tina grifoni - Luca | School of Arts

TINA GRIFONI
PORTFOLIO
2010 - 2015
ARTISTIC CURRICULUM VITAE
STUDIES
PRESENTLY: MA in Fine Arts, LUCA School of Arts, Bruxelles.
2014: Intensive summer workshop about oil painting, Escola Llotja Drawing and Art school, Barcelona.
2013 - 2014: Video shooting and film photography annual course, School of Cinema Immagina, Florence.
2010 - 2012: BA Visual and Performing Arts, University IUAV of Venice.
Workshops: Mario Airò, Alberto Garutti, Adrian Paci, Lawrence Carroll, Guido Guidi, Agnes Kohlmeyer.
Final dissertation: “The Renaissance of Artist Run Spaces in Italy”. Supervisor: Angela Vettese.
2008 - 2009: Accademic annual photography course, The Darkroom international school of photography, Florence.
INTERSHIPS
2013: Galleria Continua, San Gimignano (SI). Solo exhibitions “Iris Hope Keeper” of Nari Ward and “A body of work” of Mona Hatoum.
2011: Exhibition “Personal Structures”, sideshow of the 54th Biennale di Venezia organised by GlobalArtsAffairs Foundation.
SHORT BIO
Growing up in the countryside near Florence, Tina Grifoni is a young visual artist. Thanks to her
father’s old Pentax MX, she developed a strong passion for photography at a really young age.
Finished a languages high school, following her passion for photography she attended a one
yearprofessional course at TheDarkoom International School of Photography (Florence).
There she learned all about analogical photography and printing. In 2012 she graduated in
Visual and Performing Arts at IUAV University of Venice. She enriched her skills in the
audio-visual field, working as a photographer and participating at various courses and projects:
member of Beduin Heritage Project (Jordan, 2009), video shooting course at Immagina School Cinema (Florence, 2014), Erasmus Leonardo in video editing (Barcelona, 2014), Erasmus+
youth exchange “Idoc” (Palermo, 2015). Presently she is finishing her master in Fine Arts at
LUCA School of Arts, Bruxelles. Her artistic practice is
characterized by an anthropological approach and is focused on issues as the creation of
relationships between people, nature and environment, communication media in our time.
WORKSHOPS
2014: Videoaction workshop led by artistic collective Left Hand Rotation, BccN Festival, Barcelona.
2013: Workshop led by artistic collective Docile Spaces, RIUSA-intedisciplinary workshop, Florence.
Workshop led by Massimiliano e Gianluca De Serio, Paratissima Festival, Turin.
Outside_incontri sull’arte nei ‘luoghi comuni’ cured by Pietro Gaglianò, Florence.
With the participation of of artistic collectives Lungomare/Osservatorio Urbano, Largo Baracche, Viaindustriae.
COLLECTIVE EXHIBITIONS
2014: “Factory Athena Award” cured by Viola Andrea Duse Masin and Simona Dipasquale, Florence.
2013: “Montanina Summer Kunst”, impromptu exhibition organised by TOAST Art Association, Florence. First prize of the jury.
TRANSPARENCY
Bruxelles, 2015
collective action
paper, tape, buttermilk.
T r a n s p a r e n c y è un’azione collettiva (da
me ideata e organizzata) realizzata dagli
studenti della LUCA School of Arts in risposta
ai tagli economici all’istruzione.
L’azione consiste nell’oscurare le vetrate della facciata della scuola con del burrolatte lasciando trasparenti solo le 12
lettere della parola “transparency”.
Con questa azione abbiamo chiesto
maggiore trasparenza agli amministratori scolastici nell’attuazione degli inevitabili tagli
dovuto alla crisi internazionale.
AQUI AHORA
Here Now
Barcelona, 2014
site specific installation
coloured threads, public benches
Aqui Ahora sono le parole intessute con fili
colorati nello schienale forato di due panchine
nella piazza di Poble Nou a Barcelona.
Otto unici fili disegnano le due parole unendo
gli schienali.
L’installazione è un invito per i passanti a vivere
il presente in senso sia fisico che temporale,
è un omaggio alla panchina in quanto luogo
sociale pubblico.
Here Now are the words woven with colored
threads in the perforated seatbacks of two
benches in Poble Nou, Barcelona.
Eight threads draw these two words
connecting the backseats.
The installation is an invitation for pedestrians
to live the present in both physical and
temporal sense, it is a tribute to the bench as a
social public place.
SE MI DAI UN SEME
If you give me a seed
2014-2015
collective action documented through photography and
silk screen printing on paper.
avocado seeds, glass jar, water, toothpicks.
Portami un avocado.
Una richiesta semplice, ma insolita.
Chi chiede cosa ci farò, chi senza problemi accetta.
Grazie. Ora prendine il seme e piantalo, qui puoi scegliere il vasetto
che preferisci, là gli stecchini. Ti consiglio di metterne tre, come vuoi tu.
Qua un pennarello: vuoi scrivere qualcosa sopra il vasetto?
Non so, il tuo nome...un messaggio...un desiderio....qualsiasi cosa!
Ognuno pianta il suo seme, crea un piccolo oggetto scultoreo.
E io me ne prendo cura.
Cambio l’acqua, osservo come il seme si spacca, come la radice esce
e cresce, come dopo mesi esce un piccolissimo stelo che piano piano
si riempie di foglie.
Ogni seme è diverso, come ogni persona, come ogni relazione.
Se mi dai un avocado è un progetto inspirato dalla teoria del dono di
Marcel Mauss, per il quale il dono è un fatto sociale totale
capace di creare relazioni umane basandosi sul principio della
reciprocità. Quest’azione collettiva vuole innescare il meccanismo del
dono ricordando che la creazione di relazioni richiede tempo e cura
(contrariamente alla “liquidità” delle relazioni portata dai nuovi mezzi di
comunicazione, primi fra tutti i social network).
Mi piacerebbe proporre l’azione a livello espositivo invitando il
“pubblico” a portare e piantare un avocado. Durante i mesi
dell’esposizione, il pubblico stesso dovrebbe, con gli annaffiatoi a
disposizione, aggiungere l’acqua nei vasetti con dentro i semi.
Nessuna persona vedrebbe il risultato immediato della sua azione, solo
il senso di comunità porterebbe i semi a crescere.
Bring me an avocado.
A simple but unusual request.
Some asks me what I will do with it, others just accept.
Thank you. Now take the seed and plant it, here you can choose the jar
you prefer, over there are some toothpicks. I advise you to use three of
them, however you want. Here’s a pen: would you like to write
something on the jar?
Your name...a message....a wish...anything!
Everyone plants their seed, creates a little sculptural object.
And I take care of it.
I change the water, I observe how the seed breaks, how the root comes
out and grows, how after months a tiny stem comes out and slowly fills
with leaves.
Each seed is different, as every person, as every relationship.
If you give me an avocado is a project inspired by Marcel Mauss
“Theory of gift”. According to him the gift is a total social fact able to
create human relations based on the principle of reciprocity. This
collective action wants to trigger the mechanism of the gift pointing out
that building relationships takes time and care (contrary to the “liquid”
quality of relationships brought by the new media, first of all the social
networks). I would like to see this action take the form of an exhibition,
inviting people to bring and plant an avocado seed. During the
exhibition period, the “audience” itself is supposed to add water to the
seeds jars with the sprinklers available.
No one would see the immediate result of their actions, only the sense
of community would lead the seeds to grow.
series of 6 silk screen printings on paper,
110x73 cm each.
SELF-IE-PORTRAIT
2014
series of 9 photographs
digital color printing
20x15 cm each one
Nove fotografie di portaritratti in argento. Sembrano i ricordi
della vita di una nonna, ma non contengono le fotografie di una
famiglia, bensì l’immagine di una persona che si fotografa
ripetutamente riflessa nello specchio.
In realtà non si può esser sicuri sia sempre la stessa persona, solo una
cosa è certa: lo smartphone dalla custodia rossa, con cui le foto sono
scattate, è lo stesso e copre, insistentemente, il viso di chi fotografa.
Self-ie-portrait indaga la diffusione dell’autoritratto, che si
declina in selfie e viene condiviso sui social network grazie all’uso
degli smartphone.
il progetto s’interroga sull’accanimento nell’autorappresentazione tesa
a definire la propria identità agli occhi degli altri. Questa pratica non
avvicina alla consapevolezza di sé, come invece l’autoritratto
tradizionalmente inteso, ma costruisce immagini fittizie impedendoci
di vedere chiaramente il nostro riflesso.
Nine photographs of silver picture frames. They look like a grandmother
life memories. However, they do not contain family pictures, but rather
the images of a person repeatedly capturing his reflection in the mirror.
Actually we cannot be sure it is always the same person, only one thing
is certain: the red case smartphone, with which the pictures are taken,
is always the same and it covers the photographer’s face insistently.
Self-ie-portrait investigates the recent spread of self-portraits, which
declined in selfies are shared on social networks through the use of
smartphones.
The project inquires about the persistence in self-representation aimed
to define our own identity before the eyes of others.
The habit of shooting selfies doesn’t lead to self-awareness, as the
traditional self-portrait does, but it creates factitious images that prevent
us from clearly seeing our reflection.
THIS IS MY WALL
2013
wood panel, digital printed photographs, stucco
200x120 cm
In This is my wall uno strato di fotografie è
coperto con dello stucco.
Le fotografie sono scaricate da Facebook, tra
quelle aggiunte da altri in cui io sono stata
taggata, comparendo così sulla bacheca
del social network (in inglese “wall”).
Queste fotografie creano un immaginario
casuale collettivo, creano un bacino di
memoria altro dal mio personale. Formano una
memoria pubblica, quindi così forte che a tratti
prevale sulla mia.
Il gesto di ricoprire le fotografie con lo stucco
è una rivendicazione della mia memoria contro
quella creata dal social network.
Giocando col materiale, decido io cosa
cancellare e cosa mantenere.
This is my wall, total view
In This is my wall a layer of pictures is covered
with stucco.
The pictures are downloaded from
Facebook. Pictures uploaded by other people
in which I’m tagged. So they
appear on the Facebook wall.
These photographs create a collective
random unconscious memory of myself
really different from my own.
The gesture of covering them with stucco is a
claim of my personal memory against the one
created by the social network.
Playing with the material, I decide what to
delete and what to maintain.
This is my wall, details
IO NON SONO STATA LA
I have not been there
2012
4 colour photographs, stucco
15x20 cm each
Io non sono stata là affronta l’impossibilità di
rielaborare eventi passati in esperienza
condivisibile, impedendo in questo modo di
renderli parte del proprio vissuto.
Il progetto è composto da quattro fotografie di
gruppo scattate e caricate da altri su un social
network, successivamente stampate e
modificate manualmente.
Un tempo le fotografie si facevano con cura,
erano preziose, si mostravano sfogliando le
pagine di un album o proiettandole su un muro.
Oggi lo scambio di immagini é molto più
semplice e veloce. Migliaia di eventi sono
immortalati e condivisi in rete ogni minuto,
tanto che la loro veridicità è sancita più dalla
loro riproduzione su uno schermo che dal reale
avvenimento.
Lo stucco bianco, come una concrezione
marina, copre la mia figura. Con la sua
matericità annulla la mia presenza, ma al
contempo evidenzia il vuoto che queste
“non-esperienze” creano.
I have not been there deals with the
impossibility of re-elaborating passed events
as sharable experiences, forbidding them to
become part of our own past.
This project is composed of four group
pictures taken and uploaded by other people
on a social networks, and then printed and
manually modified.
Once pictures were taken with care, they were
something precious and delicate, pictures
were shown in an album or projected on a wall.
Today, image exchange is much easier and
faster. Thousands events are immortalized
and shared online every minute, so that their
truthfulness is sanctioned more by their
reproduction on the screen than by them really
happening.
The white stucco, as a marine concretion,
covers my image. With its materiaity it nullifies
my presence, highlighting at the same time the
vacuum created by these “ non -experiences”.
LOCUS AMOENUS
2012
site specific installation/ happening
seashells, pillow, fresh fruit, notebook, pen
La ricerca che ha dato vita al lavoro Locus
Amoenus parte dalla volontà di far vivere ad
altri un’esperienza personale di un luogo.
Nello specifico, desideravo che altri
vivessero il mio “locus amoenus” di Venezia, il
punto di pace e raccoglimento trovato in
questa città. Per far ciò, ho esaltato la
sensazione che questo luogo mi trasmetteva
mettendo conchiglie sul suolo, un cuscino, un
vaso di frutta fresca e un quaderno con penna
su cui scrivere. Ho creato un luogo
accogliente per il mio “pubblico”. Essendo il
locus amoenus una dimensione privata per
definizione, ho chiesto alle persone di andare
una alla volta. Queste, prima di arrivare,
dovevano camminare per alcuni minuti
secondo le mie indicazioni date a voce.
Dopodiché,potevano restare nel luogo quanto
volevano. Quello che è rimasto dell’esperienza
che ogni persona ha vissuto nel Locus
Amoenus è documentato da ciò che ognuno
ha voluto o non voluto scrivere sul quaderno,
che più di una raccolta di commenti relativi
all’installazione è stato il diario collettivo di
esperienze individuali.
The research from which Locus Amoenus was
born stems from the will to let others live my
personal experience of a place.
Specifically, I wondered how others could live
my “locus amoenus” in Venice, the place of
peace and meditation.
To do so, I intensified the sensation originated by this place by putting seashells on the
ground, a pillow, a bowl fresh fruit and a
notebook on which to write on. A cozy space
for my “audience”.
Since the locus amoenus is a private
dimension by definition, I asked the people to
to visit it one by one. To arrive there, they had
to walk for some minutes following my spoken
instructions. They could spend as much time
there as they wanted.
The experience that every person had in the
Locus Amoenus is documented by what each
one has written on the notebook. Rather than a
collection of comments related to the
installation, it has become a collective diary of
individual experiences.
CREMORTARTARO
Cream of tartar
2012
installation
28x28x14 cm
4500 ml di acqua
1500 g di farina
1500 g di sale fino
100 g di cremortartaro
60 ml di tempera fine color verde smeraldo
4500 ml water
1500 g flour
1500 g salt
100 g cream of tartar
60 ml of emerald green tempera
Mescolare, amalgamare, impastare.
Da ingredienti comuni produrre una materia
malleabile simile al “pongo”.
Testarne la consistenza, la duttilità.
Plasmare a propria scelta, poter creare qualsiasi forma.
Mix, blend, knead.
Create a malleable material similar to “play
dough” using common ingredients.
Test its consistency and ductility.
Model according to your own choice, have the
possibility to create any shape.
Cremortartaro è un blocco di questo materiale
organico modellabile lasciato seccare. La sua
superficie al contatto con l’aria si inaridisce e
si disegna di cristalli di sale. L’interno rimane
vivo, ancora modellabile, ma destinato a indurirsi.
Solo il calore e l’azione delle mani possono
mantenere la materia viva, come solo la nostra
participazione può cambiare il mondo che ci
sta attorno.
Cream of tartar is a block made of this moldable
organic substance left to dry. Its surface, after
the contact with the air, runs dry and draws salt
crystals. The inside of the block remains alive,
still moldable, though destined to harden.
Only heat and the use of our hands can keep
the matter alive, just as only our involvement in
the world can change what is around us.
VOLTOPAGINA
Turning faces
2010
Plexiglass, printing on transparent acetate sheets, wire
27,9 x 36 cm
Voltopagina nasce dalla riflessione di quanto
la nostra identità sia dettata dalle persone con
cui abbiamo un legame.
Ogni persona ci compone come le pagine di
acetato trasparente compongono questo libro.
I ritratti fotografici rielaborati digitalemente
sono stampati coi colori della stampa in
tricromia (ciano, magenta e giallo).
Sovrapponendosi creano un solo strano volto
colorato.
Sfogliando e osservando ogni volto-pagina
possiamo forse riflettere su dove finisce l’altro
e cominciamo noi.
Turning faces, graphic project
Turning faces was born from thinking about
how much our identity is the result of the
people with whom we have a bond.
Each person forms us as the transparent
acetate pages form this book.
The photographic portraits digitally
re-elabotated are printed with tri-color print
colors (cyan, magenta and yellow).
By overlapping, they create a single weird
colored face.
Turning and observing each face-page has us
thinking, where the others finish and we being?
PRIMA CHE IL BOSCO SI SVEGLI
Before the wood wakes up
2010
series of 9 photographs
silver halide printing
30x30 cm each
Una vecchia Hasselblad al collo e un bosco da scoprire.
Indagare le tracce e le forme della Natura senza
che lei se ne accorga.
An old Hasselblad around my neck, a forest to discover.
Investigating the traces and forms of Nature without
her noticing.