di soppiatto per poi scoprire che la borsetta all’interno dell’auto le è stata rubata. Le sue amiche contattano Gordon e, attraverso un gps collegato alle chiavi dell’automobile, riescono a rintracciarla e a raggiungerla con la macchina. Nel frattempo un elicottero con a bordo un collega della redazione la preleva e insieme a Gordon vengono Tutti i film della stagione portati giusto in tempo per la diretta. La notizia che dovrà leggere però non sarà quella prevista dal gobbo. La notizia che la giornalista deve leggere riguarda la vicenda di una “signora in giallo”; così parla in maniera personale e spontanea della sua esperienza nella notte appena trascorsa. Tutto il team rimane sconvolto da questo colpo di testa, mentre i produttori della CNB la vorrebbero ingaggiare per un reality show. e qualcuno leggendo il titolo pensa di avventurarsi in un film alla Hitchcock ha sbagliato proprio genere. Una signora in giallo un po’ particolare e assolutamente diversa dalla protagonista della famosa serie televisiva Elizabeth Banks veste i panni di una sexy giornalista, in attesa di coronare il sogno di una vita, ovvero diventare conduttrice della famosa emittente CNB. Il regista Steven Brill non è un nome nuovo nell’ambito della commedia americana. Ha infatti scritto e diretto per Adam Sandler Little Nicky - Un diavolo a Manhattan (2000) e Mr. Deeds (2002). La sceneggiatura lo fa inserire nel filone di film come Adam Sandler: Otto notti di follie o di Una notte da leoni (presenta con questo analogie di sceneggiatura per quel che riguarda i postumi da sbronza dei protagonisti). Oltre a queste recenti pellicole ricordiamo sullo stesso genere Martin Scorsese in After Hours (1985) e S John Landis in Tutto in una notte (1985). A differenza, però di questi autori, che offrivano allo spettatore almeno una parvenza di riflessione esistenziale, Brill si limita esclusivamente alla concatenazione di equivoci messi in scena. Filo conduttore del film è il fatto che la giornalista Meghan venga scambiata per una prostituta. Il titolo originale della pellicola è infatti The walk of shame: quella passeggiata notturna in cui la protagonista si ritrova a negare l’evidenza dei fatti e all’essere fraintesa senza volerlo. Caratteristica del personaggio è la conclusione della lettura delle notizie: la giornalista, infatti, termina sempre augurando “Buona vita” ai suoi spettatori ricordando Jim Carrey in Una settimana da Dio. Prodotto dalla Lakeshore e dalla Sidney Kimmel Entertainment, l’opera a lieto fine di Steven Brill può dirsi caratterizzata da una brava protagonista già interprete in The next three days con Russel Crowe e da alcuni discreti caratteristi, come ad esempio gli spacciatori di crack con cui fa amicizia per potersi nascondere dalla polizia. Anche se sono molti i riferimenti alla celebre serie americana Sex and the city, a dare consigli di moda alla protagonista Meghan non sono le sue amiche ma uno spacciatore che dice agli altri due: “Meghan non può essere né una prostituta, né uno sbirro perché indossa un abito di Marc Jacobs”. Giulia Angelucci JOE (Joe) Stati Uniti, 2013 Regia: David Gordon Green Produzione: Lisa Muskat, David Gordon Green, Christopher Woodrow, Derrick Tseng per Worldview Entertainment, Dreambridge Films, Muskat Filmed Properties, Rough House Distribuzione: Medusa Prima: (Roma 9-10-2014; Milano 9-10-2014) Soggetto: dal romanzo omonimo di Larry Brown Sceneggiatura: Gary Hawkins Direttore della fotografia: Tim Orr Montaggio: Colin Patton G ary Jones ha quindici anni e già deve affrontare diverse difficoltà ogni giorno; suo padre è alcolizzato e picchia lui, la madre e la sorella Dorothy. Purtroppo, a seguito di diversi problemi creatisi a causa del pessimo carattere del padre, Musiche: David Wingo, Jeff McIlwain Scenografia: Chris L. Spellman Costumi: Jill Newell, Karen Malecki Interpreti: Nicolas Cage (Joe Ransom), Tye Sheridan (Gary Jones), Gary Poulter (Wade Jones), Ronnie Gene Blevins (Willie Russell), Heather Kafka (Lacy), Sue Rock (Merle), Adriene Mishler (Connie), Brenda Isaacs Booth (Madre Jones), Aaron Spivey-Sorrells (Sammy), Anna Niemtschk (Dorothy), Erin Elizabeth Reed (Cathy), Dana Freitag (Sue), John Daws (John Coleman), Lazaro Solares (Henry) Durata: 117’ la famiglia è costretta a cambiare città e, alla fine, giungono in una cittadina del Texas. Gary inizia a cercare lavoro e viene assoldato da Joe Ransom, un ex detenuto che vive la vita senza alcuna regola, ama la birra, le sigarette e le donne, ma è molto altruista coi deboli e 40 scontroso con gli arroganti. Assieme al datore di lavoro e al suo team si occupa di disboscare alberi e, guadagnata la fiducia di Joe, riesce a far assumere anche il padre. Tuttavia, il pessimo carattere del genitore, scansafatiche e riottoso, causa il licenziamento di entrambi. La Film famiglia di Gary sprofonda sempre più nella disperazione: il padre arriva a uccidere per rubare piccole somme, la madre vive in uno stato di totale sottomissione e disperazione, mentre la sorella si chiude in un mutismo assoluto. Il quindicenne implora allora Joe di avere un’altra possibilità. Oltre ad essere nuovamente assunto, instaura progressivamente un rapporto di amicizia con il rude e sensibile texano, tanto da riconoscere in lui un secondo padre. La situazione familiare di Gary, però, precipita: il padre accetta di concedere la figlia a un criminale della zona in cambio di denaro. Il giovane si accorge del rapimento e, recatosi da Joe, gli chiede le chiavi del suo camioncino, determinato a uccidere il genitore degenere. Ransom non lo lascia andare da solo: giunto con lui nel luogo in cui sta per consumarsi la violenza sessuale, Joe uccide il malvivente e il suo complice, rimanendo gravemente ferito. Rimane il padre di Gary. Allo stremo delle forze Joe gli spara, mancandolo volontariamente, ma subito dopo l’uomo si suicida gettandosi da un ponte. Nel finale, Gary torna sul luogo, scortato dalla polizia, e abbraccia Joe per l’ultima volta. icolas Cage, finalmente, si allontana dai blockbuster movies ed è l’unico motivo interessante per cui valga la pena di vedere Joe, ultima fatica di David Gordon Green e basato sull’omonimo romanzo di Lerry Brown. Sebbene si tratti di un ruolo molto abusato (lo scorbutico e alcolizzato dal cuore d’oro che si redime nell’aiutare un ragazzo in difficoltà), l’attore riesce a regalarci una delle sue migliori prove d’artista e ci mostra un personaggio a tutto tondo, ricco di sfaccettature e dicotomie umane. È intenso N Tutti i film della stagione e toccante, davvero sorprendente. Per il resto, è un film che si potrebbe tranquillamente tralasciare. Infatti, l’ambientazione texana è stata davvero troppo utilizzata nella cinematografia americana, come anche i texani che ormai sono diventati, in questi film, la brutta copia di loro stessi. Il regista espone i fatti senza mai giudicare la storia di Joe e Gary, ma sempre con estrema passione e comunione coi suoi personaggi e, vedendo il film, è evidente quanto Green abbia voluto raccontare queste vicende. D’altra parte, Joe, come già espresso in precedenza, ci mostra una vicenda raccontata talmente tante volte, che oramai è diventata un archetipo e l’ennesimo paradigma; e lo è talmente tanto, che potrebbe essere inserito negli schemi delle sceneggiature da far studiare all’Università. L’essenza di base dell’opera di Green è molto forte, ma que- sto è merito del lavoro dell’autore Larry Brown. Il gioco di luci e ombre nell’animo umano è un aspetto molto incisivo da rappresentare: nessuno è totalmente buono o cattivo; tutti possiamo diventare eroi, tutti possiamo commettere errori. Inoltre ci pone un quesito di non facile soluzione: è giustificabile un atto violento per salvare degli innocenti? Questa domanda è, nel suo piccolo, l’annoso interrogativo che nel macro può essere espressa con: La pace è giusto conquistarla tramite la guerra? La regia e la fotografia del film sono curate in maniera impeccabile, ma il tutto risulta troppo visto, troppo perfetto e, quindi, privo di emozioni e coinvolgimento. Comunque sia, l’unico, sorprendente, elemento che varrà sempre la pena sottolineare di questo film è Nicholas Cage. Incredibile. Davvero. Elena Mandolini TUTTA COLPA DEL VULCANO (Eyjafjallajökull) Francia, 2013 Regia: Alexandre Coffre Produzione: Nicolas Duval Adassovsky, Yann Zenou, Laurent Zeitoun per Quad Productions, in coproduzione con TF1 Films Production, Les Productions Du Ch’timi, Mars Films, Scope Pictures, Chaocorp Développement Distribuzione: Bim Prima: (Roma 5-6-2014; Milano 5-6-2014) Soggetto: Yoann Gromb Sceneggiatura: Laurent Zeitoun, Yoann Gromb, Alexandre Coffre Direttore della fotografia: Pierre Cottereau Montaggio: Sophie Fourdrinov Musiche: Thomas Roussel Scenografia: Gwendal Bescond Costumi: Sonia Philouze Interpreti: Valérie Bonneton (Valérie), Dany Boon (Alain), Denis Ménochet (Ezechiel), Albert Delpy (Zio Roger), Bérangère McNeese (Cécile), Malik Bentalha (Amico di Cécile), Tiphaine Daviot (Amica di Cécile), Joan Pascu (Autista autobus) Durata: 92’ 41 Film V alérie e Alain, divorziati da anni, si ritrovano sullo stesso aereo per andare al matrimonio della figlia a Corfù. L’eruzione di un vulcano islandese, però, blocca tutti i voli in Europa costringendo i due, in pessimi rapporti fra loro, a condividere il viaggio con un’auto a noleggio. Tra un litigio e un altro, la macchina viene distrutta e gli ex-coniugi costretti a continuare con dei mezzi di fortuna. Tra incontri balordi e dispetti reciproci, Valérie e Alain infrangono decine di leggi in ogni Stato che attraversano fino ad arrivare finalmente in Grecia. Qui la polizia, allertata dalle forze dell’ordine straniere, li arresta. Inutili i tentativi di intenerire il commissario con il matrimonio della figlia, i due stanno per essere portati in cella. Valérie, però, nota uno strano atteggiamento nel cane del commissario e, da esperta veterinaria, gli diagnostica una patologia rara, ma curabile. L’uomo per ringraziarla permette a lei e ad Alain di assistere al matrimonio. I due corrono dalla figlia regalandole una giornata meravigliosa e senza litigi. Tutti i film della stagione Alla fine dei festeggiamenti vengono prelevati dalla polizia per essere condotti nuovamente in caserma fra lo stupore di tutti. el marzo del 2010 l’eruzione di un vulcano islandese ha bloccato i cieli di mezza Europa, mandando letteralmente in fumo i progetti di migliaia di viaggiatori. La vicenda tenne banco per un po’ nei vari tg suscitando interesse soprattutto per il nome stesso del vulcano, praticamente impronunciabile, ma poi venne relegata al dimenticatoio, come tutte le cose a lieto fine. Tutto questo fino a quando un regista francese Alexandre Coffre ne ha fatto un pretesto per un film on the road Tutta colpa del vulcano. La pellicola racconta la storia di due exconiugi piuttosto litigiosi costretti, a causa della cancellazione dei voli, a viaggiare insieme con mezzi di fortuna per arrivare in tempo al matrimonio della figlia in un’isoletta greca. Un’idea non originale, ma che, con i dovuti accorgimenti, sarebbe stata un’ottima base per una commedia di ampio respiro. Il film, invece, un po’ come i N già citati aerei, dopo diverse false partenze non riesce mai veramente a decollare. Il problema è da ricercare, senza dubbio, nella sceneggiatura priva di quel tocco leggero e brillante tipico della commedia. Le trovate comiche, inoltre, hanno qualcosa di forzato che le rende grottesche e poco funzionali con la trama. Un vero peccato per i due attori Valérie Bonneton e Dany Boon, sulle cui spalle poggia tutta la commedia, perché è evidente il loro impegno per intrattenere lo spettatore con scaramucce e gag da coppia scoppiata. Purtroppo non si va oltre il timido sorriso e dopo un po’ le rocambolesche avventure dei due protagonisti cominciano ad avere un effetto ridondante e soporifero. Tutta colpa del vulcano, in definitiva, è una pellicola che può tranquillamente passare inosservata, a meno che non si abbia una smodata passione per la comicità francese a prescindere dalla qualità. E in giro di gente con questo “vezzo” ce n’è tanta. De gustibus. Francesca Piano LUCY (Lucy) Francia, Stati Uniti, 2014 Regia: Luc Besson Produzione: Luc Besson e Christophe Lambert per Europacorp, Tf1 Films Production Distribuzione: Universal Pictures Italy Prima: (Roma 25-9-2014; Milano 25-9-2014) Soggetto e Sceneggiatura: Luc Besson Direttore della fotografia: Thierry Arbogast Montaggio: Julien Rex Musiche: Éric Serra L ucy è una semplice ragazza che vive a Taipei e frequenta un giovanotto chiamato Richard. Un giorno Richard la costringe a svolgere una mansione per lui: consegnare una valigetta dal misterioso contenuto a Mister Jang, un boss della malavita locale. Richard viene però bruscamente ucciso e Lucy rapita. Scopriamo che la valigia contiene una particolare sostanza: il CPH4, capace di sviluppare enormi capacità celebrali Scenografia: Hugues Tissandier Costumi: Olivier Bériot Effetti: Philippe Hubin, Richard Bluff, Nicholas Brooks, Industrial Light & Magic, Rodeo FX Interpreti: Scarlett Johansson (Lucy), Morgan Freeman (Professor Norman), Amr Waked (Pierre Del Rio), Choi Minsik (Mr. Jang), Julian Rhind-Tutt (The Limey), Pilou Asbaek (Richard), Analeigh Tipton (Caroline), Nicolas Phongpheth (Jii) Durata: 89’ in chi ne fa uso. Mister Jang fa inserire nello stomaco della ragazza e di altri tre trasportatori un sacchetto pieno di CPH4 da dover consegnare ai fini di spaccio; tuttavia Lucy, picchiata selvaggiamente da uno degli uomini di Jang, entra a contatto con la sostanza, che inizia a circolare nel suo organismo. Improvvisamente ci ritroviamo in un’aula universitaria a Parigi. Qui il Professor Samuel Norman, biologo, sta tenendo una lezione sulle capacità 42 celebrali dell’uomo: la specie umana infatti usa soltanto il 10% delle proprie capacità, mentre se raggiungesse il 20% avrebbe il pieno controllo del proprio corpo e con il 40% potrebbe controllare la materia. Grazie agli enormi poteri del CPH4, Lucy possiede ora una forza sovrannaturale ed è pressoché invulnerabile. Le sue capacità conoscitive non conoscono più limiti. È capace a comprendere qualsiasi cosa, dalla fisica alla matematica fino ai sentimenti Film di tutti gli esseri viventi. Dopo essersi fatta rimuovere il sacchetto di droga dallo stomaco, la ragazza attacca il quartier generale di Jung, al quale, attraverso la lettura della mente, riesce ad estorcere le destinazioni degli altri tre trasportatori di droga. Successivamente Lucy scopre le teorie del Professor Norman e lo contatta, mostrandogli le sue capacità e dandogli appuntamento al giorno dopo. Poi si imbarca verso Parigi. Durante il volo veniamo a sapere che la protagonista ha bisogno di altre dosi di CPH4 per poter sopravvivere; per questo motivo si rivolge al capitano della polizia francese Del Rio, che, grazie alle sue indicazioni, fa arrestare i tre narcotrafficanti. Anche gli uomini di Jang sono tuttavia nella capitale francese per recuperare la droga: lo scontro è però impari, Lucy è sempre più forte e grazie ai suoi poteri, recupera i sacchetti senza problemi. A questo punto la ragazza raggiunge il Professor Norman e i suoi colleghi nel laboratorio dell’università e illustra loro tutte le sue conoscenze, mostrando quanto sia limitata la visione umana. Dopo aver lasciato le sue memorie conoscitive in un computer, Lucy si fa iniettare tutte le dosi rimanenti di CPH4, attraverso le quali raggiunge il 100% delle capacità celebrali. All’arrivo di Jung, la ragazza è sparita e il boss viene ucciso dal capitano Del Rio. Lucy è ora parte del tutto, è andata oltre tempo e spazio. opo Anne Parillaud per Nikita e la giovanissima Natalie Portman per Lèon, Luc Besson, produttore, regista e sceneggiatore, sce- D Tutti i film della stagione glie Scarlett Johansson come protagonista del suo nuovo film. E non sbaglia. Costretta a passare dal ruolo di una ragazza semplice e senza pretese a quello di una semi-divinità profonda e sensibile ma anche sfrontata e decisa, la Johansson non delude le aspettative confermando una volta ancora le sue grandi capacità. Ed è proprio grazie all’attrice newyorkese (e al sempre piacevole Morgan Freeman se pur in un ruolo minore) che la pellicola resta a galla, sopravvive, si porta avanti. Se infatti i pregi del film si identificano innegabilmente con la prestazione della protagonista, il montaggio raffinato e la regia dinamica, marchio di fabbrica di Besson, è impossibile non trovare difetti in una sceneggiatura prevedibile e troppo somigliante ai vari Limitless (Neil Burger, 2011), Crank (Neveldine – Taylor, 2006) o Lola corre ( Tom Tykwer, 1998). Anche qui, come nelle altre pellicole, c’è una costrizione iniziale, dei poteri “speciali”, dei “cattivi” da eliminare e una corsa contro il tempo. In Lucy tuttavia, è palese il tentativo di andare oltre le semplici dinamiche fumettistiche degli altri film, arrivando a trattare interessanti temi come la conoscenza collettiva, il superamento di spazio e di tempo, la regolazione dell’universo e le leggi della natura. Tali tentativi però restano incompiuti, accennati, non approfonditi adeguatamente e non riescono a dare alla pellicola lo spessore, anche drammatico, che Besson sembra ricercare. Giorgio Federico Mosco SEX TAPE – FINITI IN RETE (Sex Tape) Stati Uniti, 2014 Regia: Steven Brill Produzione: Escape Artists, Sony Pictures Entertainment Distribuzione: Warner Bros. Italia Prima: (Roma 11-9-2014; Milano 11-9-2014) Soggetto: Kate Angelo Sceneggiatura: Kate Angelo, Jason Segel, Nicholas Stoller Direttore della fotografia: Tim Suhrstedt Montaggio: Tara Timpone Musiche: Michael Andrews Scenografia: Jefferson Sage Costumi: Debra McGuire Interpreti: Cameron Diaz (Annie), Jason Segel (Jay), Rob Corddry (Robby), Ellie Kemper (Tess), Rob Lowe (Hank Rosenbaum), Jolene Blalock (Catalina), Randall Park (Edward), Timothy Brennen (Walt), Giselle Eisenberg (Nell), Krisztina Koltai (Marta), Osmani Rodriguez (Preside Rodriguez), James Wilcox (Charlie Newhouse), Melissa Paulo (Rosie), Sebastian Hedges Thomas (Clive), Harrison Holzer (Howard), Nat Faxon (Max), Nancy Lenehan (Linda), Joe Stapleton (Dirigente Piper Bros.) Erin Brehm (Beth), Artemis Asteriadis (Kia) Durata: 90’ 43 Film J ay e Annie sono coppia con due figli che desidera ritrovare la passione perduta in anni di routine matrimoniale. Annie ricorda nel suo blog gli anni della gioventù, quando l’attrazione tra lei e Jay era davvero incontenibile. Ma ora, dopo dieci anni di matrimonio, le occasioni di fare sesso sono pochissime. Le rare volte in cui i due si trovano da soli nella loro camera da letto, sono distrutti dalla stanchezza e con poca fantasia. Una notte, finalmente soli dopo tanto tempo nella loro casa perché i bambini sono dai nonni, i due cercano di sfruttare al meglio la nottata decidendo di darsi al sesso sfrenato. Il guaio è che la passione non riesce a riaccendersi e i due appaiono più goffi che davvero desiderosi di fare l’amore. Improvvisamente hanno un’illuminazione: decidono di registrare un video hot in cui sperimentano, in una lunga maratona, tutte le posizioni del manuale The Joy of Sex. Detto fatto, i due girano il filmino con la telecamera ad alta definizione dell’ultimo modello di iPad che Jay ha ricevuto per lavoro. L’intenzione è quella di guardare il video una sola volta e poi cancellarlo. Ma il giorno dopo Jay riceve un sms anonimo in cui qualcuno lo informa di aver visto il video e di volerlo diffondere. Jay scopre così di non averlo eliminato perché non aveva chiaro il funzionamento del Cloud. E così il filmino è disponibile su diversi iPad connessi tra loro e che Jay ha regalato ad amici e conoscenti. Sulle prime Annie va su tutte le furie, poi si convince di dover partire alla caccia di tutti gli iPad in possesso degli amici. E così, per Annie e Jay inizia una notte di scatenate avventure per cercare di recuperare tutti gli iPad collegati che contengono il video. La cosa più urgente è impossessarsi dell’iPad che Annie ha appena dato al suo probabile nuovo datore di lavoro, Hank Rosenbaum, amministratore delegato di una multinazionale di giocattoli interessata al blog di Annie, un diario quotidiano della sua vita di mamma e di moglie. Insieme a Robbie e Tess, la loro più cara coppia di amici (in possesso anche loro di un iPad incriminato), Jay e Annie si recano nella grande villa di Hank decisi a recuperare il tablet. Lasciati fuori i loro amici, i due coniugi entrano nella villa con un piano preciso: mentre Annie si intrattiene in chiacchiere con Hank, Jay deve cercare l’iPad per tutta la grande villa. Ma ci si mette di mezzo un feroce cane da guardia che insegue il povero Jay Tutti i film della stagione per tutta la casa fino a farlo precipitare giù nel giardino. Grazie all’aiuto di Robbie e Tess, comunque il tablet viene recuperato. Ma sono in arrivo guai ben peggiori. Il figlio di Robbie e Tess (che è anche il mittente del primo messaggio) minaccia da Jay e Annie di caricare una copia del video sul sito YouPorn se loro non gli daranno 25.000 dollari. Non avendo i soldi, Robbie e Tess irrompono di notte nel quartier generale del noto sito e cominciano a distruggere tutti i server colpendoli a forza di bastonate. Ma scattano gli allarmi e il proprietario del sito accompagnato dai suoi collaboratori minaccia di chiamare la polizia. Poco dopo però si accorda per non chiamarla in cambio di 15.000 dollari per coprire i danni. L’uomo cancella il video e li informa che, per rimuovere il filmato dal sito, sarebbe stata sufficiente una e-mail con la richiesta di cancellazione. Dopo aver cancellato tutti i video ed aver ottenuto dal figlio di Robbie e Tess la chiavetta usb con l’ultima copia del filmato rimasta, Jay e Annie decidono di vedere una volta sola il video insieme. Dopo averlo finalmente visto, i due vanno nel giardino di casa loro e distruggono la chiavetta colpendola a martellate, poi la cospargono di liquido infiammabile e le danno fuoco. inire nella rete, per sbaglio. Suona così la nuova minaccia dell’era digitale, un pericolo che diventa realtà per una coppia sposata ormai da una decina d’anni e alla ricerca del desiderio smarrito che decide di girare un porno “casareccio”. Risate a parte, alla base del film c’è sicuramente un’operazione di marketing ben mirata da parte dei produttori, che hanno deciso di riunire il team del film Bad Teacher – Una cattiva maestra, i divi Cameron Diaz e Jason Segel diretti da Jake Kasdan. Certo, il motore del film è senza dubbio di un certo appeal per il pubblico di oggi che non potrà non sentirsi in molti casi complice del rapporto complicato con le tecnologie di cui è vittima inconsapevole il protagonista Jay. L’uomo infatti lavora in una radio e, ogni volta che arriva una nuova generazione di iPad, lui mette da parte i vecchi con le loro fantastiche playlists e li regala agli amici. Ma quegli iPad sono connessi l’uno all’altro in un Cloud. I guai iniziano proprio se non si conosce a fondo un Cloud. E così la tecnologia mostra il suo potenziale lato farsesco quando si F 44 mescola col sesso, tanto da mettere a rischio alcuni incrollabili capisaldi della società americana come la perfetta famiglia media e gli apparentemente saldi principi di moralità. L’incipit è promettente: la bella Annie che affida le sue memorie sentimentalsessuali a un blog personale dove registra i suoi pensieri di moglie e madre, ponendo a se stessa e alle sue lettrici domande cruciali del tipo: “Vi ricordate la prima volta che vostro marito vi ha visto nuda?”, “Ma soprattutto riuscite a riportare alla mente l’ultima volta?”. Ma le iniziali promesse di tanta scorrettezza si annacquano man mano che il film procede deviando verso una rocambolesca nottata trascorsa “alla ricerca dell’iPad perduto” che diventa corsa al cardiopalma per recuperare il famigerato video. Di riuscito c’è sicuramente la sequenza nella mega villa del probabile futuro capo di Annie, un potente della Silicon Valley cui la donna ha affidato un tablet per esaminare il suo blog (un Rob Lowe capo di una multinazionale di giocattoli, in apparenza rigoroso e tradizionalista, ma con il vizietto nascosto della cocaina) con il povero Jay impegnato in una ricerca dell’iPad incriminato, inseguito dal canone cattivo di turno su e giù per infinite stanze e corridoi. Felici trovate di scrittura sono poi le facili ma azzeccate frecciatine sull’ineffabilità dei riti social e della condivisione (il Cloud, questo sconosciuto, “nessuno sa cos’è il Cloud, è un ca… di mistero!” esclama un Segel sull’orlo di una crisi di nervi). La commedia tutto sommato regala qualche risata in nome di un mondo ormai eternamente connesso dove, attraverso la levità di una “nuvola”, è possibile “condividere” tutto ciò che si vuole con un solo clic (e lì sono arrivati di recente i guai per molte celebrities). Ad animare il quadro, una coppia di interpreti scoppiettante, sui cui svetta la sensualità, unita a una grande carica di ironia, di una Cameron Diaz in stato di grazia; mettono pepe sul piatto, le partecipazioni speciali del già citato Rob Lowe e di un gustoso Jack Black nei panni del capo del sito YouPorn dall’inaspettato animo sensibile. Allora, se cercate leggerezza, accomodatevi pure e godetevi un’ora e mezza di risate “condivise” (ma un po’ sprecate da uno scontato finale da famigliola felice). Anche (e soprattutto) se non sapete cosa diavolo è un Cloud. Elena Bartoni Film Tutti i film della stagione IO STO CON LASPOSA Italia, 2014 Montaggio: Antonio Augugliaro, Lizi Gelber (consulenza) Musiche: Dissoi Logoi Interpreti: Tasneem Fared, Abdallah Sallam, MC Manar, Alaa Bjermi, Ahmed Abed, Mona Al Ghabr, Gabriele Del Grande, Khaled Soliman Al Nassiry, Tareq Al Jabr, Marta Bellingreri, Rachele Masci, Chiara Denaro, Valeria Verdolini, Elena Bissaca, Ruben Bianchetti, Daniele Regoli, Marco Garofalo, Silvia Turati, Gina Bruno Durata: 98’ Regia: Antonio Augugliaro, Gabriele Del Grande, Khaled Soliman Al Nassiry Produzione: Gina Films, in associazione con Doclab Distribuzione: Cineama Prima: (Roma 9-10-2014; Milano 9-10-2014) Soggetto e Sceneggiatura: Antonio Augugliaro, Gabriele Del Grande, Khaled Soliman Al Nassiry Direttore della fotografia: Gianni bonardi, Antonio Augugliaro (riprese), Marco Artusi (riprese), Valentina Bonifacio (riprese) C ome procede, come si snoda il flusso di extracomunitari che sbarca nel nostro Paese? Il racconto di questo docu-film rappresenta una delle possibilità estreme, la più fantasiosa forse, non priva di coraggio nè di abnegazione. Un poeta palestinese e un giornalista italiano incontrano a Milano, città divenuta crocevia di intenzioni, progetti e tentativi per chi è clandestino in Italia, cinque palestinesi e siriani in fuga dalla guerra dei rispettivi territori che hanno l’obiettivo di raggiungere la Svezia: tale Paese, dichiaratosi apertamente e ufficialmente disponibile ad accogliere i profughi, assicurando loro una sistemazione è diventato una meta appetibile per molti. Il pericolo per tutti è, naturalmente, quello di essere presi per contrabbandieri, per traffcianti di esseri umani (la pena detentiva è lunga) addirittura; decidono quindi di simulare un finto matrimonio coinvolgendo un’amica palestinese che si traveste in bianco d’ordinanza e alcuni amici nella parte degli invitati. Chi mai potrà interessarsi a un gruppo di sposi e amici che festeggiano l’evento? Così questo strano convoglio si mette in macchina e procede fino al confine con la Francia; trovano poi un passaggio a piedi attraverso un sentiero percorso un tempo dai contrabbandieri italiani e giungono in Francia dove sono accolti e ospitati da amici francesi. Ben presto il gruppo si ricompatta e si mette in movimento, attraversa il Lussemburgo, la Germania e la Danimarca (opportunamente organizzate le “staffette” che procedono avanti per segnalare possibili incontri con la polizia dei vari Paesi); tutto fila liscio, i fuggiaschi si ritrovano in Svezia dopo quattro giorni e tremila chilometri a depositare le loro sofferenze e i loro sogni per costruire anni migliori. er prima cosa dobbiamo riconoscere la singolarità di quanto sta accadendo nel settore spettacolo da un po’ di tempo a questa parte: sempre più spesso assistiamo a film che non sono veri e propri film o a documentari che non sono propriamente tali. Cosa sta succedendo? È la vita reale, è la nostra società globale in senso vasto che ha assimilato così tanti aspetti nel contenere tali e tanti temi che le sue stesse espressioni non possono essere più semplicemente catalogate come finora si è fatto. Esposizioni cronachistiche, interventi personali, pezzi di realtà si mischiano a illusioni e sogni, a intime vicende e aspirazioni in un quadro fatto di personalità propria in cui non è più possibile distinguere un elemento dall’altro. Come in questo caso in cui abbiamo visto gli autori Augugliaro, Al Nassiry e Del Grande, giornalista quest’ultimo di zone di guerra, decidere di dare una mano concreta a questo gruppo di disperati in fuga, ben conoscendo come i traffici odiosi dei contrabbandieri di uomini si tramutino spesso in stragi e orrori. L’organizzazione è quindi reale, concreta, talmente reale che si piazza presto fuori della legge. Subito un guizzo: l’uso di una falsa festa di matrimonio con una bellissima palestinese che indossa il suo abito bianco fino alla fine, testimonia, da subito, la scelta della fantasia, della finzione che rasenta quasi il camuffamento per P 45 evadere o manipolare la realtà secondo le proprie illusioni. A parte l’organizzazione capillare che permette che il singolare corteo scivoli veloce senza intoppi, non dimentichiamo che questo è fatto di esseri umani (che scena dopo scena vengono in luce) con i loro zaini di esperienze, dolori e infelicità dietro le spalle: qui il film trabocca in un fiume di vita, di ricordi, di pianti e di gioia, perchè ognuno racconta quello che ha visto e avuto, la propria famiglia, chi è rimasto e chi è morto, cosa spera dalla meta lontana, cosa vuole da se stesso. Vediamo tutti i giorni cosa succede delle processioni di disperati in fuga: venduti, massacrati, annegati e i sopravvissuti sbattuti in situazioni senza futuro nè fiducia. Questo film esprime la possibilità che con un po’ di fantasia e faccia tosta e un po’ di illegalità (ma di quali reati si è macchiato il gruppo in viaggio? Quali peccati ha commesso?) le sofferenze possano avere termine e i sogni un palpito di speranza. Forse accade poco, come molti hanno rilevato, in questo lavoro, abituati come siamo tutti a uno scoppio conflittuale ogni cinque minuti; pensiamo invece alla montagna di ricordi, di esperienze e fatti personali che ci viene detta dai protagonisti del film: è questo che dà la nervatura, la solidità, la varietà a tutta la storia sostituendo l’azione con il continuo raccontare, la banalità di un’invenzione filmica con la forza della propria tragedia personale, con la nostalgia e il rimpianto che tutti accomuna, con la voglia che tutti hanno di ritagliarsi il diritto a sognare. Fabrizio Moresco Film Tutti i film della stagione IL REGNO D’INVERNO – WINTER SLEEP (Kis uykusu) Turchia, Francia, Germania, 2014 Regia: Nuri Bilge Ceylan Produzione: Zeynofilm, Memento Films Production, Bredok Film Production Distribuzione: Parthénos e Lucky Red Prima: (Roma 9-10-2014; Milano 9-10-2014) Soggetto e Sceneggiatura: Ebru Ceylan, Nuri Bilge Ceylan Direttore della fotografia: Gökhan Tiryaki Montaggio: Nuri Bilge Ceylan, Bora Göksingöl N el centro dell’Anatolia, Aydin è il proprietario di un piccolo ma confortevole albergo, l’Othello, in cui giungono turisti interessati alla struttura delle antiche abitazioni, incastonate nella roccia. L’uomo è anche il padrone di diverse case del paese, i cui inquilini non sono sempre in grado di pagare l’affitto. Con lui c’è la sorella Necla, che lo ha raggiunto dopo un matrimonio fallito. In un’altra ala dell’albergo, vive Nihal, la giovane moglie, con cui Aydin ha da tempo un rapporto molto superficiale e distaccato. L’uomo è stato attore e ora sta pensando di scrivere un libro sulla storia del teatro turco. Ad Ismail, uomo violento e problematico, umiliato dalla vita e appena uscito da prigione, vengono pignorati il televisore e il frigorifero, poiché non ha versato a Aydin l’affitto degli ultimi mesi. Ingaggiati da Aydin, che tuttavia si mostra poco interessato ai modi bruschi, i riscossori malmenano Ismail innanzi al figlioletto che, per vendetta, tira un sasso contro il furgone dove viaggiano Aydin, Hidayet; il suo autista, rischiando di mandarli fuori strada. Da questo momento il fratello minore di Ismail, Hamdi, cerca in tutti i modi il perdono di Aydin, recandosi più volte a casa sua. Con l’arrivo dell’inverno si manifestano delle discordanze sia con la sorella, che con la moglie, tanto da far pensare all’uomo di andarsene via per qualche tempo, mentre nel cassetto continua a nutrire il sogno di scrivere. La moglie Nihal da tempo, all’insaputa del marito, troppo preso dai suoi affari, sta raccogliendo con alcune persone del paese fondi per costruire una scuola. Nel momento in cui Aydin inizia a interessarsi all’iniziativa, la moglie avverte che an- Scenografia: Gamze Kus Effetti: Jean-Michel Boublil Interpreti: Haluk Bilginer (Aydin), Melisa Sözen (Nihal), Demet Akbag (Necla), Ayberk Pekcan (Hidayet), Serhat Kilic (Hamdi), Nejat Isler (Ismail), Tamer Levent (Suavi), Nadir Saribacak (Levent), Mehmet Ali Nuroglu (Timur), Emirhan Doruktutan (Ilyas) Durata: 196’ che quello spazio, che tanto aveva preservato come suo, è stato violentemente invaso dal marito. È la goccia che fa traboccare il vaso. I due iniziano a rinfacciarsi colpe e frustrazioni reciproche della loro vita insieme. Aydin decide di partire per Istanbul, non senza prima aver lasciato una gran somma di denaro per partecipare come benefattore all’iniziativa della moglie. In realtà, Aydin non riesce a partire, ma la casa del Maestro Hamdi, Imām del paese e suo amico, diventa il suo rifugio segreto. Intanto Nihal decide di donare i soldi a Ismail e alla sua famiglia per aiutarli, ma l’uomo davanti ai suoi occhi getta il denaro nel fuoco. Aydin, incapace di stare lontano dalla sua vita, fa ritorno a casa. uri Bilge Ceylan ancora una volta riesce ad emozionare con un’opera che sfida la lunga durata, uscendone vincitrice assoluta. Palma d’oro a Cannes Il regno d’inverno (Winter sleep) è a suo modo un’altra indagine, che ci parla della condizione umana. Questa volta tuttavia non si parte dal giallo, come in C’era una volta in Anatolia, ma l’amato Cechov torna a contaminare l’opera del regista turco. Tratto infatti da alcune novelle del maestro russo, il film è pervaso da una sensazione di resa davanti alla fragilità dei rapporti, mentre, al contempo, se ne cerca una ragione e una soluzione. Ceylan però si impadronisce di questo motivo per operare una lettura delle relazioni tra uomo e donna che, portata sullo schermo grazie ad attori straordinari, ne fa emergere le pieghe e le piaghe più nascoste. Se il rimando a Shakespeare è in questa occasione palese, dal nome dell’hotel Othello, N 46 al manifesto di un “Antonio e Cleopatra”, fino a una diretta citazione, si passa poi attraverso Dostoevskij e la parola prende il sopravvento sulle atmosfere e la forma, come nella migliore opera bergmaniana. I personaggi si colpiscono con le parole, fino a far cadere tutti veli che li proteggono. Nessuno è innocente, tutti hanno qualcosa da nascondere. E proprio le parole, sussurrate o urlate, servono per scandagliare i rapporti, per lo più fragili, che solo nel silenzio e nell’accondiscendenza trovano una relativa pace. Lo spettatore non riesce a prendere le parti per l’uno o l’altro dei personaggi. Ognuno, a suo modo, ha le proprie ragioni. Aydin si dimostra una brava persona, è un uomo onesto e generoso, è affabile, ma non ama affrontare i problemi. Ha costruito intorno alla moglie una gabbia di attenzioni, che si è trasformata in una prigione, che li ha isolati entrambi. E il teatro, “ratio essendi” del protagonista, ex attore che s’accinge a scrivere una storia del teatro turco, agisce come file rouge nell’intero racconto. Nihal non è più la ragazza che aveva sposato, ma una giovane donna che cerca la propria, seppur limitata, autonomia e ciò accadrà senza che lui abbia voluto accorgersi del cambiamento e non prima che lei sia riuscita a esprimergli il proprio disagio. Sarà un intervento di Aydin nelle sue cose, che egli considera assolutamente normale, se non addirittura doveroso, che farà esplodere tensioni troppo a lungo represse. Nihal però avrà, a sua volta, modo di sperimentare quanto ciò che noi riteniamo “buono” per gli altri, non sempre venga percepito come tale. Il regno e il torpore dell’inverno fa da scenario lunare a tutto il film: la coltre di Film neve attutisce ogni cosa, vanifica ogni aspirazione al riscatto e addormenta l’esistenza in uno strano letargo morale, in cui ogni gesto lentamente soccombe, ma non è un sonno pacificatore. Anche se i protagonisti vorrebbero poter cambiare vita, andarsene a Istanbul, immaginando una linea di fuga, che viene però inesorabilmente frustrata dalla loro indolenza, dall’indisponibilità ad abbandonare una condizione di privilegio che, sebbene morbosa, li rassicura nelle loro noiose sicurezze. Infine la locandina di Caligola, che compare alle spalle di Aydin quando lavora nel proprio studio, ci sembra far intendere come quella parvenza di bontà sia essa stessa una forma narcisistica di tirannia, un potere esercitato con la violenza di una travestita magnanimità. La forma di riscatto che invece porta Nihal a donare la grande somma di denaro alla famiglia di Ismail per sanare il sopruso che suo marito avrebbe fatto loro, rappresenta un’altra intransigente verità. L’impotenza che nasce dall’illusione del buon samaritano, che, tramite un’elargizione di denaro, pensa di poter nettare il sudiciume che anima la sua cattiva coscienza. L’agonia dei personaggi si rivela lentamente, ma manca la catastrofe finale. Come a dire che insofferenze e risentimenti sono il purgatorio quotidiano, l’inevitabile palude in cui ristagna la vita di chiunque e rispetto alla quale non c’è soluzione. Forse, solo il personaggio Tutti i film della stagione della sorella di Aydin, Necla, che sembra vittima di un patetismo morboso, è invece quello che più riesce ad avvicinarsi alla verità. Un accenno particolare va alla fotografia livida e marcata, su un paesaggio incastonato nella roccia, che vira dall’ocra al nitore bianco della neve. Plauso a Haluk Bilginer, magistrale nel ruolo del protagonista, e alla bellissima Melisa Sözen, che interpreta sua moglie, figura d’irritabile fermezza, spigolosa poiché vulnerabile nella sua torre d’impotenza. Si tratta dunque di un’opera importante, non conclusiva e spiazzante, profonda e universale, che merita forse più visioni, per essere meglio assorbita e interpretata. Un groviglio di parole, incastrate ad arte come in un fitto mosaico, da cui si rimane soggiogati e ipnotizzati. Come nel finale del film, che ci lascia nel dubbio se le parole che sentiamo siano solo pensate, pronunciate, se non addirittura scritte. Veronica Barteri RESTA ANCHE DOMANI (If I Stay) Stati Uniti, 2014 Regia: R.J. Cutler Produzione: Dinovi Pictures, Mgm, New Line Cinema Distribuzione: Warner Bros. Italia Prima: (Roma 18-9-2014; Milano 18-9-2014) Soggetto: dal romanzo omonimo di Gayle Forman Sceneggiatura: Shauna Cross Direttore della fotografia: John de Borman Montaggio: Keith Henderson Musiche: Heitor Pereira Scenografia: Brent Thomas Costumi: Monique Prudhomme M ia Hall è una diciassettenne introversa che frequenta il liceo e ha la passione per il violoncello. Nella sua vita c’è spazio Effetti: Dan Dixon Interpreti: Chloë Grace Moretz (Mia Hall), Mireille Enos (Kat Hall), Joshua Leonard (Denny Hall), Jamie Blackley (Adam), Stacy Keach (Nonno), Liana Liberato (Kim Schein), Aisha Hinds (Infermiera Ramirez), Jakob Davies (Teddy Hall), Gabrielle Rose (Gran), Lee Smith (Willow), Chelah Horsdal (Liddy), Ali Milner (Liz), Arielle Tuliao (Astrid), Tom Vanderkam (Dave), Ben Klassen (Jo), Hunter Goligoski (Chandler), Adam Solomonian (Henry) Durata: 106’ per una sola cosa: la musica. Quella che ha portato i suoi genitori a conoscersi e innamorarsi, quella dei concerti rock ai quali ha assistito fin da piccola, quella 47 del violoncello, il suo primo vero amore. La musica è sempre stata una priorità in casa sua. Il padre era il batterista di un gruppo punk rock, prima di diventare un Film insegnante. Sua madre l’ha trascinata ai suoi concerti fin da piccola e venera tutte le grandi donne del rock. A scuola non è una ragazza popolare e ha una sola vera amica, Kim. Tutto quello che conta è legato al suono prodotto dall’archetto quando si muove sulle corde del violoncello. Da quando è piccola infatti sembra comunicare con il mondo attraverso lo strumento. È tutto per lei, almeno fino a quando non arriva Adam, il ragazzo più popolare e carino della scuola, musicista di una rockband locale in ascesa. Mia e Adam sono diversissimi tra loro, ma la forte passione per la musica li unisce. Una mattina in cui le scuole sono chiuse a causa della neve, la ragazza decide con il fratellino Teddy di seguire i suoi per una scampagnata tra le nevi dell’Oregon. All’improvviso la macchina viene investita da un grande camion e ridotta a un cumulo di lamiere. La radio trasmette le note di una sinfonia di Beethoven e Mia continua a sentirle nonostante veda il suo corpo esanime sul ciglio della strada. Lei è viva, ma fuori dal suo stesso corpo, in coma, invece i suoi genitori non ce l’hanno fatta. Il fratellino Teddy viene trasportato con lei in ospedale. Sospesa tra la vita e la morte, nel reparto di terapia intensiva, vedendo e sentendo quello che accade intorno, la ragazza è tentata di lasciarsi andare, non trovando una ragione per cui valga la pena rimanere al mondo. Poi pensa a suo fratello Teddy, che ormai ha solo lei e decide di combattere per lui. Così inizia un racconto in flashback che procede, snodandosi attraverso la storia d’amore con Adam e le relazioni con le persone care, come il nonno, che la veglia al suo capezzale e la fedele amica Kim. La protagonista, non conoscendo il tempo a sua disposizione, non si piange addosso e ricorda gli ultimi mesi della sua vita, giorni felici. La relazione con Adam, divenuta di giorno in giorno più seria e importante, nonostante le trasferte del ragazzo con la sua band, ormai diventata famosa. La sua decisione di fare domanda alla Julliard, una delle più importanti scuole di musica che si trova a New York. Troppo lontano da Portland, dove Adam le chiede di rimanere per andare a vivere insieme. E poi inevitabile l’allontanamento sofferto tra i due, per non rinunciare ai propri sogni. Lei, provetta violoncellista, all’ultimo anno di scuola, progetta infatti di andare a vivere a New York, qualora l’audizione alla Julliard dovesse dare un esito positivo, mentre Adam riscuote un crescente successo come cantante rock, acclamato nei locali della costa nord-occidentale. Ed ancora le rievocazioni delle serate in famiglia, le metamorfosi di un papà che Tutti i film della stagione ha riposto i pantaloni di pelle e le borchie in soffitta per pensare alla famiglia e quelle di una mamma un po’ hippy che si è sposata senza pensarci troppo, la gioia di veder crescere un fratello e l’importanza data all’amicizia. Ma non c’è più molto tempo; ora Mia deve affrontare la realtà: se sceglie di continuare a vivere dovrà affrontare una vita da orfana senza la sua famiglia. Anche Teddy però non ce la fa e l’abbandona. Ormai è completamente sola e non c’è proprio più niente per cui valga la pena vivere. Tuttavia, Adam accorre in ospedale pregando Mia di non abbandonarlo, leggendogli la lettera in cui la Julliard, dopo la sua audizione, le comunica che è stata accettata. Il ragazzo le dice di volerla seguire a New York e Mia, scoprendo nell’amore del giovane lo stimolo per continuare a vivere, si sveglia. dattamento cinematografico del best seller omonimo di Gayle Forman, Resta anche domani è un teen movie che si snoda attorno al concetto “omnia vincit amor”. Il romanzo di Gayle lo raffigura splendidamente e mostra come l’amore tiri fuori i diversi punti di forza e di debolezza, in particolare quando si è coinvolti in una tragedia. R.J. Cutler, autore di documentari, qui al suo debutto cinematografico, realizza un film dal tono visivo e narrativo caramelloso, all’insegna dei cliché. Per rendere il tutto più interessante, il regista filma la storia su due diversi piani narrativi che si intrecciano continuamente nella storia: i ricordi del passato di Mia, che raccontano la storia d’amore con il suo Adam e la passione per il violoncello, e il presente, rappresentato dal giorno in cui è avvenuto l’incidente. Ripercorrendo le pagine di Forman, Resta anche domani è un travolgente susseguirsi di emozioni e sentimenti, di prime volte e cambiamenti, di grandi gesti ed epiche litigate, tipiche del romanzo di formazione. Il problema è che lo si fa con un linguaggio e una costruzione scenica banale, già vista e rivista mille volte, sdolcinata e davvero poco originale. All’inizio sembra di assistere a un telefilm per ragazzi, e se è vero che la pellicola è indirizzata a un pubblico femminile molto giovane, questo non basta a giustificare la scarsa profondità della sceneggiatura e dei dialoghi. Così, durante la visione, si prova a estraniarsi dal meccanismo del plot generale, analizzando invece i siparietti di vita che il film ci presenta. È così che mentre l’anima della protagonista, che tanto ricorda film alla Ghost, si aggira tra i A 48 corridoi di un ospedale, sospesa tra questo nostro mondo e l’aldilà, ci vengono presentati alcuni flashback dai momenti chiave della sua vita: alcuni dei quali si rivelano colpi bassi in grado di dare un bello scossone emotivo allo spettatore (su tutti una sequenza in cui il nonno disperato parla con la nipote in coma). Sullo schermo assistiamo alla disintegrazione di una famiglia middle-class. Padre, madre, figlia e figlio uniti e felici: li seguiamo dal vero e proprio inizio fino al giorno più terribile, raccontato attraverso gli occhi di qualcuno che riesce a osservare il tutto dall’alto. Quei momenti al limite della fase di crescita, quelli in cui si inizia il percorso delle grandi scelte che trasformano un giovane in adulto. Scelte che includono un prezzo da pagare, compreso quello di allontanarsi dai propri cari. Ma alla fine la scelta più grande e sofferta è quella tra andare o restare, tra la vita e la morte, tra la luce e il buio. Il bagliore alla fine del tunnel, seppure così invitante, non avrà la meglio sull’amore del giovane Adam, che promette alla sua donna mari e monti. Ciò che regge il film probabilmente è Chloe Moretz, indimenticabile e delicata protagonista di Hugo Cabret, credibile nei panni di Mia, ancora così innocente e acerba sessualmente. Più a suo agio con gli affari di cuore e più abile ad infiammarsi, invece, è senza dubbio Jamie Blackley, nella parte del Romeo rockettaro. La fotografia è caratterizzata da un effetto flou, sfocato, come metafora del sonno letargico in cui è caduta la protagonista. Ma la vera nota positiva di Resta anche domani è la selezione musicale. La vita della protagonista è stata circondata da una ricca colonna sonora fin dall’inizio, perché la musica accompagnava da sempre i suoi giorni e quelli dei suoi cari. La sua voce attraverso uno strumento, il suo violoncello, che seppure così rigido e severo, l’aveva resa così diversa, ma al tempo stesso così speciale, non l’aveva mai tradita e se suonato a dovere, stava bene anche in un concerto con le chitarre rock. Già questo dovrebbe far capire il tipo di brani inseriti all’interno della colonna sonora del film: il tutto si apre con una sonata per violoncello di Beethoven e passa attraverso brani musicali classici, pop e rock. Un susseguirsi di contrasti e vecchie inflessioni dal sapore adolescenziale, come tutto il film, ma a tratti anche piacevolmente malinconico. Veronica Barteri Film Tutti i film della stagione JIMI – ALL IS MY SIDE (Jimi: All Is by My Side) Gran Bretagna,Irlanda, 2013 Regia: John Ridley Produzione: Darko Entertainment, Freeman Film, Matador Pictures, Subotica Entertainment, in associazione con Esthero Distribuzione: I Wonder Pictures Prima: (Roma 18-9-2014; Milano 18-9-2014) Soggetto e Sceneggiatura: John Ridley, Donna Eperon (collaborazione) Direttore della fotografia: Tim Fleming Montaggio: Hank Corwin, Chris Gill Musiche: Waddy Wachtel, Danny Bramson Scenografia: Paul Cross Costumi: Leonie Pendergast Interpreti: André Benjamin (Jimi Hendrix), Hayley Atwell G iugno 1966, New York. Siamo in un locale e sul palco si esibisce un giovane artista nero: il suo nome è Jimi James Hendrix. Il ragazzo viene notato da Linda Keith, fidanzata del chitarrista dei Rolling Stones, Keith Richards. I due cominciano a frequentarsi. Linda è convinta che Jimi possegga un talento fuori dal comune e vuole aiutarlo a emergere. Una sera la ragazza incontra Bryan “Chas” Chandler, bassista degli “Animals”, che le racconta che il suo gruppo si sta sciogliendo e che vuole intraprendere la carriera di manager. La sera seguente, Linda porta Chas ad ascoltare Jimi. Chandler resta sbalordito e offre a Jimi la possibilità di partire per Londra alla ricerca di nuove opportunità. Siamo nel settembre 1966 quando Hendrix si esibisce per la prima volta nella capitale britannica. Qui Jimi vive una nuova vita tra musica, artisti, droghe e ragazze. Una tra loro è Kathy, con la quale Hendrix instaura una relazione passionale. Linda, lasciata in disparte e sempre più gelosa, ruba la chitarra di Jim. Il giorno seguente, i due si incontrano e lei gli chiede scusa, intimandolo però di stare attento e restituendogli lo strumento. Con l’aiuto di Chas, ormai manager ufficiale, Hendrix fonda la sua nuova band: The Jimi Hendrix Experience. Mosso dall’entusiasmo, il musicista chiama il padre, con il quale non parla da svariati anni; tuttavia egli non sembra contento di sentirlo e Jim rimane deluso. Qualche giorno dopo, Hendrix ha la possibilità di suonare al fianco di uno dei suoi idoli: Eric Clapton, che resta talmente colpito dal ragazzo da abbandonare il palco pur di non (Kathy Etchingham), Imogen Poots (Linda Keith), Ruth Negga (Ida), Andrew Buckley (Chas Chandler), Oliver Bennett (Noel Redding),Tom Dunlea (Mitch Mitchell), Burn Gorman (Michael Jeffery), Jade Yourell (Roberta Goldstein), Amy De Bhrún (Phoebe), Ashley Charles (Keith Richards), Clare-Hope Ashitey (Faye), Laurence Kinlan (John), Robbie Jarvis (Andrew Loog Oldham), Aoibhinn McGinnity (Rita), Tristan McConnell (Terry McVay), Joe Doyle (Randy California), Joe McKinney (Zoot Money), Lauterio Zamparelli (Mark Hoffman), Sam McGovern (Ted), Danny McColgan (Eric Clapton), Ger Duffy (Paul McCartney), Shane Kennedy (Nick), Marty Galbraith (Danny Palmer) Durata: 118’ sfigurare. Le porte del successo sono ormai aperte: Hendrix incide il primo disco. Dopo un litigio con Kathy, Jimmi conosce Ida, una ragazza provocante, che lo introduce all’uso della marijuana e lo manipola contro la sua fidanzata. Influenzato dalle parole di Ida, Hendrix diventa scontroso e irritabile. Dopo l’ennesima discussione, Kathy tenta il suicidio ingurgitando numerose pillole. I due si riavvicinano. Successivamente, la Jimi Hendrix Experience si esibisce di fronte a un grande pubblico, tra cui Paul McCartney e George Harrison, dimostrando finalmente le proprie capacità. La band viene invitata al Festival di Monterey dove suoneranno i più grandi artisti del mondo. Poco prima di partire, Hendrix rincontra Linda, alla quale chiede di seguirlo, ma la ragazza rifiuta. Jimi parte per gli Stati Uniti con la sua band, finalmente ha raggiunto il successo. ibelle, introspettivo, profondo, ma anche rabbioso, istintivo, problematico, anticonformista. Jimi Hendrix è stato questo e molto più. È possibile riuscire a raccontare non soltanto la vita, ma le problematiche, il carattere, l’essenza di uno dei più grandi artisti di sempre? Questa è la domanda che si deve essere posto John Ridley, già premio Oscar per la sceneggiatura di 12 anni schiavo , quando ha deciso di dedicare anima e corpo alla sua opera prima dietro la macchina da presa. Senza indugiare sulla prima parte della vita di Hendrix e evitando accuratamente di raccontare i suoi ultimi passi, il regista ha scelto di soffermarsi sul biennio 1966-67, quello R 49 durante il quale l’artista di Seattle è emerso e si è affermato nel panorama mondiale della musica, anche grazie agli incontri con Linda Keith, interpretata da un’ottima Imogen Poots e “Chas” Chandler. Ed è proprio in questi anni che Hendrix ha vissuto, contro se stesso e contro gli altri, i conflitti più aspri: la lotta per trovare una propria identità musicale senza essere relegato in un genere solo, la volontà di emergere per il proprio talento e non per “l’originalità” del colore della pelle, la tentazione di sostanze stupefacenti che lo portassero lontano da un mondo troppo stretto e grigio per una testa così piena di fantasia, i rapporti problematici con i familiari e le fidanzate. Tutto questo è presente nel film di Ridley, anche e soprattutto grazie alla magnifica interpretazione di Andrè Benjamin, superlativo nei panni di Hendrix. Ed è proprio la grande prestazione di Benjamin a nascondere i difetti della pellicola: i dialoghi si rivelano spesso poco credibili, la profondità del personaggio viene mostrata solo in maniera sommaria, il montaggio, volutamente schizofrenico, rischia più di irritare che di colpire. Per questo e per altri motivi possiamo rispondere alla domanda iniziale soltanto con un parziale “si”. Jimi: All is by my side risulta un buon tentativo, ma d’altronde, come diceva Hendrix, “l’unica forma d’arte è quella di mostrare qualcosa che non si è mai vista prima o qualcosa che si vede ogni giorno ma in una forma diversa”. Questo film ci è riuscito solo a metà. Giorgio Federico Mosco Film Tutti i film della stagione PEREZ Italia, 2014 Regia: Edoardo De Angelis Produzione: Pierpaolo Verga, Attilio De Razza, Edoardo De Angelis, Luca Zingaretti per Tramp Limited, O’ Groove, Zocotoco, in collaborazione con Medusa Film Distribuzione: Medusa Prima: (Roma 2-10-2014; Milano 2-10-2014) Soggetto e Sceneggiatura: Edoardo De Angelis, Filippo Gravino Direttore della fotografia: Ferran Paredes Rubio Montaggio: Chiara Griziotti Q uartieri periferici del Centro Direzionale di Napoli. Demetrio Perez è un avvocato d’ufficio che difende le cause senza speranza di delinquenti e derelitti. Ormai rassegnato, trascina la sua stanca esistenza segnata da un matrimonio fallito, di cui Tea, la figlia ventenne, rimane l’unico bagliore. Il Merolla, con cui ha un rapporto di amore e odio, rimane uno dei pochi amici. L’uomo, a sua volta punito dalla vita con la perdita di un figlio, dopo l’ennesimo litigio in cui rimprovera all’avvocato la sua condizione di mediocre e di vigliacco, lo avverte che Tea sta frequentando Francesco Corvino, figlio di un boss mafioso. Perez intanto viene chiamato ad assistere Luca Buglione, capo camorrista che ha deciso di collaborare con la giustizia, ma alle sue regole. Determinato a recuperare una partita di preziosi diamanti nascosti nel ventre di un toro in una fattoria, Buglione propone a Perez uno scambio. Se l’avvocato lo avesse aiutato nell’impresa, lui avrebbe trovato modo e occasione per incastrare Corvino. Perez accetta, ormai non ha più niente da perdere e l’amore per la figlia lo esorta finalmente all’azione. Tornato a casa, trova Tea impegnata a festeggiare il compleanno con gli amici, durante il quale riceve dal ragazzo l’anello di fidanzamento. Perez si trova davanti Corvino e non ha una bella reazione, tanto che la figlia lo caccia da casa. Durante la notte, ha una violenta colluttazione con dei malviventi e viene minacciato anche con una pistola. Per la prima volta nella sua vita reagisce e intimorisce a tal punto i delinquenti da farli fuggire. Corvino il giorno successivo va a parlare con Perez, cercando di conquistare la sua fiducia. Intanto l’avvocato convince Musiche: Riccardo Ceres Scenografia: Carmine Guarino Costumi: Eleonora Rella Interpreti: Luca Zingaretti (Demetrio Perez), Marco D›Amore (Francesco Corvino), Simona Tabasco (Tea Perez), Gianpaolo Fabrizio (Ignazio Merolla), Massimiliano Gallo (Luca Buglione), Ivan Castiglione (Walter) Durata: 95’ Merolla, in preda ad una forte depressione, a partecipare con lui alla missione, con la promessa di dividere il bottino. Buglione tiene fede al patto e, dopo aver organizzato tanto di prove schiaccianti, dichiara ai giudici che Corvino ha ucciso una persona. Perez e Merolla vanno alla fattoria e non senza difficoltà portano a termine l’incarico. Trovati gli ovuli con i diamanti, l’avvocato li nasconde in un flacone di detersivo. Partono le indagini ai danni di Corvino che viene ricercato dalla polizia. Il povero Merolla si uccide, mentre l’avvocato è costretto a nascondere il fidanzato della figlia, che, ricercato, si è rifugiato in casa sua. Suo malgrado Perez si trova incastrato, in quanto Corvino prende come ostaggio Tea. Prima di fuggire in Spagna, vuole vendicarsi assassinando chi lo ha accusato e coinvolge l’avvocato. Perez contatta Buglione per organizzare un incontro per i diamanti; in realtà, lo deve fare fuori per salvare la figlia. Si danno appuntamento nella pineta durante la notte e rispetto ai pronostici, nulla va come era stato stabilito. L’avvocato investe Corvino, Buglione si salva e decide di dare comunque una parte del bottino a Perez. L’avvocato finalmente può riabbracciare sua figlia. oir urbano, dal tono dimesso e cupo, Perez è una storia di malavita, girata dal giovane Edoardo De Angelis in una Napoli atipica e surreale. Tra i freddi grattacieli e il brusco impatto urbanistico del Centro Direzionale, che ricordano più una metropoli del nord Europa che la capitale partenopea, si specchia l’anima del protagonista. Un avvocato ripudiato dalla sua stessa comunità e dai suoi assistiti, che orbita in una zona incerta, livida, tradita solo N 50 da quello sguardo teso e triste che non lo abbandona mai. Siamo in una Napoli che non è mai città del sole, in cui spicca la desolazione e l’assenza di ideali e di speranza, ma che incamera tanta luce di notte. Ed è proprio la luce metallica che filtra la chiave visiva di un film sulla storia di un uomo nel grigio, in bilico tra la zona poca chiara di una Legge che professionalmente incarnerebbe e il crimine in cui incappa per forza di cose. Con un passo da noir americano, misto al thriller urbano, unito a evidenti contaminazioni nei confronti del cinema di Matteo Garrone e Paolo Sorrentino, si dispiega la vicenda di un perdente. L’ambiente che lo circonda lo pressa, lui stesso si abbandona indolente a una vita che lo ha già deluso a dovere. Ma, in vari e prevedibili modi, tempi e luoghi, la stessa vita costringe anche il più riluttante degli uomini a reagire. Nella vita e nelle scelte di Demetrio Perez non c’è nessun senso della legalità o ideale da difendere, c’è soltanto una mediocrità del personaggio che, come uno struzzo, cerca di evitare qualsiasi complicazione, lasciandosi andare all’alcool e a un’esistenza passiva. Eppure, malgrado tutto, Perez non riuscirà ad evitare di farsi coinvolgere in una escalation di violenza che lo porterà a cadere in basso, come gli alti grattacieli in cui si muovono i personaggi del film; solo quando arriverà a toccare terra, l’avvocato riuscirà ad avere una reazione. Alla stregua di in un racconto di formazione, se vuole salvare l’unica cosa che le è rimasta, sua figlia, deve alzare la testa. Un percorso di esistenza narrato da De Angelis in partenza bene, con la voice over di Zingaretti a descrivere l’anima tormentata del suo personaggio e un’atmosfera sospesa su esseri dolenti. Poi però qualcosa si arena, in particolare Film Tutti i film della stagione nella sceneggiatura, come se mancasse l’exploit finale. Tutto si affossa in un generico ritratto tetro e pessimista della nostra società, fino a una conclusione piuttosto scontata. Il crescendo di conflitti e tensione si risolvono in un finale troppo prevedibile, che confluisce nel solito ritratto pessimista della società di oggi. Facile individuare anche delle intersezioni narrative e musicali che ricordano Gomorra - La serie, complice anche Marco D’Amore, che ritorna nel ruolo di un camorrista. Ottima come previsto l’interpretazione di Luca Zingaretti, ma anche di Buglione, boss dall’aspetto nevrotico, interpretato a dovere da Massimiliano Gallo, che insieme a Gianpaolo Fabrizio, collega depresso del Perez, offre la prova attoriale più incisiva. Veronica Barteri LA MOGLIE DEL CUOCO (On a failli être amies) Francia, 2014 Regia: Anne Le Ny Produzione: Movie Movie, in coproduzione con Mars Films, Cinéfrance 1888, France 2 Cinéma Distribuzione: Teodora Film Prima: (Roma 16-10-2014; Milano 16-10-2014) Soggetto e Sceneggiatura: Anne Le Ny Direttore della fotografia: Jérôme Alméras Montaggio: Guerric Catala Musiche: Éric Neveux M arithé lavora in un istituto di formazione per adulti e aiuta gli altri a trovare la loro vera vocazione. Un giorno si presenta Carole, moglie complessata che vive all’ombra del marito, Sam, uno chef di fama per cui lavora come Pr, assaggiatrice nonché proprietaria del ristorante il Moulin Blanc. Nel momento in cui Sam decide di aprire un piccolo Bistrot in centro, Carole si sente ancora più frustrata, in trappola e comincia a somatizzare diversi sintomi di stress. Marithé decide di aiutarla a emanciparsi e l’impresa riesce a tal punto che Carole decide di lasciare Sam, perché si è resa conto che non è più innamorata e ha bisogno di emanciparsi. Nel frattempo però le cose si complicano, perché Marithé non è insensibile al fascino dell’uomo che, a sua volta, è molto attratto dalla donna. Marithé scopre anche che Carole ha un amante, cosa che la spinge ad avvicinarsi ancora di più a Sam. Intanto Marithé deve anche sostenere il figlio che sta facendo domanda per una Scenografia: Yves Brover-Rabinovici Costumi: Isabelle Pannetier Interpreti: Karin Viard (Marithé), Emmanuelle Devos (Carole), Roschdy Zem (Sam), Anne Le Ny (Nathalie), Philippe Rebbot (Pierre), Annie Mercier (Jackie), Marion Lecrivain (Dorothée),Yan Tassin (Théo), Marion Malenfant (Cynthia), Xavier de Guillebon (Vincent), Marie-Agnes Brigot (Zouzou), Philippe Fretun (Michel), Xavier Beja (Pascal) Durata: 91’ borsa di studio in una prestigiosa università americana; ad aiutarla c’è l’ex marito e la nuova moglie dell’ex con cui è molto amica e ha instaurato un ottimo rapporto. Spinta dalla passione per Sam e per la sua cucina, Marithé decide di far naufragare definitivamente il matrimonio dell’uomo, spingendo Carole verso l’emancipazione; purtroppo, però, si va troppo oltre e arriva a falsificare degli atti che avrebbero concesso a Carole di intraprendere uno stage finalizzato all’assunzione. Come se non bastasse, Marithé si sente sempre più attratta da Sam e, contemporaneamente, si lega a Carole come amica. Carole, che è stata lasciata dall’amante, cade in depressione e si rifiuta di presentarsi a lavoro mettendo nei guai Marithé. Intanto Sam e Marithé si baciano all’inaugurazione del Bistrot. Il capo di Marithé scopre i suoi intrighi e le dice che ha i sintomi dell’esaurimento nervoso: la donna decide di licenziarsi e di prendersi un periodo di riposo. Marithé confessa a Carole la verità: ha cercato di 51 rubarle il marito. Carole, infuriata, le dice di uscire dalla sua vita e che è rimasta molto delusa in quanto la riteneva una vera amica; Marithé le consiglia di salvare il suo matrimonio. Passano diversi mesi e Marithé ora ha un nuovo lavoro. Per una serie di circostanze, Marithé si ritrova nel Bistrot di Sam e scopre che l’uomo si è separato; spinta dall’ex marito e dall’assenza del figlio che ormai è partito per gli Stati Uniti, Marithé decide di conquistare definitivamente l’uomo. Passano altri mesi e Marithé e Sam si sono sposati e la donna è diventata la nuova Pr del cuoco nel suo Bistrot. Il Moulin Blanc viene venduto e Carole, finalmente, può avviare un’attività da sempre sognata: un centro ippico. A causa di un’ultima firma sull’atto di vendita, Carole è costretta ad andare al Bistrot assieme al suo amico e avvocato. Tra Carole e Marithé inizialmente c’è dell’astio, ma, alla fine, le due donne si scambiano uno sguardo complice: entrambe hanno ottenuto ciò che volevano. Film nne Le Ny porta in tavola una commedia sentimentale che mescola un binomio ormai indissolubile su grande schermo: cinema e cucina. Come in tutti i film francesi, anche in La moglie del cuoco è evidente fin dall’inizio che si può ridere con garbo ed eleganza anche di cose come il tradimento, le psicosi e la ricerca di se stessi. A differenza di altre deliziose commedie degli ultimi tempi, quali Supercondriaco, Babysitting, Tutto sua madre, Quasi amici e Still Life, l’ultimo lavoro di Anne Le Ny non riesce ad avere la stessa forza e lo stesso carattere. I sentimenti sono blandi e le emozioni vengono quasi accennate, senza mai scendere in profondità. Qui si parla del solito triangolo amoroso, che diventa anche un quadrilatero, senza aggiungere nessuna novità o nessun elemento innovativo che possa stupire. Seppur A Tutti i film della stagione la filmografia francese sia pregna di sobrietà e moderatezza, qui si raggiungono livelli troppo alti, toccando l’apatia e l’indifferenza. Un vero peccato, perché la regista in alcune sequenze stupisce in quanto a sarcasmo e pungente ironia (come la sequenza dell’incidente in macchina o le reazioni di Marithé ai piatti di Sam), ma per il resto della storia, ci dona solo calma piatta. Davvero strano questo andamento verso il basso, perché la Le Ny poteva giocare molto di più sulle differenze tra le due protagoniste: irruenta, autonoma e caparbia, l’una; pacata, affettivamente dipendente e remissiva, l’altra. Inoltre, il finale ci mostra che queste due donne hanno invertito i loro ruoli e che quello era l’una ora lo è l’altra: sicuramente se la regista avesse maggiormente usato quell’ironia e quel sarcasmo, le sequenze finali sarebbero risultate molto più divertenti anziché così insipide e insapori. Inoltre, un elemento così importante come la cucina viene, francamente, molto trascurato; un errore davvero grossolano visto che Marithé si innamora prima della cucina di Sam, che quasi la risveglia dal suo torpore emotivo, e poi dell’uomo stesso. Pochi, anzi pochissimi, sono i momenti in cui si vede lo Chef all’opera e nei quali non viene trasmesso nessun odore, nessun sapore di quei tanto decantati piatti. L’elemento davvero importante del film sono le due attrici che animano le due protagoniste: Emmanuelle Devos (Carole) e Karin Viard (Marithé). Sostanzialmente il film scivola via senza lasciare alcunché nello spettatore, tranne qualche blanda risata. Ci andava molto più sale e pepe. Elena Mandolini THE LOOK OF SILENCE (The Look of Silence) Danimarca, Norvegia, Finlandia, Gran Bretagna, Indonesia, 2014 Regia: Joshua Oppenheimer Produzione: Final Cut For Real, Anonymous, Piraya Film, Making Movies, Spring Films Distribuzione: I Wonder Pictures e Unipol Biografilm Collection Prima: (Roma 11-9-2014; Milano 11-9-2014) Direttore della fotografia: Lars Skree, Anonymous, Jo- n Indonesia tra il 1965 e il 1966 accadde quello che periodicamente si affaccia sul baratro della Storia, cioè l’orrore e i massacri. La presa del potere del generale Suharto dette il via a una delle più grandi epurazioni del Novecento, condotta in maniera ugualmente sanguinosa ma molto più infida: gli apparati dell’esercito regolare spinsero la gente comune alla costituzione di gruppi paramilitari con l’unico scopo di eliminare i comunisti, le minoranze etniche e, in ogni caso, tutti gli oppositori politici, pur standosene subdolamente da parte. La tragedia quindi fu doppia: alla sequenza infinita di sangue e dolore si sovrappose la consapevolezza falsamente pubblicizzata che era stata la stessa popolazione a decidere l’inizio dei massacri; erano stati gli stessi fratelli e amici che avevano deciso di eliminare chi, fino a un minuto prima, era fratello, amico o vicino di casa. Al genocidio indonesiano e a questo suo aspetto ancora più terribile il regista americano Joshua Oppenheimer dedica ancora un lavoro, dopo il suo fortunato The act of killing sullo stesso argomento, come volesse ancora convincersi di quanto I shua Oppenheimer, Christine Cynn Montaggio: Niels Pagh Andersen Musiche: Seri Banang (tradizionale), Mana Thahan (tradizionale), Lukisan Malam, Rege Rege (tradizionale) Effetti: Nordisk Film Shortcut Interpreti: Adi Rukun Durata: 98’ accaduto e di quali abiezioni sia stata capace la popolazione indonesiana. È il giovane Adl il protagonista di un viaggio nella coscienza di tutti; lui non era ancora nato quando suo fratello maggiore fu mutilato e ucciso da alcuni membri del Komando AKSI nel famoso eccidio di Silk River; decide ora di fare un percorso a ritroso, ricercare gli assassini di quel fratello non conosciuto e ugualmente amatissimo per studiare la prospettiva dei carnefici insieme a quella della famiglia dell’ucciso, cioè la propria, nella comune e semplice presentazione della vita familiare di tutti. Gli assassini e le torture sono raccontate senza nessuna vergogna, quasi col sorriso sulle labbra; i particolari non sono nascosti ma, anzi, esaltati, come se tutto facesse parte di un periodo da considerarsi “anomalo” ma circoscritto, finito, terminato, dovuto. Si alternano a ciò le immagini della propria famiglia, il padre del protagonista, vecchissimo, malato e fortunatamente dimentico, la madre, pur anziana ma capace di ricordare ogni minuto di quella giornata orribile e lontana come fosse ieri. 52 I crimini si avvicendano in una candida normalità in cui il colore del sangue si ravviva e si accresce il numero dei perchè senza risposta. ome filmare colui che non parla, o colui che racconta senza responsabilità apparente i delitti che lui stesso ha commesso, il dolore che lui stesso ha procurato? Basta lasciare fare alla macchina da presa e all’intuizione di un regista sensibile come Oppenheimer: i criminali possono parlare o non parlare, raccontare o mistificare, chiudersi nel silenzio o divagare o accampare false motivazioni, non importa: la mdp è là, ferma, li inquadra, non permette sbavature né distrazioni; esalta le bugie, drammatizza i racconti dei carnefici rendendoli vivi e attuali, diventa brutale quando registra il racconto di efferatezze che fanno rivoltare lo stomaco, è spietata nello svergognare i mutismi del boia che non sa rispondere e si rende conto che per la prima volta nella sua vita è costretto a pensare. Dall’altra parte della mdp c’è il giovane C Film Tutti i film della stagione protagonista, l’investigatore dilettante alla ricerca di una spiegazione: lo sguardo è fermo di fronte ai racconti dell’orrore il cui continuo e impietoso inanellarsi ci fa cogliere in quegli occhi solo la vibrazione esteriore di una emozione immensa sostenuta da innumerevoli interrogativi senza risposta. È un lavoro di grande, rarefatta sensibilità questo compiuto da Oppenheimer, che non produce nessuna risoluzione ma solo una rabbiosa incapacità a rassegnarsi nel constatare che, effettivamente, tutto ciò possa accadere sempre e ovunque, senza motivazioni, senza elementi che possano prevederlo, senza un perchè. Fabrizio Moresco WALKING ON SUNSHINE (Walking on Sunshine) Gran Bretagna, 2014 Regia: Max Giva, Dania Pasquini Produzione: Vertigo Films, in associazione con Im Global Distribuzione: Eagle Pictures Prima: (Roma 4-9-2014; Milano 4-9-2014) Soggetto e Sceneggiatura: Joshua St. Johnston Direttore della fotografia: Philipp Blaubach Montaggio: Robin Sales Musiche: Anne Dudlev T aylor è una giovane ragazza appena laureata, responsabile e con la testa sulle spalle, che ha voluto seguire gli studi piuttosto che farsi condizionare da una storia d’amore. Un’estate decide di andare a trovare la sorella maggiore, Maddie, che sta trascorrendo le vacanze in Puglia, proprio dove tre anni prima la ragazza aveva frequentato Raf. Al suo arrivo, inaspettatamente, Maddie, una donna molto diversa da lei, volitiva e innamorata dell’amore, le annuncia il proprio matrimonio con un ragazzo conosciuto appena cinque settimane prima. Ma la sorpresa è che si tratta proprio di Raf, il ragazzo che le aveva fatto battere il cuore. Maddie e Taylor, dunque, senza saperlo, sono entrambe pazzamente innamorate dello stesso uomo. L’incontro tra i due ex non li lascia di certo indifferenti. Taylor non vuole rivelare alla sorella la verità e prova a far finta di niente, nonostante sia coinvolta nella scelta degli abiti e delle fedi nuziali. Intanto Doug, il precedente fidanzato di Maddie, ancora cerca di conquistarla con gesti plateali prima che convoli a nozze. Taylor e Raf si avvicinano sempre di più, tanto che sono costretti poi a confessare la storia a Maddie, giurando Scenografia: Sophie Becher Costumi: Leonie Hartad Effetti: Franco Galiano, M.A.G. Special Effects Interpreti: Annabel Scholey (Maddie), Hannah Arterton (Taylor), Giulio Berruti (Raf), Greg Wise (Doug), Katy Brand (Lil), Leona Lewis (Elena), Danny Kirrane (Mikey), Giulio Corso (Enrico), Tiziana Schiavarelli (Tiziana) Durata: 98’ però che da entrambe le parti non provano più nulla l’uno per l’altra. Tuttavia durante l’addio al nubilato i due hanno dei dubbi sui loro sentimenti. Maddie, nonostante le avances di Doug, non cede, mentre Taylor cerca di scappare. Il giorno del matrimonio, alla presenza di tutti, sull’altare Maddie confessa a Raf di non amarlo. Così Taylor può finalmente seguire il proprio cuore e riprendersi Raf, mentre Maddie è libera di capire ciò che vuole veramente. l titolo del film riprende il nome del brano del gruppo musicale inglese Katrina and the Waves, pubblicato nel 1983 per descrivere, alla maniera della pop music, la condizione di felicità dell’innamorato. Il terzo lungometraggio della coppia Max Giwa e Dania Pasquini, registi che hanno firmato anche due film della serie danzante StreetDance, fa parte di quel gruppo di musical sul tema amoroso. Sfruttando le hit degli Anni Ottanta, tra canzoni delle Bananarama, di Madonna, Cindy Lauper e degli Wham!, coreografie non particolarmente sofisticate o spettacolari e battute abbastanza prevedibili, la pellicola racconta una semplice storia d’amore, tra imprevisti, gag e riappacifica- I 53 zioni, con scontato happy ending. Eppure non è neanche lontanamente paragonabile ad altri innumerevoli musical a tematica romantica. Il concetto iniziale è quello della storia d’amore estiva, del film allegro e leggero, una specie di rito di passaggio, che ha convinto il produttore, James Chardson a finanziare Walking on sunshine. Del resto, i circa novantotto minuti che vedono protagonista la televisiva Hannah Arterton non mancano davvero di momenti ballati e cantati fin dai titoli di testa, accompagnati persino da una rilettura della famosa canzone “madonniana” Holiday. Ma al di là di questo, non si può palare di molto altro. A dispetto della colonna sonora, che sfrutta i colori e i suoni frizzanti degli anni Ottanta, l’ambientazione del film è contemporanea. A cominciare da un’esecuzione con tanto di uomini palestrati, risulta immediatamente chiaro che l’intento dell’operazione non sia altro che quello di fornire una risposta britannica a Mamma mia! di Phyllida Lloyd, girato in Grecia attorno alla musica degli ABBA, ma di gran lunga più sofisticato ed impegnato. Qui si sostituiscono i successi del gruppo tramite quelli provenienti dal decennio in cui spopolarono i Duran Duran. Oltretutto omaggiati per mezzo della Film loro Wild boys, alternata alla intramontabile Girls just want to have fun di Cyndi Lauper. La sequenza più riuscita infatti è proprio quella dell’addio al nubilato, con abiti vintage che richiamano i cantanti e la vitalità di quel periodo, sicuramente una delle più divertenti nell’insieme, oltre alla Tutti i film della stagione guerra eseguita con il lancio dei pomodori. Molto romantiche anche Eternal flame delle Bangles rieseguita dalla Arterton e una versione di It must have been love dei Roxette. Nel cast oltre alla comica inglese Katy Brand e a Giulio Berruti, attore italiano nel ruolo del futuro sposo Raf, tra gli interpreti troviamo anche la cantante e cantautrice Leona Lewis, qui debuttante sul grande schermo. Non ci resta che canticchiare e tra un motivetto e l’altro ammirare gli splendidi paesaggi salentini. Veronica Barteri ALEX CROSS – LA MEMORIA DEL KILLER (Alex Cross) Stati Uniti,2012 Regia: Rob Cohen Produzione: Bill Block, Paul Hanson, James Patterson, Steve Bowen, Randall Emmett, Leopoldo Gout per Qed International, Envision Entertainment Corporation, Iac Productions, James Patterson Entertainment Distribuzione: 01 Distribution Prima: (Roma 18-7-2013; Milano 18-7-2013) Soggetto: dal romanzo “La memoria del Killer” di James Patterson Sceneggiatura: Marc Moss, Kerry Williamson Direttore della fotografia: Riccardo Della Rosa Montaggio: Thom Noble, Matt Diezel Musiche: John Debney Scenografia: Laura Fox Costumi: Abigail Murray l film inizia con vari inseguimenti della polizia di Detroit, con cui collabora Alex Cross. Detective e profiler, egli ha a cuore una carcerata che si è fatta condannare per coprire i misfatti dello zio. Cross ha due figli, la grande, Janelle, suona il piano; con loro vive anche la madre di Alex. Tornando a casa, la moglie Maria gli dà la notizia che è in dolce attesa del loro terzo figlio. Un uomo si reca ad un incontro di boxe in una chiesa sconsacrata e chiede di poter scommettere su se stesso facendosi chiamare il Macellaio di Sligo. Nonostante sia fisicamente inferiore rispetto allo sfidante, riesce a batterlo . Una volta vincitore, viene ospitato a casa di una ricca donna d’affari, una delle spettatrici dell’incontro, Fan Yau. Affascinata dalla forza del vincitore, questa lo invita a casa sua per trascorrere la notte con lui. Il killer di nome Sullivan, fingendo di volerla intrattenere con un gioco erotico, prima la paralizza con una puntura e poi la tortura tagliandole le dita delle mani. Il commissario Brookwell e le forze di polizia arrivano sul luogo del delitto, trovano la donna torturata e chiamano Alex Cross e Tommy Kane. Alex va a prendere l’amico Tommy che ha una storia d’amore con la collega Monica Ashe; Tommy cerca di tenerlo all’oscuro su questa relazione temendo il giudizio del collega su un rapporto che è anche professionale e, per questo, pericoloso. Alex in macchina racconta all’amico che l’FBI gli ha offerto un incarico dove I Effetti: LOOK! Effects Inc. Interpreti: Tyler Perry (Alex Cross), Edward Burns (Tommy Kane), Matthew Fox (Picasso), Jean Reno (Giles Mercier), Carmen Ejogo (Maria Cross), Cicely Tyson (Nana Mama), Rachel Nichols (Monica Ashe), John C. McGinley (Capitano Richard Brookwell),Werner Daehn (Erich Nunemacher), Yara Shahidi (Janelle Cross), Sayeed Shahidi (Damon Cross), Bonnie Bentley (Detective Jody Klebanoff), Stephanie Jacobsen (Fan Yau Lee), Giancarlo Esposito (Daramus Holiday), Ingo Rademacher (Ingo Sacks), Rory Markham (Nenad Stanisic), Sonny Surowiec (Hans Friedlich), Simenona Martinez (Pop Pop Jones), Marcelo Tubert (Cloche), Jessalyn Wanlim (Paramita Megawati) Durata:102’ lo pagherebbero di più e avrebbe orari più flessibili, consentendogli, così, di avere più tempo per la famiglia. Arrivano alla villa di Fan Yau; mentre Alex ipotizza che i colpevoli siano tanti, Alex insiste che per lui è stato uno solo l’assassino e, grazie al suo intuito, ricostruisce la scena. L’azione torna indietro e si vede effettivamente come Sullivan abbia torturato la ragazza. Inoltre Alex e Tommy ritrovano un disegno fatto a carboncino e una collana di enorme valore. Il killer si fa chiamare Picasso perché dopo ogni delitto ritrae la sua vittima. Cercano poi la cassaforte e riescono ad aprirla usando le dita mozzate della ragazza. Grazie alle sigle sul disegno e i nomi dei destinatari delle mail inviate da Fan Yau, Alex e Tommy intuiscono che prossimo obiettivo del killer sono Erich Nunemacher e Gilles Mercier. Si recano così nella loro azienda, ma Sullivan è già riuscito a infiltrarsi al suo interno. Sembra che l’abbiano quasi tanato, quando l’assassino riesce a fuggire da un tombino dopo aver fatto saltare due bombe nei corridoi. In commissariato, intanto, fanno delle indagini su Mercier ed si scopre che c’è in ballo un gioco di potere tra multinazionali. Alex, Tommy e Monica vanno a casa di Mercier, lo incontrano e lui confessa di aver paura dal momento che si sente minacciato. Cross fa un analisi psicologica di Picasso e dice che si tratta di uno psicopatico, ex militare, narcisista e sadico. Intanto il killer si infila a casa di 54 Monica e la tortura. Cross sta a cena con la moglie quando lo chiama Sullivan che si trova nel palazzo di fronte. Al telefono gli mostra cosa ha fatto a Monica. Infastidito Sullivan punta il fucile prima contro di lui passando poi alla moglie e uccidendola. Ci sono i funerali di Maria e Sullivan spia anche questo momento drammatico. Più tardi, Alex e Tommy scoprono un tipo particolare di droga usato dall’assassino che fa paralizzare le vittime ma le fa rimanere coscienti. Cross così va a parlare con lo zio della carcerata che ha lui in terapia e gli propone un accordo : in cambio del nome del chimico (fornitore di Picasso), gli ridarà le armi con le quali l’accusa lo ha incastrato. Così, i due poliziotti vanno dal chimico, lo colpiscono per sapere il nome del cliente ma lui dice di non sapere nulla. In compenso ha dei filmati che permettono di risalire alla targa dell’auto di Sullivan. Intanto al Palazzo di Giustizia si tiene un incontro; grazie al satellitare vedono che il serial killer sta andando in quella direzione. Sullivan lascia l’auto in un parcheggio, prende la metro e manomette un vagone. Fa fuori chi è con lui all’interno e dal treno spara contro l’edificio riuscendo a colpire il bersaglio; il palazzo di giustizia va a fuoco e poco dopo le macchine di Cross e di Sullivan si scontrano al parcheggio. Nel duello finale il killer muore e Alex viene salvato dall’amico Tommy. Alla fine, si scopre che il killer era stato ingaggiato da Mercier ( Film aveva fatto andare una controfigura al suo posto al Palazzo di Giustizia ). Riescono a incastrarlo sul traffico di droga per colpa della sua assistente che ne faceva uso. Nel posto in cui si trova come fuggitivo, Mercier, la condanna per lo spaccio di droga è la pena di morte. Così Tommy decide di volersi trasferire a Washington insieme all’amico Alex, ricominciando così una nuova vita. alla penna di James Patterson con la regia di Rob Cohen torna il thriller (più televisivo che cinematografico) Alex Cross- La memoria del killer. Rob Cohen sforna questo poliziesco un po’ troppo prevedibile e che non si può considerare all’altezza dei primi due episodi Nella morsa del ragno e Il collezionista, in cui, a ricoprire il ruolo di Alex Cross, era stato chiamato Morgan Freeman. Quello D Tutti i film della stagione che si nota in questo prequel è una mancata adesione della regia al testo e una sceneggiatura lacunosa, a tratti un po’ superficiale (le analisi psicologiche sono un po’ all’acqua di rose!). Tornando alla regia si può dire sia un po’ didascalica, le riprese sembrano amatoriali e in alcune scene le inquadrature risultano traballanti e perfino mosse. L’audio è pessimo e ci sono alcune trovate un po’ infelici. Sulla scena del crimine, le battute su Harry Potter risultano un po’ fuori contesto ( la voce del doppiatore di Peter Griffin non aiuta!) , sembra impossibile che a kilometri di distanza e ad una velocità elevata il killer riesca a centrare il bersaglio, poco credibile che casa di Monica si trovi esattamente di fronte al locale scelto da Cross per portare la moglie a cena, come anche sembra poco credibile una lucida analisi dell’interlocutore dopo aver visto la collega torturata. Si può evidenziare poi una certa confusione all’inizio quando vengono presentate tre diverse immagini del protagonista assolutamente sconnesse tra loro (prima all’inseguimento di un delinquente, poi come psicoterapeuta e infine come padre). Nonostante i parecchi aspetti negativi della vicenda, l’azione procede a un ritmo veloce; molto bella la scena in cui il killer Sullivan risale i tubi dell’azienda di Nunemacher o come le inquadrature iniziali che riprendono le forme del vetro nell’appartamento del killer. Il messaggio è ancora una volta quello di una giustizia fai da te , in cui si arriva ( per quanto sia credibile) anche a fare dei compromessi con i “cattivi”. Il tutto viene addolcito dalla frase finale che sembra voler salvare in corner l’etica della pellicola: “Non lasciare mai quello che ti è più caro”. Giulia Angelucci MONSTERS UNIVERSITY (Monsters University) Stati Uniti,2013 Regia: Dan Scanlon Produzione: John Lasseter per Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures Distribuzione: The Walt Disney Company Italia Prima: (Roma 21-8-2013; Milano 21-8-2013) Soggetto: dai personaggi ideati da Pete Docter e Andrew Stanton M ichael Wazowski sin da piccolo sogna di diventare uno spaventatore. A scuola insieme alla sua classe viene portato in gita a visitare la fabbrica della Monsters Inc., dove uno spaventatore gli regala un suo cappello (ex allievo della MU). Da allora decide che sarà anche lui uno studente della Monsters University. Michael è una creatura ciclopica che è stata sempre scansata dagli altri e, ora che è diventato studente universitario, giura che si impegnerà tantissimo. Compagno di stanza di Randall, Mike è uno studente modello a differenza di James P. Sullivan, il tipico mostro erede di una famiglia talentuosa che non ha bisogno di studiare per spaventare. I due si detestano e, il giorno dell’esame, a causa di una lite in aula, rompono un cimelio, lo storico contenitore delle urla provocate dal guinness degli spaventatori, l’esaminatrice ovvero il rettore Tritamarmo. I due vengono espulsi dal corso di spavento e sono invitati a partecipare a corsi di altre facoltà annoiandosi mortalmente, ma non dandosi per vinti. Mike decide quindi di partecipare alle spaventiadi e fa una sfida con la direttrice. Questa promette di riammetterli al corso di spavento nel caso di vincita alle spaventiadi ( cosa che crede assolutamente impossibile!). La squadra di Wazowski consta delle Sceneggiatura: Dan Scanlon, Daniel Gerson, Robert L. Baird Montaggio: Greg Snyder Musiche: Randy Newman Scenografia: Ricky Nierva Durata: 104’ creature meno spaventose di tutto il college. Ma, ogni squadra, per poter partecipare, ha bisogno di sei membri. Loro sono in cinque e Michael è costretto ad accettare nella sua squadra Sullivan per potersi iscrivere. Gli Ohimè Kappa, questo il nome della loro squadra, si allenano con costanza ogni giorno e, grazie alla tenacia del loro leader, riescono ad arrivare alle finali. Il giorno della finale, Sullivan ( temendo che Mike non riesca a superare la prova) manomette lo spaventometro impostando al turno di Michael il livello più semplice della prova. Michael lo scopre una volta conquistata la vittoria; si sente tradito e fugge attraverso la porta del laboratorio della scuola in una casa umana. Qui fa i conti con se stesso e capisce di non essere in grado di spaventare nessuno. L’amico Sullivan riesce a portarlo in salvo e i due riattraversano la porta che, nel frattempo, è stata disattivata producendo un urlo talmente potente da rompere tutti i contenitori di urla del laboratorio. Il rettore Tritamarmo rimane stupito di questa loro memorabile impresa ma allo stesso tempo, è costretta a espellerli perché Sullivan ha barato alle spaventiadi. Grazie alla loro complementarietà e alle loro diverse abilità, i due vengono impiegati nel personale della fabbrica della Monsters Inc. e con il loro 55 impegno riescono ad arrivare ai gradi che hanno più o meno sempre sognato. uando due grandi industrie cinematografiche come la Disney e la Pixar si incontrano non può che uscirne fuori un piccolo capolavoro d’animazione pieno di divertimento. Il suo fiore all’occhiello sta nell’ambientazione, che ha preso come modello la prestigiosa università di Harvard. Una coloratissima scenografia,mai così fantasiosa e accurata , fa da sfondo al prequel firmato dal regista di Cars, Dan Scanlon. Il precedente regista Pete Docter funge da executive producer e dopo 12 anni da Monsters & Co. John Lasseter e i suoi ( i creatori di Toy Story) sono riusciti nell’impresa intelligente di restituirci il piacere della compagnia di Mike e Sully senza metterli in competizione con loro stessi. Rispetto al primo film Monsters & Co., Monsters University riesce ad avere una identità propria e a non deludere un pubblico che, già dal primo episodio, era rimasto entusiasta. Se l’originale è l’avventura di una strana coppia, il prequel è più classicamente la storia di Mike, piccolo grande eroe, costretto a fare i conti con il proprio handicap (è un mostro che non fa paura), ma anche con la forza contagiosa Q Film della determinazione e della passione che la carriera di potenziale spaventatore ispira in lui. Passione che trasferisce anche ai suoi compagni d’avventura e che valorizza l’importanza del lavoro di squadra . Quella in questione è la più ‘sfigata’ delle confraternite, gli Ohimè Kappa, formata da Don, la piovra fuori corso, Art, peluche poliforme dedito alla new age, il paffuto Squeeshy e la premiata ditta Timmy e Timmi, creatura a due teste. Rispetto al primo episodio cambia soprattutto il registro: dal filosofico e tenero incontro/scontro tra il mondo dei mostri e quello dei bambini, attraverso la porta del destino, si passa a quello goliardico e avventuroso del college movie. Il mondo universitario è infatti rappresentato alla perfezione: le feste, i gruppi settari, le prese Tutti i film della stagione in giro,etc… Nella Monsters University vige un buffo sistema scolastico tinto di fantasy e fatto di buon umorismo. Importantissimo anche il messaggio educativo non scontato in un film d’animazione moderno : il valore di Mike e Sullivan viene riconosciuto dal rettore che, fino ad allora, era stato piuttosto scettico nei loro confronti, ma questo non basta ad essere riammessi al corso di spavento. Oltre ai protagonisti ritroviamo personaggi come il terribile Randall anche lui agli esordi da studente e le voci originali dei protagonisti , quelle di John Goodman e Billy Cristal. Per quel che riguarda invece il doppiaggio italiano, scopriamo i «soliti idioti» Fabrizio Biggio e Francesco Mandelli, uniti nelle due teste con un solo corpo di Terry e Terri, Martina Stoessel e Lodovica Comello che interpretano Carrie e Britney, mentre Rose ha la voce di Loretta Goggi. Le altre voci sono quelle di Sandro Acerbo e Saverio Indrio. Il film fa anche omaggi cinematografici a tutto spiano: dalla La rivincita dei Nerds ricalca tutte le prove che devono superare per non essere considerati emarginati, da Animal House riprende le distinzioni dei gruppi Vip e Nip, fino alla scena della vernice di Carrie lo sguardo di satana . La Disney, come sappiamo, non è mai banale ma, per lanciare la nuova (per non dire vecchia) avventura di Mike e Sullivan, ha scatenato una feroce campagna pubblicitaria lunga mesi. Una campagna a dir poco mostruosa. Giulia Angelucci DRIFT – CAVALCA L’ONDA (Drift) Australia, 2013 Regia: Morgan O’Neill, Ben Nott Produzione: Tim Duffy, Michele Bennett, Myles Pollard per Screen Australia, World Wide Mind Films, in associazione con Screenwest, Lotterywest, Southwest Development Commission Screen Nsw, Fulcrum Media Finance Distribuzione: Koch Media Prima: (Roma 8-8-2013; Milano 8-8-2013) Soggetto: Morgan O’Neill, Tim Duffy Sceneggiatura: Morgan O’Neill Direttore della fotografia: Geoffrey Hall Montaggio: Marcus D’Arcy S ydney 1960. Una madre coi i suoi due figli fugge da un marito violento e alcolizzato per costruirsi una nuova vita. La madre avrebbe un colloquio di lavoro altrove, ma i due ragazzi ( con l’aiuto della vecchia auto che sembra non collaborare) vorrebbero rimanere lì a Seacliffe, in Australia occidentale. I due ragazzini spericolati si avventurano fra le onde dell’oceano; il più grande Andrew rimane incastrato sul fondale e il fratellino Jimmy lo salva. Lì c’è un ragazzo, Gus, che si occupa di aggiustare tutti i materiali da surf ormai in disuso. Parecchi anni dopo Jimmy si ritrova tra i professionisti del surf a gareggiare, mentre il fratello maggiore lavora in una falegnameria. Un giorno, entrano a far parte della loro vita Jb un hippie appassionato di fotografia ( anche subacquea) e l’affascinante compagna Lani. Anche Jb, come i due fratelli, è affascinato dalle cosiddette onde sinistre. Jimmy si dedica a qualche furtarello e, una volta scoperto Andrew lo salva da un inseguimento con la polizia facendogli promettere di riportare tutto indietro. Percy, un anziano signore amico di famiglia, che lavora con Andrew nella falegnameria, va Musiche: Michael Yezerski Scenografia: Clayton Jauncey Costumi: Marriott Kerr Interpreti: Myles Pollard (Andy Kelly), Xavier Samuel (Jimmy Kelly), Sam Worthington (JB), Lesley-Ann Brandt (Lani), Robyn Malcolm (Kat Kelly), Aaron Glenane (Gus), Steve Bastoni (Miller), Maurie Ogden, Sean Keenan (Andy Kelly ragazzo), Kai Arbuckle (Jimmy Kelly ragazzino), Harrison Buckland-Crook (Gus ragazzino), David Bowers (Sergente Hemsley) Phil Miolin (Knowles), Craig Mathieson (Tom), Andy King (Sig. Grumley) Durata: 113’ in pensione. Una sera, Andrew prende una decisione: quella di lasciare il proprio lavoro e di mettersi in proprio con l’aiuto di Jimmy, Gus e Lary per la costruzione di tavole da surf. La mamma sarta si sarebbe occupata della creazione di nuove tute. Nasce così la Kelly Brothers Surf Gear. Jb rimedia loro delle nuove tavole per surfare ed entusiasti vanno a provarle. Si occupano anche del marketing della loro attività; per questo decidono di andare in giro per la costa e far vedere i filmati delle loro acrobazie fatti in acqua da JB. Oltre alla sua generosità, però i due fratelli scoprono che l’hippie custodisce in alcune sue tavole una grande partita di hashish . Miller e i suoi scagnozzi fanno irruzione a una loro festa e cominciano ad importunare Lani. Andy la difende e da lì nasce la loro storia d’amore. Jimmy e Gus intanto cercano di provare nuove sostanze. Percy parla con Andy; vorrebbe dar loro la liquidazione per mettere su una vera e propria azienda. La banca non concede prestiti per questo tipo di commercio ludico, perciò con la liquidazione di Percy aprono un grande negozio di surf dal nome Drift. Un giorno arriva la polizia che comincia a sospettare 56 che ci sia anche della droga nella loro attività. Intanto l’amico Gus va a chiedere a Miller di procurargli dell’erba per far colpo su una ragazza. Un agente pubblicitario si reca da Andy proponendogli, in occasione del campionato di surf, di far vendere i prodotti del campione Ocean King nel suo negozio, ma Andy rifiuta. Gus intanto è sparito e Jimmy lo ritrova pelle ed ossa. Ormai è in crisi d’astinenza. Il guaio è che la “roba” che Gus aveva ordinato arriva in negozio in alcune tavole da surf. Andy, correndo il rischio che la faccenda mandi all’aria tutta l’impresa, va su tutte le furie, litigando col fratello che difende l’amico. La roba non c’è più quando arriva Miller a riscuotere la partita. Così Gus disperato si toglie la vita in mare. Miller torna a ricattare Andy pretendendo o i soldi o l’eroina. La signora Kelly è disperata e, non sapendo come procurarsi il denaro del debito, vorrebbe andar via da lì. Così Andy decide di iscriversi alle prove di qualificazione del campionato: in caso di vittoria si guadagnerebbero 5000 dollari, cifra che avrebbe risolto ogni loro difficoltà. Jimmy, dopo la lite col fratello, si allontana da casa ma grazie all’aiuto di Lani, viene a sapere che il fratello Film ha superato le qualificazioni. Il giorno del campionato sono tutti lì in tribuna e Jimmy chiede al fratello di poter gareggiare lui al suo posto, perché è più capace ad affrontare le super onde. Durante la gara Jimmy ha un incidente, sbatte la testa sulla tavola e perde conoscenza. Così il fratello si butta in mare e lo salva. Purtroppo non vince il premio, ma, grazie alle sue acrobazie, Jimmy va in prima pagina. I giornali fanno pubblicità al negozio che diventa super affollato. Offrono poi al fratello minore dei Kelly un posto tra i professionisti; JB, prima di andare via in cerca di nuove avventure, incastra Miller mettendogli la sua “roba” in casa. spirato a una storia vera, Drift : cavalca l’onda segue irrimediabilmente le orme di Un mercoledì da leoni diretto da J. Milius del 1978. Un film che I Tutti i film della stagione gli appassionati di surf non possono perdere, ma che anche un pubblico generico può apprezzare. Si sfrutta al massimo la spettacolarità delle riprese in acqua e si rimane affascinati dalla policromia dell’inverno australiano fra tramonti mozzafiato e una natura selvaggia e ostile. Ben Nott e Morgan O’Neill producono un buon film che si lascia guardare anche per la trama e alcuni spunti interessanti. Molto positiva la figura della madre, la signora Kelly, interpretata da Robyn Malcolm. Suggestiva invece la scelta del bianco e nero nel prologo del film, interessanti le inquadrature iniziali all’interno della macchina e gli inserti in super-8. Dal punto di vista tecnico del surf saranno gli esperti a valutare, ma da quello cinematografico possiamo dire che nel complesso il film funziona anche se i cattivi di turno, risulta- no forse un po’ caricaturali. Ed è così che questa pellicola cerca di riportare in auge i fasti di un genere che ha segnato l’immaginario culturale di intere generazioni di ragazzoni biondi e muscolosi, tra le declinazioni agonistico-balneari del sogno americano. In un film in cui sembra che ci sia il dovere irrefrenabile di assecondare tutte quelle inclinazioni tipiche degli anni ’70 e non solo come droga, donne, sport estremo, (dove anche i buoni qualche pecca ce l’hanno), la frase che rimane impressa nella mente dello spettatore è “Non puoi combattere l’istinto umano se prima non domi il tuo”. Una lezione di vita accompagnata da una colonna sonora dal sapore rock che ci fa sentire ancora di più sulla cresta dell’onda. Giulia Angelucci DINO E LA MACCHINA DEL TEMPO (Dino Time) Corea del Sud,Stati Uniti, 2012 Regia: Choi Yoon-Suk, John Kafka Produzione: CJ Entertainment, Myriad Pictures, Toiion Distribuzione: Notorius Pictures Prima: (Roma 4-7-2013; Milano 4-7-2013) D ino vive a Terradina,un paese ricco di fossili (dei dinosauri). La sorellina Giulia lo sgrida dicendo che la mamma lo sta aspettando in negozio; la dovrebbe sostituire perché lei è impegnata con la consegna del premio dell’associazione genitori. Dino è vivace e disubbidiente ma, soprattutto, è appassionato di skateboard. Le sue altre passioni sono il museo di storia naturale e la roccia del mistero. Così insieme al suo amico Max, si intrufolano nel museo nella parte addetta al personale e scoperchiano uno scheletro di dinosauro coperto da un lenzuolo. Intanto la sorella Giulia li ha seguiti fin lì e, per farli trovare dalla sicurezza, fa scattare il sensore che fa avviare l’allarme. Dino e Max cercano di sfuggire alle guardie ma vengono bloccati. La mamma di Dino lo rimprovera perché ha disubbidito e lo mette in punizione per tre settimane. Lui scappa dalla finestra della sua cameretta e va a casa di Max. Giulia li segue fin nello studio del padre di Max. Il dottor Santiago è uno scienziato, che sta lavorando alla macchina del tempo da quattro anni. Egli ha ormai perso ogni speranza nel far funzionare la macchina. I tre bambini entrano di nascosto nel macchinario. Per caso, Dino fa cadere della bibita sul reattore principale e la macchina si mette in moto e atterra dinnanzi a un vero e proprio T-rex. È Soggetto e Sceneggiatura: Park Jae Woo, James Greco, Adam Beechen, Zachary Rosenblatt Musiche: Stephen Barton Durata: 85’ Tyrana, un dinosauro femmina che comincia a leccarli credendo siano suoi cuccioli visto che la macchina è a forma di uovo. Chiama così gli altri dinosauri per mostrar loro i nuovi arrivati. I Sarco sono due dinosauri cattivi che si avvalgono dell’aiuto di tre avvoltoi che fanno loro da spia. I Sarco vorrebbero eliminare Tyrana per prendere loro il potere. Intanto Giulia si dispera perchè vuole tornare a casa, mentre Dino no; per questo il bambino nasconde la chiave di accensione della macchina in modo di poter rimanere nel cretaceo più a lungo. Ofex è un piccolo stravagante dinosaurino amico di Tyrana che vorrebbe stare con loro. Il dottor Santiago e la mamma di Dino e Giulia scoprono che i ragazzi sono finiti indietro nel tempo. I Sarco dicono agli scagnozzi che le riserve stanno finendo e devono far fuori Tyrana al più presto. Durante il passaggio sulle rapide, Dino perde la chiave di accensione che viene mangiata da uno dei tre scagnozzi. I tre ragazzini ribattezzano il piccolo Ofex con il nome di Skiber. A un tratto si trovano di fronte gli alanosauri,gli ultimi dinosauri a essersi estinti. Dino si accorge di non avere più la chiave e Tyrana li salva riportandoli al nido. I genitori intanto provano a costruire una nuova macchina per raggiungerli nel cretaceo. Durante la notte, Dino prova ad allontanarsi per un po’ ma Tyrana se ne 57 accorge e lo ferma. L’indomani Dino, Giulia e Max partono per l’avventura e seguono le orme degli scagnozzi che intanto rubano l’uovo. Tyrana dice a Skiber che i piccoli non devono andare nella Valle Bassa, dove si trova la tana dei Sarco . Gli scagnozzi portano l’uovo dai Sarco, ma Tyrana non cade nella trappola; perciò i Sarco ordinano ai tre avvoltoi di rapire uno dei “cuccioli” di Tyrana . Dino decide di lasciare un messaggio al dottor Santiago sulla roccia del mistero. Intanto la nuova macchina del tempo non intende partire e, dall’uovo vero catapultato nel tempo nell’odierna Terradina, nasce un piccolo dinosauro che comincia scorrazzare per tutta la cittadina. Mentre Dino sta per incidere il messaggio sulla roccia, gli scagnozzi rapiscono la sorellina Giulia. Così parte l’inseguimento tra buoni e cattivi e anche Max viene catturato. Tyrana riesce a trovarli nella tana dei Sarco e per aiutarla Dino distrae i cattivi emettendo un ululato. Skiber salva Dino e, mentre Tyra lotta contro i Sarco, comincia a crollare tutto. In un primo tempo i tre bambini vogliono rifugiarsi nella macchina del tempo e tornare a casa ma poi Dino pensa che non può lasciar soli Tyra e il piccolo Skiber. C’è un terremoto e così Dino, Giulia, Max e Skiber si aiutano a vicenda. Fanno fuori uno dei perfidi Sarco. Nel frattempo la mamma di Dino e Giulia Film vede il messaggio sulla roccia. Ne intuisce il significato perché vede un ragazzo che passa accanto alla loro auto con una bibita, ne fa cadere un po’ sul marchingegno e così capiscono come funziona. L’altro Sarco si risveglia, arrivano i genitori dei tre bambini e intanto lottano Tyra e il Sarco. Questo muore, la madre spaventata li vorrebbe difendere da Tyrana, ma loro spiegano che lei si è comportata come una madre. Consegnano a Tyrana il suo cucciolo e scappano perché crolla tutto di nuovo. Riescono a salvarsi tutti, si salutano e scoprono che l’incisione l’ha fatta Skiber. l family movie di John Kafka e Yoonsuk Choi è incentrato su un viaggio nel tempo. Riprendendo a tratti Una notte al museo e Ritorno al futuro, il cartone può es- I Tutti i film della stagione sere apprezzato da diversi punti di vista. È di sicuro una pellicola dal sapore Ètecnologico, con qualche contrappunto di umorismo (si fa dell’ironia sull’estinzione) e scorci panoramici incredibili. Da ricordare, ad esempio, la scena delle rapide, davvero suggestiva sia per i bambini che per un pubblico adulto. Carino il confronto tra la mamma di Dino e Giulia super rigida e precisa (almeno secondo lei) e il papà di Max super strampalato. La loro unione nella diversità è tenera quanto l’apprensione e la cura che Tyrana ha per i tre cuccioli d’uomo. Molto carina e curata anche l’animazione finale che accompagna i titoli di coda. Innovativo il cartone dal punto di vista comunicativo per due motivi: innanzitutto il regista sceglie, soprattutto nella parte iniziale, di far rivolgere il protagonista Dino direttamente al pubblico; il ragazzino fa da guida allo spettatore nella sua cittadina e mostra il museo di storia naturale, la roccia del mistero e ci presenta anche il suo migliore amico Max. Come secondo elemento occorre notare che, rispetto ad altri film d’animazione, si sceglie di non far comunicare verbalmente gli umani e i dinosauri tra loro. Il discorso formativo è presente sporadicamente nella pellicola; la madre fa un discorso sulle regole, sul fatto di dover vigilare i figli e parla addirittura di una sana e corretta alimentazione. Quello che si vede, in realtà, è che è solo Tyrana, la mamma dinosauro, ad essere il vero genitore e maestra di vita. Come a dire che è proprio vero che non esistono più le mamme di una volta! Giulia Angelucci THE BUTTERFLY ROOM – LA STANZA DELLE FARFALLE (The Butterfly Room) Stati Uniti,Italia, 2012 Regia: Jonathan Zarantonello Produzione: Enzo Porcelli per Achab Film, Emergency Exit Pictures con la collaborazione di Rai Cinema, Wiseacre Films Distribuzione: Achab Film Prima: (Roma 6-6-2013; Milano 6-6-2013) Soggetto e Sceneggiatura: Paolo Guerrieri, Luigi Sardiello, Jonathan Zarantonello Direttore della fotografia: Luigi Verga Montaggio: Clelio Benevento Musiche: Pivio, Aldo De Scalzi J ulie, in attesa della madre che non è ancora tornata a casa, viene ospitata dalla vicina Ann, una signora piuttosto strana che colleziona farfalle e dal cui appartamento si sentono strani rumori (sulla porta si sentono ogni tanto tre colpi). Un giovane operaio va nell’appartamento di Ann perché deve riparare un vetro e, con l’occasione si scusa con la signora perché nei giorni precedenti era stato scortese con lei. Ann lo fa entrare nella stanza delle farfalle dove lo tramortisce. Un mese prima, si vede Ann in un centro commerciale avvicinarsi a una bambina che piange perché dice che dei ragazzi le hanno rubato dei soldi e non può comprarsi una bambola. La signora le regala dei soldi e la bambina si compra la bambola. Questa le chiede il numero di telefono per farla ringraziare in un secondo momento dalla madre e poi butta via la bambola. Poco tempo dopo, questa ragazzina di nome Alice si reca a casa di Ann; le chiede perché mette le farfalle nelle cornici e la signora le spiega che altrimenti scapperebbero via. Ann si confida con Alice che le è morta una figlia di nome Dorothy e le offre il suo aiuto per darle ripetizioni di francese. Una volta sola, Ann in casa sua rompe un muro con un Scenografia: Alessandra Montagna Costumi: Alessandra Montagna Effetti: Spark Digital Entertainment Interpreti: Barbara Steele (Ann), Ray Wise (Nick), Erica Leerhsen (Claudia), Heather Langenkamp (Dorothy), Ellery Sprayberry (Julie), Julia Putnam (Alice), Emma Bering (Monika), Camille Keaton (Olga), James Karen (Comesso), Adrienne King (Rachel), P.J. Soles (Lauren), Joseph H. Johnson Jr (Chris), Matthew Glen Johnson (William), Lorin McCraley (Uomo nell’ascensore) Durata: 87’ martello (così scopriamo come si sentono i botti dall’altro appartamento). Si reca poi in un edificio distante da casa sua; nella stanza 304 ha un armadio dove custodisce dei vestiti da bambina. Prende l’ascensore, apre una botola e sotto si scorgono dei cadaveri. Il coperchio che chiude la botola le cade giù ma, nel frattempo, l’ascensore viene chiamato da un giovanotto. Questo sale un po’ ubriaco e non si accorge di nulla. Tornata a casa Ann dà un vestito nuovo ad Alice e la costringe a scrivere con la mano destra. Più tardi va a cena a casa della madre di Julie, dove le viene offerta una minestra surgelata; ad un commento poco carino della bambina sulla maestra, Ann si infervora contro Julie come fosse la madre. Ogni volta che va a casa di Ann, Alice le chiede la mancetta e lei gliela dà. La madre di Julie, Claudia, dopo la cena le confessa che la figlia da quando va a scuola è diventata tremenda, che è separata dal marito e sta avendo una relazione col suo direttore. Ora è incinta e le chiede di poter tenere la bambina durante il week end. Lei accetta con piacere. Si vede Ann che trascina un sacco con un cadavere dentro. Giorni dopo, incontra Alice al centro commerciale con una signora accanto alla quale la bambina dice di non 58 conoscere Ann. La madre di Julie parte e Ann incontra Nick , il capo dell’operaio ucciso, stupito del fatto che sia sparito da tre giorni. Ann gli dice che è stato molto scortese con lei, che ha parlato male del capo e così gli chiede di venire a cambiarle il vetro al più presto. Julie sta dormendo quando viene svegliata da Ann che canticchia. La bambina la vede di spalle che sta in una stanza a lavorare con delle stoffe e parlando da sola pronuncia il nome di Ellis. Ha una bambola sdraiata sul tavolo . Fortunatamente la bambina non si fa vedere. Alice fa cadere inavvertitamente il succo, Ann le dice di pulire e la bambina la ricatta dicendo che non tornerà più. Così lei per convincerla la paga e si danno appuntamento a venerdì. Ann accompagna Julie a scuola e quando torna vorrebbe giocare con la bambina nella stanza delle farfalle. Scopre che Alice si fa pagare anche da un’altra signora,una certa Olga, presumibilmente per indossare dei vestiti. Ann si spaccia per Olga e va dalla madre di Alice (stanza 304) . Questa fa la prostituta e confessa di chiedere lei i soldi alla figlia. La madre ha una gamba amputata e afferma che nessuno è normale. Le lascia le chiavi per dar da mangiare al pappagallo e la mette in guardia dicendole Film che la figlia è sveglia. Ann uccide la madre di Alice e la fa cadere sotto l’ascensore. La madre del bambino la segue con la macchina e intanto Julie riprova a entrare nella stanza delle farfalle. Arriva Nick che le aggiusta il vetro e l’avverte di aver scoperto che ha demolito di nascosto una parete perché ha trovato le attrezzature buttate nel cassonetto. Le chiede un compenso in cambio del silenzio per questa attività illegale e lei gli chiede se l’aiuta a spostare un mobile. Lui la minaccia dicendo che interverrà duramente se sentirà ancora rumori non avendolo voluto pagare in nero. Ann segue con la macchina Olga e Alice andare in un negozio. Le segue nella toilette del centro commerciale, si fa dare dei guanti perché sanguina e poi con una siringa uccide Olga. La madre del bambino arriva fino all’appartamento e si scopre che è la figlia Dorothy . Questa parla con Ann e dice alla madre che è preoccupata per Julie, dice che l’ha fatta andare in analisi. Intanto Julie si chiude nell’armadio messo davanti la porta della stanza delle farfalle e con un buco nella parete interna riesce ad arrivare alla maniglia. Ann vuole riparare l’oggetto che ha rotto Dorothy. Il giorno dopo chiama Alice e le dice che se vuole può venire a vivere con lei. Claudia torna e dice ad Ann che ha lasciato il direttore , che ha abortito e Ann la sgrida dicendo che ci avrebbe pensato lei a Julie. Claudia vede la figlia attraverso l’armadio nella stanza delle farfalle. Entrano nella stanza insieme e appesa c’è solo una veste di Alice. A scuola Julie parla con William il nipote di Ann che le consiglia di liberare la farfalla e di esprimere un desiderio. Dorothy parla con la mamma di Julie. Grazie ad un flashback nel passato si vede Ann che vuole affogare la figlia nella vasca e il padre riesce a salvarla. Dorothy lascia il suo numero per qualsiasi evenienza a Claudia. Questa va a discutere con Ann ma ha un malore e lei da dietro la tramortisce. Scenata di gelosia (quella che aveva visto il giovane operaio ucciso) perché lei vuole essere l’unica madre per Alice. Ann Tutti i film della stagione rompe la bambola ed Alice le dice che andrà a vivere dallo zio; così Ann le chiede per un ultima volta di incorniciare insieme una farfalla. Uccide nella vasca e la chiude dentro una busta di plastica la mamma di Julie. Fa incorniciare la farfalla a Alice parlandole intanto della madre e poi la tramortisce con il cloroformio. Intanto Julie va in cerca della madre. Si levano le viti della chiusura che Ann aveva messo davanti la porta. Julie riesce a entrare nella stanza, nella cassapanca. Apre ancora e c’è il corpo dell’operaio di colore. Dietro le foto e l’abito la Julie trova una teca con dentro Alice imbalsamata. Ann si accorge di Julie in cerca della madre e le fa vedere il cadavere. La bambina riesce a scappare, si rifugia nel suo appartamento e cerca di chiamare Dorothy che non è in casa in quel momento. Nick sente di nuovo i rumori, sale fino all’appartamento di Ann e vede il cadavere di Alice, dell’operaio, della madre di Julie e dei buchi nel muro. Julie strilla, l’operaio per salvarla rimane bloccato nel pertugio, la ragazzina scappa di nuovo perchè Ann la insegue. Nel frattempo, Dorothy arriva con la macchina e investe la madre. Julie viene adottata dalla figlia di Ann. e qualcuno ha nostalgia dei vecchi capolavori di Dario Argento non potrà lasciarsi sfuggire questo gran bel thriller firmato dall’italo-americano Jonathan Zarantonello. Ispirato ad Alice dalle 4 alle 5, titolo di un racconto e di un cortometraggio dello stesso regista, The Butterfly Room si insinua tra diversi generi cogliendone i punti forti e sfruttandoli nel migliore dei modi. Tra horror e thriller psicologico il film parla di una madre protettiva che cerca in maniera esasperata e morbosa l’amore di due bambine ( arriva a pagare Alice), un amore che lei crede di non aver mai ricevuto dalla figlia Dorothy. Farebbe di tutto pur di tornare indietro; così trapela il fortissimo parallelo tra le farfalle e le piccole donne che incornicia e tiene in bella mostra nella sua stanza per non farle volar S via. Come se non dovessero crescere mai. Già a partire dai titoli iniziali e con l’inquietante scena della vasca, lo spettatore si sente calamitato e incuriosito dalla storia di questa bizzarra signora interpretata magistralmente da Barbara Steele. Diversi gli spostamenti e sfasamenti temporali che intrigano il pubblico. Quello di Zarantonello è una innegabile eleganza stilistica in cui ci mostra una atmosfera alto borghese magnificamente fotografata; come quando cerca di far sviluppare parallelamente le vicende di Julie e di Alice, il passaggio in cui Ann asciuga la testa ad Alice e qualche fotogramma dopo diventa Julie, o come anche quando Ann uccide la madre di Julie e l’inquadratura dall’altro mostra una Claudia trasfigurata quasi fosse una bambola. Un film denso di simbolismi ed elementi psicoanalitici: la presenza delle bambole di coccio con riferimento a Dario Argento, o ad Hitchcock rievocando quell’inquietudine caratterizzante tutti quei personaggi dediti all’arte della imbalsamazione. Fondamentali per la tensione drammatica e psicologica sono i diversi flashback ma, soprattutto, quelli attimi che punteggiano il racconto in cui si lascia intravedere qualcosa allo spettatore (durante la notte si vede che c’è una bambina distesa nella stanza delle farfalle, si intravede una mano con degli spilli). Nel cast favolosa l’interpretazione di Julia Putnam nel ruolo della cinica Alice ed Ellery Sprayberry nei panni di Julie. La pellicola vede poi il passaggio di molte star dell’horror impegnate in veri e propri ruoli o solo in fugaci cammei: Ray Wise (I segreti di Twin Peaks), Heather Langenkamp (Nightmare - Dal profondo della notte), Erica Leerhsen (Non aprite quella porta), Camille Keaton (Non violentate Jennifer), Adrienne King (Venerdi 13), P.J. Soles (Halloween) e il regista Joe Dante nel ruolo del tassista. Tensione e ritmo fino all’ultimo ci tengono col fiato sospeso fino a domandarci tra noi e noi : Dorothy diventerà come la madre? Giulia Angelucci C’ERA UNA VOLTA UN’ESTATE (The Way Way Back) Stati Uniti, 2013 Regia: Nat Faxon, Jim Rash Produzione: Sycamore Pictures, The Walsh Company, Odd Lot Entertainment, in associazione con What Just Happened Productions Distribuzione: 20th Century Fox Italia Prima: (Roma 28-11-2013; Milano 28-11-2013) Soggetto e Sceneggiatura: Nat Faxon, Jim Rash Direttore della fotografia: John Bailey Montaggio: Tatiana S. Riegel Musiche: Rob Simonsen Scenografia: Mark Ricker Costumi: Ann Roth, Michelle Matland Effetti: Christopher Walsh, Sean Devereaux Interpreti: Steve Carell (Trent),Toni Collette (Pam), Allison Janney (Betty), Anna Sophia Robb (Susanna), Sam Rockwell (Owen), Maya Rudolph (Caitlyn), Liam James (Duncan), Rob Corddry (Kip), Amanda Peet (Joan), Jim Rash (Lewis), Nat Faxon (Roddy), River Alexander (Peter), Zoe Levin (Steph), Adam Riegler (Neil), Jeremy Weaver (Jason), Rodney Lodge (Malcolm), Robert Capron (Kyle), Devon Werden (Laura), Ava Deluca-Verley (Katy), Jake Picking (Chad), Jeffrey Ryan (Charlie) Durata: 103’ 59 Film D uncan è un ragazzo molto introverso che si trova a dover passare tutta l’estate in compagnia della madre Pam, del suo compagno Trent e della rispettiva figlia. Duncan è un adolescente problematico e, sin dall’inizio, la sua vacanza si mette male. Già in macchina Trent dice al ragazzo che su una scala da 1 a 10 lui varrebbe 3. La vicina di casa della villeggiatura è una tipa davvero fuori di testa e sua figlia Susanna sembra davvero antipatica. La sorellastra, alla quale i genitori chiedono di portarlo con sé in giro, lo tratta come se fosse invisibile. Il compagno della madre Trent è molto permissivo con la figlia, ma ha degli atteggiamenti poco simpatici e rispettosi verso il figlio acquisito. Durante una cena con gli amici di famiglia, Kip e Joan, Duncan esce di casa e inizia a parlare con Susanna, la figlia della vicina, che gradualmente sembra l’unica a mostrargli davvero attenzione fino a che, durante una gita in barca, conosce il suo mentore e strampalato maestro di vita Owen. Owen è il proprietario del parco acquatico della zona Water Wizz, che, dopo averlo preso in simpatia, lo invita a lavorare lì. Il percorso di crescita di Duncan in questo ambiente avviene gradualmente, in modo naturale e il team che vi lavora si dimostra una vera famiglia per lui. Cosa che non accade a casa; la madre lo rimprovera di assentarsi per troppo tempo da loro ma, nello stesso tempo appare evidente che il ragazzo venga trascurato. Intanto cresce l’amicizia con Susanna, con la quale condivide una serata a caccia di granchi. Duncan si accorge che sono nati dei problemi interni alla famiglia. Una mattina Susanna lo segue con la bici e passano la giornata insieme al parco. La serata, però, si conclude in maniera tragica: Duncan vede il compagno della madre baciarsi di nascosto con l’amica di famiglia Joan durante una braciolata. La madre sembra aver intuito la relazione ma non vuole risolvere la questione; così Duncan esplode. Corre via e porta con sé il fratellino di Susanna, Kyle, al parco; lì intanto stanno dando una festa in onore di Lewis, un inserviente del parco che vuole partire per una nuova avventura. Tutti i film della stagione Duncan e Kyle rimangono lì fino all’alba e, quando Duncan torna a casa, la madre gli dice di fare i bagagli perché stanno per andare via. Il ragazzo è triste di lasciare la villeggiatura soprattutto per tutti gli amici che ha trovato al Water Wizz. Sulla via del ritorno, una volta che l’auto si ferma a una stazione di servizio, Duncan scappa e torna a salutare la sua nuova “famiglia”, ovvero Owen, Caitlyn, Lewis e Roddy. Ma prima sfida Owen dentro gli scivoli ad acqua. Con la famiglia riprende il viaggio, ma stavolta la madre cambia posizione di viaggio nella speranza di cambiare anche rotta di vita. ’era una volta un’estate” è un film a tematica familiare. Familiare non solo perché presenta due famiglie allargate, particolari con loro problematiche interne, ma fa riflettere su come anche un nucleo con nessun legame di sangue possa diventare una famiglia. Il rapporto che Duncan instaura con Owen e con lo staff del parco acquatico, anche se per un breve periodo, ha portato per Duncan alla nascita di una vera e propria famiglia. Owen e gli altri lo hanno accompagnato in questo percorso di crescita grazie alla fiducia accordatagli, portando così a una responsabilizzazione e alla formazione di una propria identità del ragazzo. Significativa la scena dello smantellamento commissionata a Duncan di alcuni cartonati messi in terra da un gruppo di ragazzi che facevano della street dance (una scena che segna quasi un rito di iniziazione alla socialità), o come anche quando la madre entra nel parco e scopre che quella realtà ha donato un’identità del tutto nuova e un riconoscimento a suo figlio: il migliore inserviente del mese. I metodi di Owen sono a volte poco ortodossi, ma alla lunga portano il ragazzo a uno svezzamento tale da renderlo adulto e autonomo. Owen lo considera un ragazzo speciale e, nonostante tutti i problemi familiari che ha, gli consiglia di non perdersi il mondo. Si approccia a lui in maniera scherzosa e vedendolo rigido in alcune situazioni gli insegna a trasgredire il giusto con il motto “Niente metodi né schemi”. “C Duncan dunque comincia con l’unire la sua sensibilità e la sua intelligenza anche ad una maturazione anche relazionale. Comincia a prendere coraggio e ad interessarsi anche all’altro sesso in maniera molto equilibrata. Oltre a questo, comincia anche lui a diventare famiglia per qualcuno; ad esempio per Susanna ma anche per il piccolo Kyle che porta con sé durante una festa. Sono tante piccole solitudini in questa storia che vanno a unirsi. Un’altra riflessione che Owen condivide con Duncan riguardo il suo carattere è che l’istinto è quello di proteggere noi stessi perché siamo mossi dalla paura. Quella paura che sembra evidente in Duncan sin dall’inizio della pellicola, ma che diventa condizione permanente nella madre. La scena del gioco da tavolo fa emergere in maniera lampante le tensioni all’interno della famiglia. Il rapporto tra il ragazzo e la mamma, a un certo punto della storia, si capovolge totalmente. Infatti tra Pam ed il compagno Trent ci sono delle questioni irrisolte che lei ha paura ad affrontare; la svolta della vicenda avviene quando il figlio palesa alla madre il suo dissenso verso l’atteggiamento che ha nei confronti del compagno e, in un certo senso, la scuote a reagire. I personaggi sono ben delineati: Allison Jalley nei panni della stralunata vicina di casa è efficacissima nel suo ruolo come anche molto forte è l’interpretazione di Steve Carrell nei panni di Trent. Inoltre esilarante il personaggio di Sam Rockwell, che, anche se a tratti si presente un tipo fuori di testa e poco maturo, è un uomo profondo e lo testimonia sia la sua attenzione verso il ragazzo che il suo rapporto con l’amata Caitlyn. Interessante il titolo “The way the way back”: Duncan inizia la sua storia seduto di spalle sull’ultimo sedile posteriore della macchina (i cosiddetti sedili in alcune automobili americane chiamati way way back cioè quelli rivolti verso il bagagliaio) e finisce col ritrovarsi nella stessa posizione. Durante la villeggiatura estiva, però, egli inverte la direzione della sua vita e fa cambiare prospettiva di vita anche alla madre. Giulia Angelucci PARENTAL GUIDANCE (Parental Guidance) Stati Uniti,Italia, 2012 Regia: Andy Fickman Produzione: Peter Chernin, Billy Crystal, Samantha Sprecher per Chernin Entertainment, Walder Media Distribuzione: 20th Century Fox Italia Prima: (Roma 11-7-2013; Milano 11-7-2013) Soggetto e Sceneggiatura: Lisa Addario, Joe Syracuse Direttore della fotografia: Dean Semier Montaggio: Kent Beyda Musiche: Marc Shaiman Scenografia: David J. Bomba Costumi: Genevieve Tyrrell Interpreti: Billy Crystal (Artie Decker), Bette Midler (Diane Decker), Marisa Tomei (Alice Simmons), Tom Everett Scott (Phil Simmons), Bailee Madison (Harper Simmons), Joshua Rush (Turner Simmons), Kyle Harrison Breitkopf (Barker Simmons), Jennifer Crystal Foley (Cassandra), Rhoda Griffis (Dott. Schveer), Gedde Watanabe (Sig. Cheng), Cade Jones (Ivan Halloran), Mavrick Moreno (Cody), Madison Lintz (Ashley), Justin R. Kennedy (Brad Zolick), Brad James (Agente Chernin), Christine Lakin (Helen), Patricia French (Rose), Nate Panning (Allenatore Bostick), Joanna Daniel (Lauren), Kendra Goehring (Doris Halloran), Matthew Warzel (Josh), Peter Zimmerman (Nate), Erin O’Connor (Clara), Audray McCroskey (Gwen), Marla Malcolm (Emma) Durata: 105’ 60 Film A rtie è uno speaker radiocronista di incontri per la squadra di baseball dei Fresno Grizzlies. Vogliono licenziarlo con la scusa che non è al passo con i tempi ( non usa Internet e Facebook). Non è tecnologico al contrario di sua figlia Alice , suo genero e dei suoi tre nipoti. La moglie di Artie, Diane, è una signora che si dà tanto da fare, piena di energie. Al suo rientro a casa il giorno del licenziamento, la trova a fare una “lezione di lap dance” con le amiche . Ad Artie hanno proposto di insegnare in una università ma lui non vuole. Intanto il genero Phil ha avuto una promozione e vorrebbe lasciare i figli in custodia ai propri genitori, i nonni “presenti”. Alla fine, invece sono i genitori di Alice ad accettare la proposta. La famiglia Simmons vive in una smart house,un prototipo della R life la società per cui lavora Phil. Oltre a non conoscerli a fondo, i nonni materni devono affrontare ciascun nipote, ognuno con un problema: la bambina Harper ha continue ansie da prestazione, Turker è molto introverso e balbuziente e il più piccolo e pestifero Barker ha un amico immaginario, un canguro di nome Karl. Lo scontro è radicale perché i nonni hanno metodi educativi esattamente contrari a quelli dei genitori. In compagnia di Artie e Diane, i ragazzi riescono a combattere le loro paure e a capire davvero chi sono: cominciano a mangiare la torta, cibo a loro proibito, Harper riesce a capire che la sua ambizione non è quella di diventare una violinista, Turker con l’aiuto del nonno tenta di combattere la paura degli scontri quotidiani con i bulli della scuola e Tutti i film della stagione Barker riesce a metabolizzare la morte di Karl, il suo amico immaginario. Alla notizia di un incidente avvenuto sulla pista di alcuni skaters (Barker che ha fatto la pipì sul loro tragitto), i genitori allarmati tornano a casa e trovano una famiglia diversa. Si ricostruisce così anche il rapporto tra Alice e i suoi genitori , Artie confessa alla figlia di essere stato licenziato e diventano una famiglia felice. Ora anche Artie e Diane Decker sono diventati nonni presenti. maligni potrebbero definirlo come un ‘made in Usa’ legato al baseball. In realtà Parental guidance offre molto di più. E’ la rappresentazione parodistica e parossistica di un metodo educativo ormai fallito e, si sa , quando la parodia e la satira entrano in campo, può avere inizio anche una analisi critica e una riflessione su quello che è l’ormai conclamato fallimento di una intera generazione di educatori. Ed Andy Fickman sceglie per la sua commedia un Billy Cristal davvero insolito e un cast veramente ben assortito. Partecipazione straordinaria del grande skater, a cui hanno dedicato anche vari videogiochi, Tony Hawk. Ma gli elogi vanno soprattutto ai tre bambini protagonisti della storia interpretati da Bailee Madison, Joshua Rush e il tremendissimo Kyle Harrison Breitkopf. La Midler, impossibile non ricordarla con De Vito in Per favore ammazzatemi mia moglie duetta alla grande con Billy Cristal. Spassoso, divertente, non volgare e che affronta I tematiche serie. La messa in discussione e il cambiamento avviene sia per i nonni ( Artie appena licenziato dice di non volere insegnare all’università poi invece educa a 360° i propri nipoti), sia per i genitori. Come si dice “non si finisce mai di imparare” e così entrambe le generazioni di genitori giungono alla rivalutazione e al cambiamento finale e risolutivo della situazione, ma, soprattutto, si se stessi. Esilarante la scena del bagno con Barker, Artie e il barbone, toccante quella della recitazione di Turner del pezzo radiofonico di radiocronaca a cui Artie è particolarmente affezionato, tenera la scena della partita in giardino con tutti e tre i nipoti come anche quella di Harper e la sua presa di consapevolezza di non voler essere e diventare quello per cui i genitori le facevano credere di essere portata. Emblematica la scena della torta in una sorta di liberazione da tutte le pressioni e le fissazioni materne. A tratti le caratterizzazioni possono risultare un po’fuori misura. La contrapposizione tra naturalezza e artificialità è la stessa che contraddistingue i sistemi arcaici da una parte e quelli perfezionistico-tecnologici dall’altra ; quella che permette a nonno Artie di essere licenziato come uomo, ma di essere promosso a pieni voti come nonno. Anche i bambini impareranno ad amare e a rispettare i nonni materni nonostante la loro lunga assenza e la loro diversità. Una complicità che fa tenerezza. Una commedia vecchio stile. E ai nostri giorni non guasta. Giulia Angelucci VALUTAZIONI PASTORALI Alex Cross – La memoria del killer – n.c. Anime nere – complesso-problematico / dibattiti Annabelle – complesso / superficialità Apes Revolution – Il pianeta delle scimmie – consigliabile / problematico Arbitro (L’) – consigliabile / brillante Buca (La) – consigliabile / brillante Butterfly Room (The) – La stanza delle farfalle - n.c. Capitale umano (Il) – consigliabile-problematico / dibattiti Castello magico (Il) – consigliabile / semplice C’era una volta un’estate – n.c. Chef – La ricetta perfetta – consigliabile / brillante Colpa delle stelle – n.c. Colpi di fortuna – consigliabile / semplice Comportamenti molto… cattivi! – n.c. Dino e la macchina del tempo – consigliabile / semplice Drift – Cavalca l’onda – consigliabile / semplice Due vie del destino (Le) – The Railway Man – n.c. Due volti di gennaio (I) – consigliabile / superficialità …E fuori nevica – n.c. Frances Ha – n.c. Fratelli unici – consigliabile / semplice Giovane favoloso (Il) – consigliabileproblematico / dibattiti Hercules – Il guerriero – consigliabile / semplice Io sto con la sposa – consigliabile-realistico / dibattiti Jim: All Is By My Side – n.c. Joe – complesso / problematico Look of Silence (The) – consigliabileproblematico / dibattiti Lucy – complesso / problematico Maze Runner – Il labirinto – n.c. Milione di modi per morire nel West (Un) – n.c. Moglie del cuoco (La) – consigliabile / brillante Monsters University – consigliabile / semplice Mossa del pinguino (La) – consigliabile-problematico / dibattiti Nostra terra (La) – consigliabile-problematico / dibattiti Notte in giallo (Una) – consigliabile / brillante 61 Party Girl – n.c. Perez. – complesso / realistico Parental Guidance – n.c. Regno d’inverno (Il) – Winter Sleep – raccomandabile-problematico / dibattiti Resta anche domani – consigliabile / semplice Rompicapo a New York – complesso / scabrosità Se chiudo gli occhi non sono più qui – consigliabile-problematico / dibattiti Sex Tape – Finiti in rete – futile / scabroso Si alza il vento – consigliabile / poetico Sin City – Una donna per cui uccidere – complesso / violento Terzo tempo (Il) – consigliabile / superficialità Thor – The Dark World – consigliabile / semplice Transcendence – n.c. Trattativa (La) – complesso-problematico / dibattiti Tutta colpa del vulcano – n.c. Tutto molto bello – futile / superficialità Vinodentro – n.c. Walking on Sunshine – n.c. Zuppa del demonio (La) – n.c. Film Tutti i film della stagione Mostra del Nuovo Cinema, di Pesaro 2014 – Edizione Anno Cinquanta Ideologia, ricerca, studio. A cura di Flavio Vergerio L’EVENTO SPECIALE Nella tavola rotonda celebrativa dei 50 anni della “Mostra” di Pesaro, alcuni dei protagonisti della sua creazione a conduzione (Bruno Torri, Adriano Aprà, Andrea Martini, Giovanni Spagnoletti, senza contare lo scomparso Lino Micciché, il cui pensiero è stato evocato in un bel documentario del figlio Francesco e nel montaggio di filmati d’epoca “Speciale Pesaro”) hanno evidenziato un’evoluzione culturale e metodologica nella progettazione annuale della manifestazione. Secondo questa visione, si sarebbe passati da un prima fase “ideologica” a una di ricerca di nuove forme narrative e allo studio delle stesse. Credo invece che le tre “fasi” siano sempre state compresenti e ben rappresentate anche nell’edizione di quest’anno. Fra tutti gli altri festival “indipendenti”, estranei cioè alle ragioni del mercato, Pesaro è certamente quello che negli anni è meglio riuscito a restare fedele al suo progetto originario. Pesaro nasce a metà degli anni ’60 come riflesso delle lotte operaie e studentesche che proponevano una utopica palingenesi delle condizioni di vita dei popoli per il rinnovamento delle democrazie soffocate da dittature e dalla finanza capitalistica; in Italia e nel mondo. Il suo programma era, da una parte, quello di dare voce al cinema (spesso povero ed escluso dalla distribuzione commerciale) dei Paesi dell’America Latina, dell’ Asia e in genere del Terzo Mondo in lotta per la propria indipendenza. Cinema quindi di controinformazione, di denuncia e di testimonianza. D’altro lato, Pesaro si è da sempre posta il compito di fare emergere nuovi linguaggi e nuove forme di comunicazione, tanto da promuovere seminari di studio di linguistica e di semiotica (proprio a Pesaro, Pasolini lesse la prima stesura del suo celebre saggio sul “cinema di poesia”, pubblicato in Empirismo eretico, 1972). Il cinema sperimentale e di ricerca è stato sempre una seconda vocazione, forse anche più significativa, che, dopo la caduta delle illusioni sessantottine, rappresenta oggi la maggiore ragion d’essere della Mostra. Durante la contestazione dell’edizione del ’68 che mise in forse lo svolgimento della manifestazione, Lino Micciché affermava la necessità dell’ “auto-gestione” dei festival e quindi del cinema nelle sue strutture produttive e distributive “per la liberazione dall’oppressione della società, dello stato e dell’industria… Lasciamo che i festival, da mere esibizioni di prodotti filmici, di merci di consumo, si trasformino in luoghi di ricerca e di intervento concreto”. In questo senso, mi sembra straordinario il fatto che per merito della Mostra alcuni cineasti latino-americani (ad esempio l’argentino Solanas con il suo famoso L’ora dei forni) poterono montare ed editare i loro film in Italia, da esuli. La Mostra per celebrare i suoi 50 anni ha proposto, oltre a una tavola rotonda di riflessione sulla sua storia, una selezione dei film più significativi delle sue prime dieci edizioni. L’aspetto più interessante, a mio avviso, è che i film selezionati allora e riproposti oggi non appartenevano alla deprecabile categoria dell’agit-prop inneggiante all’immancabile vittoria del popolo rivoluzionario, ma costituivano un riflessione critica, talvolta amara e comunque problematica, sui conflitti sociali e politici e su figure ambivalenti di intellettuali impegnati nelle lotte rivoluzionarie. In questo senso, Il bravo guerriero di Gustavo Dahl (Brasile, 1968) mi è apparso come un vero manifesto postumo della condizione esistenziale e morale di ciò che rappresentava la figura dell’ “intellettuale organico”, vittima e produttore di infiniti dubbi, pronto a ogni cambio di orientamento politico e a ogni tradimento. Miguel Orta è 62 un giovane deputato brasiliano del “Partito Radicale” che cerca di opporsi al potere del Partito Nazionale dopo il colpo di stato del ’64. Per far passare un suo progetto di legge, si infiltra fra le fila del “Partito Nazionale”, ma finisce per essere manipolato da questo. Deluso e sconfitto nel suo idealismo si offre di entrare nel rivoluzionario “Partito del Popolo”, che però lo rifiuta perché lo considera poco affidabile. La crisi di identità politica del protagonista trova un corrispettivo nella crisi esistenziale e sentimentale: in preda all’alcol vive un’allucinata notte d’amore con la moglie del leader del “Partito del popolo”, tradendo la moglie. Dopo essere stato rifiutato anche dai compagni del Sindacato, finisce per cedere alla alienazione e alla solitudine e si uccide. La macchina da presa pedina il disperante girovagare attraverso le strade di Rio del protagonista, il suo inane agitarsi negli inutili contatti con avversari e compagni di militanza politica, sintomo della sua indecisione e della sua mancanza di concretezza operativa. Egualmente significativo per la sua problematicità critica appare Memorie del sottosviluppo del cubano Tomas Gutierrez Alea, anch’esso del ’68. In questo caso il “testimone” è uno scrittore borghese che, dopo la rivoluzione castrista, ha deciso di rimanere nella capitale, abbandonato dalla moglie e dagli altri parenti che hanno scelto di andare in esilio negli States. Sergio vaga anch’esso per la città e per vincere la solitudine corteggia una ragazza che viene obbligato a sposare senza amore dai parenti che lo trascinano in tribunale. Sergio rivive fra passato e presente la recente storia di Cuba, dalla dittatura di Batista alla presa del potere da parte di Fidel Castro. Ma, nella sua mente, non si tratta di una ricostruzione trionfalistica: nella nuova società “socialista” convivono vecchi e nuovi valori e il regime si rivela poco alla volta illiberale e Film sembra non mantenere le grandi promesse del ’59. Le grandi affermazioni di principio antimperialistiche (vengono montati brani di cinegiornali, tavole rotonde e conferenze) vengono messe a confronto con il vuoto angosciante delle strade di Cuba in attesa di un possibile attacco missilistico americano, in occasione della crisi diplomatica fra USA e Unione Sovietica del ’62. Significative critiche “dall’interno” vengono proposte da film che 40 anni fa potevano essere considerati soprattutto di “denuncia” e che oggi rivelano una sorprendente carica profetica. È il caso di Notte e nebbia del Giappone di Nagisa Oshima (1960), film a lungo invisibile per la sua “durezza” e difficoltà di lettura, che fa oggetto della sua messa in scena il settarismo dei movimenti studenteschi giapponesi degli ani ’50. Come in altri film di Oshima (cfr. La cerimonia), la struttura narrativa ruota attorno a un rito, in questo caso una festa di nozze , che occulta la realtà dei rapporti sociali e ideologici. Il giornalista Nozawa, vecchio militante del movimento studentesco, ha sposato Reiko a sua volta attivista meno radicale, per tentare di rifarsi una verginità morale e politica. Nozawa in passato aveva abbandonato i vecchi compagni e i propri ideali democratici per aderire all’ala comunista più dura e intransigente. Il tentativo di riconciliazione fra nuovi e vecchi militanti fallisce nel ricordo dei diversi personaggi degli antichi conflitti ideologici e gestionali del movimenti. Il matrimonio riparatore e strumento di espiazione è solo illusorio. Altri film, direttamente o in modo sottile e allusivo, criticavano il fallimento politico e sociale dei regimi del “socialismo reale”, soprattutto là dove, come nei Paesi dell’Est, era stato imposto con la forza delle armi e delle leggi economiche. È il caso di Il coraggio quotidiano (1964) del ceco Evald Schorm, analisi della crisi progressiva in cui cade un operaio modello ex-stakanovista, che si rende conto progressivamente del conformismo sociale che lo circonda. Oppure di L’uomo non è un uccello (1965) del serbo Dusan Makevejev, amara caduta delle illusioni per un tecnico di mezza età, travolto nelle sue certezze dall’amore molto sensuale per una giovane parrucchiera. O ancora per l’ironico C’era una volta un merlo canterino (1970) del georgiano Otar Iosseliani, impagabile commedia su un suonatore di timpani, donnaiolo inaffidabile e sordo alle regole di una metaforica “orchestra”. Iosseliani era presente a Pesaro ove ha tenuto una “non-lezione” di cinema, in cui ha smontato alcuni degli stereotipi del cinema hollywoodiano. Ma l’opera magistrale ripresentato opportunamente a Pesaro era senza dubbio Lo Tutti i film della stagione spirito dell’alveare (1973) dello spagnolo Victor Erice. Opera misteriosa e cristallina, austera e delicata, il film coniuga la sua presa di posizione politica antifranchista con una riflessione sulla potenza evocativa del cinema. In un remoto povero villaggio castigliano, alla fine della Guerra Civile, arriva il cinema e, in una sera d’inverno, viene proiettato l’horror Frankenstein di James Whale (1931). Ana, una bimba pensosa si pone il problema del rapporto con il “mostro”, che si può far apparire con arti magiche e che può diventare “amico”. Nell’immaginazione di Ana, il cinema diventa lo strumento per interpretare il mondo e quando un reduce repubblicano, forse amante della madre di Ana, si nasconde in un casolare lo soccorre con vestiti e cibo. Ma l’uomo viene ucciso dalla polizia e la bambina fugge rifiutando il rapporto con il padre, chiuso e apatico, incapace di rapportarsi all’urgenza di un mondo lacerato dai conflitti sociali. L’intensità drammaturgica del film viene determinata da un linea di racconto affidata al mistero e all’allusione, un poetico rinvio al non-detto e al fuori-campo in contrasto con ogni forma di didascalismo. IL CINEMA SPERIMENTALE NARRATIVO AMERICANO. Il cinema made in USA non è solo prodotto a Hollywood, ma diffuso oggi su tutto il territorio nazionale, presso musei, centri culturali, università. Negli anni ’60, in analogia alle “nouvelles vagues”, si sviluppò a New York una vera “scuola” che progettava e realizzava film in dichiarata antitesi ai canoni illusionistici e rassicuranti californiani. Partendo da una comune matrice “realistica” (molti film venivano realizzati in “presa diretta”), autori quali Lionel Rogosin, John Cassavetes, Morris Engel fecero emergere le contraddizioni e le problematicità dei personaggi e delle storie che mettevano in scena, filmandole in modo apparentemente casuale e “spontaneo”. Se, da una parte, il movimento si esaurì contemporaneamente alla fine delle manifestazioni di pensiero libertario, tematiche e forme narrative del “new american cinema” finirono con l’influenzare la produzione commerciale attraverso l’opera di registi quali George Lucas, John Milius e Francis Ford Coppola. La preziosa rassegna di cinema “sperimentale” americano, curata dal critico Jon Gartenberg, oltre che un valore di documentazione ha avuto il merito di indicarci le possibili future forme narrative del cinema di consumo. Come indicato nel titolo della rassegna, non si trattava di opere di ricerca linguistica astratte alla 63 Stan Brakhage, ma piuttosto volte alla loro costruzione “narrativa”, anche se di una narratività paradigmatica e consolidata tendono a minare i fondamenti. Mi sembra che il terreno comune su cui questi nuovo registi si muovono è la decostruzione del tempo e dello spazio, volta a denunciare l’inganno della visione in “trasparenza” del cinema di intrattenimento. Sintomatico di questa tendenza appare Francophenia di Ian Olds e James Franco, in cui vengono mescolate e ricomposte immagini girate dai collaboratori di Franco sul set di una soap opera che vedeva come protagonista la star. Ne risulta uno psicho-thriller, in cui la personalità dell’attore si sdoppia in un percorso paranoico volto al suicidio. Un ritratto problematico della dissociazione della personalità del Presidente Richard Nixon viene proposto da Penny Lane in Our Nixon, in cui vengono rimontati filmini girati dai collaboratori di Nixon, messi in rapporto con le registrazioni segrete di conversazioni e telefonate, che dovevano portare il presidente all’incriminazione per lo scandalo del Watergate. La mescolanza e la problematizzazione di materiali pre-esistenti sono volte a rivitalizzare i percorsi della memoria. È il caso di Though a lens darkly. Black photographers and the emergence of a people di Thomas Allen Harris in cui con uno straordinario lavoro di ricerca vengono analizzati gli stereotipi razzisti della cultura americana e il lavoro di artisti fotografi neri per costruire una nuova immagine del loro popolo. Un’altra significativa rielaborazione di materiali documentaristici d’archivio, accompagnata da una struggente colonna sonora di blues, viene realizzata da Bill Morrison in The Great Flood dedicata all’esodo epocale verso New Orleans della popolazione nera in seguito all’inondazione del Mississipi del 1927. CONCORSO, CINEMA IN PIAZZA, SGUARDI FEMMINILI RUSSI Anche il palmarés dei film (inediti) in concorso, o proposti al pubblico nelle serate all’aperto e provenienti da altre manifestazioni, ha confermato la continuità d’ispirazione ideale della Mostra. Il premio al miglior film è stato attribuito a Liar’s Dice dell’indiana Geethu Mohandas, racconto tragico del viaggio senza speranza di una giovane donna alla ricerca del marito sceso dal proprio villaggio sulle montagne a cercare lavoro a Nuova Delhi. La donna, accompagnata dalla figlia di tre anni e da un disertore si perderà a sua volta nella grande metropoli. Sospeso fra realismo e poesia il film sprigiona una rara intensità di sguardo e Film comunica grande inquietudine per la sorte del popolo degli “invisibili” reietti della storia, vittime della crudele legge dell’inurbamento nelle grandi città. La “Menzione Speciale” è stata attribuita a Tierra en la lengua del colombiano Rubén Mendoza, che sviluppa un’inquietante metafora sulle contraddizioni sociali del continente sudamericano. Un padre-padrone ha gestito la sua fattoria e la famiglia in funzione dell’autoritarismo maschilista, unicamente teso alla terra e alla proprietà. Rimasto solo e sentendo vicina la morte tenta di trasmettere la sua eredità morale e materiale a due nipoti, che invece rifiutano di assolvere al compito assegnato. Una seconda menzione è stata attribuita all’estone Veiko Ốunpuu che con Free Range – Ballad on approving of the world, ha proposto un lacerante ritratto di un giovane aspirante scrittore in fuga dal padre e lavoratore precario fra fabbriche disumanizzanti e squallidi alloggi. Solo l’amore per una ragazza, che gli comunica di essere incinta, gli fornirà qualche prospettiva esistenziale. Il film è interessante per il suo minimalismo che riesce a comunicare il non-senso di vite volte solo all’auto-annientamento. Il premio “cinema e diritti umani” conferito da Amnesty International è stato opportunamente attribuito al documentario, proposto dalle selezione “Sguardi femminili russi”, Mamma, io ti ucciderò di Elena Pogrebizhskaja, indagine impietosa sulla funzione alienante e repressiva delle casefamiglia e degli istituti psichiatrici cui vengono affidati in Russia ragazzi provenienti da famiglie problematiche e vittime di frettolose diagnosi cliniche. L’aspetto terribile di questo meccanismo è che la struttura di “accoglienza” dei giovani abbandonati a se stessi rappresenta uno strumento di potere e di controllo di ogni forma di ribellismo e di diversità. Il film raccoglie, oltre alle testi- Tutti i film della stagione monianze dei “carcerieri”, quelle dei sogni impossibili dei ragazzi, volte inutilmente alla libertà e al benessere. Il Premio del Pubblico attribuito ai film proiettati in Piazza è stato attribuito al film collettivo I ponti di Sarajevo, realizzato in occasione dei 100 anni dall’attentato di Sarajevo, che doveva provocare la Prima Guerra Mondiale. Da segnalare, accanto ai corti di Jean-Luc Godard, Aida Begić, Cristi Puiu, i contributi di Vincenzo Marra e di Leonardo Di Costanzo. Ne Il ponte, Marra descrive la vita pulsante che si svolge sul ponte romano dell’Isola Tiberina, luogo di separazione e di scambio interculturale. Ne L’avamposto Di Costanzo narra in modo fulminante il dramma di un soldato che preferisce morire in un attacco suicida dalla sua trincea piuttosto che partecipare al plotone d’esecuzione per una decimazione di compagni considerati traditori. La sezione era impreziosita dalle animazioni di propaganda fascista di Liberio Pensuti (operante negli anni ’30 e ‘40), restaurate e raccolte in un DVD a cura della Cineteca di Bologna, dalla Cineteca di Milano e dall’Archivio del Cinema d’Impresa di Ivrea. Pensuti era un disegnatore idealmente anarchico e antifascista, ma ingaggiato dal regime per alcuni geniali e divertenti cortometraggi inseriti nei programmi della Settimana Incom. La sua ispirazione libertaria si coglie nel tratto ironico e antiretorico, in sottili ammiccamenti allo spirito critico del pubblico più avvertito del tempo. Ad esempio nel film commissionatogli per la campagna contro la tubercolosi, il bacillo della malattia viene rappresentato come una larva incappucciata come un membro del Ku Klux Klan. La vena parodistica di Pensuti si manifesta nei corti anticolonialisti sull’Etiopia e nei ritratti deformati di Churchill e di Hitler. CINEMA D’ANIMAZIONE ITALIANO PRIMO LEVI Nel mio frenetico programma giornaliero di visioni la sezione dedicata all’animazione, a causa di frequenti e ineliminabili sovrapposizioni, è stata la più penalizzata e di essa non ho visto quasi niente. Il curatore, Bruno di Marino, già ordinatore 15 anni fa della straordinaria rassegna Animania che raccoglieva le migliori opere d’animazione di tutti i tempi, unitamente a Giovanni Spagnoletti, ha fatto il punto stavolta sulla più recente produzione italiana, valorizzando le opere delle “scuole” di Urbino, Loreto, Roma e Torino, da cui sono usciti autori ormai affermati quali Simone Massi e Gianluigi Toccafondi. A corredo della rassegna, imperdibile strumento di lavoro futuro, Di Marino e Spagnoletti hanno curato un importante volume di saggi e testimonianze, edita dalla benemerita Marsilio, Il mouse e la matita. Mi preme infine segnalare, nella mia qualità di educatore, il commovente documentario di Alessandro e Mattia Levratti, Ivan Andreoli e Fausto Ciuffi L’interrogatorio. Quel giorno con Primo Levi. Gli autori hanno rivisitato e rimontato vecchi filmati amatoriali messi rapporto e dialogo con testimonianze attuali di una significativa esperienza didattica. Alcuni docenti di Pesaro, dopo aver fatto leggere ai propri alunni tutta l’opera di Levi, lo hanno incontrato al Teatro Rossini in un emozionante dialogo, in cui i giovani hanno rivelato grande maturità e consapevolezza. Il film è uno straordinario invito alla necessità della memoria e dei riflessi della storia sulla coscienza dell’oggi. Il DVD può essere richiesto alla Fondazione Villa Emma, Nonantola (Modena). Flavio Vergerio 64 I DUE VOLTI DI GENNAIO - di Hossein Amini LE DUE VIE DEL DESTINO - di Jonathan Teplitzky Luglio-Ottobre 2014 130-131 Anno XX (nuova serie) - Poste Italiane S.p.A. Spedizione in Abbonamento postale 70% - DCB - Roma LUCY IL GIOVANE FAVOLOSO di Luc Besson di Mario Martone ANIME NERE di Francesco Munzi LA TRATTATIVA di Sabina Guzzanti JOE - di David Gordon Green THE LOOK OF SILENCE Euro 5,00 di Joshua Oppenheimer